巴洛克时
文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情太溶势述盾别额的需要所压倒。在美术中可以从卡拉瓦乔(1573-1610)的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德连合妈的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展够提片李控维州感了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐
进行流畅，各个声部(通常为四至五个声部)相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐360问答受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。
“对比”可以表现为各个不无同的方面:音的高与低;速度的快与慢(快与慢的段落对比或快慢声部间的对比);力度的强与弱;音修府源列扬树块色的不同;独奏(唱)与全奏(合唱)等便间等。所有这些都在巴洛克时期的音乐结构中存在，各有它们的地位。许多巴洛克时期的音乐家使用协奏曲或复协奏曲形式(此词本身意味着明显的对比因素)，这种形式的基本特点是织体的至先变换，有时用一个声部
班代点七求(独奏)或几个声部，有时用较大的群体合奏。
最胜毫记尔财色皇胜明显而强烈的对比是当时出现的一个新的体裁叫做“单声部歌曲”(monody)，它是一种独唱歌曲，大致振初负乱最纪是在上面有一个流畅的人声声部，配以琉特琴或羽管键琴万脸鸡或的伴奏，伴奏的进行较为缓慢，这一体裁的代表人物(在某种程度上可以说是创造者)是作曲家兼歌手卡奇尼(Caccini亲什宽我取秋具脚，约1545-1618)在他划时代的作品《新音乐》(Le
nuove musiche)歌集中，人声的旋律依循歌词的意义，变化极大，在节奏和织体上可以从很简朴到非常富有装饰性;而且又与几根绝转乎固定不变音型的伴买那至本跳山坚破下奏声部形成对照。
卡奇尼属于佛罗伦萨的“卡梅拉塔会社”(一个由音乐家、诗人、贵族组成的团体)成员，他季草而在十六世纪七十至八十年代接触到将古希腊音乐中表现感情的观点加以再创造的概念，这个团体遵循这个概念采用了“单声部歌曲”的形式。
上述“伴奏”这个词，在文艺复兴时期音乐中几乎不用考良着义间进固虑，作为一个观念，它属于巴洛克曾美几时期，它意味着乐器声部之间的地位不同。事实上巴洛克音乐最重要的特河均帝各它析操九少征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴(或拨弦乐器琉特琴或吉它)上奏出低音声部，上面标出数字指示
他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴(或维奥尔琴或大管)一类可延长
音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。这种使用通奏低音的织体是:上面一个人声或乐器的旋律声部，底部是一个低音乐器，中间填以和声，这是典型的巴洛克音乐的风貌。上面的声部也常有用两个的，有时是为两个歌手写的，有时是两把小提琴(此时即称三重奏鸣曲)，此种结构在巴洛克音乐中也很典型，特别是通奏低音不能或缺，说明由低音产生和声的概念对于巴洛克音乐是如何重要，是它的中心。这个概念的出现并不突然，在十六世纪中已有将低音声部区别于复调音乐中
上面其他几个声部线条的，但只是到了巴洛克时期这种风格才清楚地确定下来。
与上述的变化一起，而且是有关的，是放弃复调(更精确地说，复调音乐成为一种老式的方法，几乎只用于教会的某一类音乐中)。重视和声必然导致在一首乐曲中出现和声进行的若干终止点，这些终止点称终止或收束，是由于某一种标准的一系列和声进行而形成的。与此相关的是节奏的进行，在声乐中，旋律要表达歌词的情感，必须按照(甚至夸张)语言的自然节奏;在器乐中(包括一些声乐，特别是合唱曲)有用舞蹈节奏的。由于低音用了舞蹈音乐的节奏型，加速了调性感觉的发展以及
向某一个特定的音进行的趋向性。与此同时，新乐器种类的出现加速了这个进程，其中最重要的乐器为小提琴族系。当时维奥尔琴的发音适合复调音乐的清晰但却缺乏节奏的动力感，而小提琴洁净明快的运弓以及其演奏辉煌技巧乐曲的能力适合演奏舞蹈节奏的音乐，与单声部歌曲相比更有发挥技巧的能力。声乐风格与器乐风格的交替进行是典型的巴洛克的手法，巴洛克音乐中有这样两种不同风格的交替进行是为了新奇和效果。
巴洛克早期重要的音乐形式是单声部歌曲(相对于前一个时期复调音乐而言)以及与此相联系的
体载歌剧与清唱剧，强调语音与音乐的紧密结合，在歌剧中还有布景的效果。单旋律音乐中不使用对位，其形式是由旋律与低音相结合发展起来的，如分段歌形式，回族曲结构，在反复出现的低音声部上的变奏。在乐器方面也有相应的发展，如适合于演奏通奏低音组合的乐器，以及替代维奥尔琴族系的小提琴等，小提琴族系乐器更灵活而且能演奏较高的类似人声的音域。
巴洛克时期音乐特点
巴洛克时期的音乐中没有太多的思想，讲究韵律的优美。歌剧、清唱剧和大合唱是声乐方面最重要的一些新形式，而奏鸣曲、中雀协奏曲和前奏曲则是为器乐而创作的。
蒙特威尔地（Claudio Monteverdi，1567～1643）是“新音乐”的第一个伟大作曲家。在意大利师承他的是史卡拉第（Alessandro Scarlatti，1660～1725）和佩戈莱西（Giovanni Pergolesi，1710～1736），都是意大利巴洛克歌剧大师。
意大利器乐传统体现在该国伟大的巴洛克作曲家科莱利（Arcangelo Corelli，1653～1713）、韦瓦第（Antonio Vivaldi，1678～1741）以及塔替尼（Giuseppe Tartini，1692～1770）身上。吕里（Jean-Baptiste Lully，1632～1687）和拉莫（Jean Philippe Rameau，1683～1764）是法国巴洛克音乐的两位大师。
在英国，继斯图亚特王朝时期的假面剧盛行之后，有亨德尔（1685～1759）在声乐方面所取得的成就。亨德尔生于德国，在意大利受过音乐训练。而与他的同代人巴赫（1685～1750）随后在德国把巴洛克圣乐推向了高潮。德国其他的著名巴洛克作曲家有许茨（Heinrich Schutz，1585～1672）、柏格兹特胡德（Dietrich Buxtehude，1673～1707）和泰勒曼（Georg Philipp Telemann，1681～1767）。
葡萄牙语baroque原意为不圆的、形状不规则的珍珠，现指欧洲17世纪和18世纪初期豪华的建筑风格。音乐家借用此语概括地说明同一时期的音乐风格。
旋律特点：乐句长度不一，气息较长，无论是声乐还是器乐，旋律都空前地华丽复杂，有相当多的装饰音和模进音型。和文艺复兴时期的旋陆拍律一样，曲调的进行常常带有形象化、象征性特征。引人注早培羡目的是旋律中有明确的和声属性。
节奏：主要分为自由节奏的和律动鲜明、规整的这两种节奏。前者用于宣叙调、托卡塔、前奏曲等，后者用于咏叹调、赋格、舞曲等，在一个乐章中会保持始终。这两种节奏常常搭配使用，如宣叙调与咏叹调，前奏曲（或托卡塔）与赋格。
调式：大小调体系，它已取代了过去的“教会调式”。
和声：已形成了完整的以主、属、下属为中心的大小调功能和声体系，利用不协和音作调性转换并使和声进行富有动力和情感色彩。十二平均律在17世纪的发明与和声体系的充分发展有密切的关系。
通奏低音：（thoroughbass，又称作数字低音figured bass或basso continuo）
巴洛克时期特有的作曲手段。在键盘乐器的乐谱低音声部写上明确的音，并标以说明其上方和声的数字。演奏者根据这种提示奏出低音与和声，而该和弦各音的排列以及织体由演奏者自行选择。
织体：复调织体占主要地位，其写作技术达到了空前绝后的高峰。与文艺复兴时期的复调不同之处在于它是在功能和声基础之上的对位。同时也有许多作品采用主调织体。
曲式：以相互间形成节奏、速度、风格对比的多乐章结构为主，如组曲、变奏曲、协奏曲、康塔塔、清唱剧等，常用前奏曲与赋格、宣叙调与咏叹调的搭配关系。复调乐曲的内部结构是以模仿手段写作的连续体（不分段），但可看出明确的呈示、发展和再现因素。同时也有分段结构、变奏曲、在固定低音旋律之上进行变奏的帕萨卡利亚、夏空形式。
主要的音乐体裁：声乐：弥撒、经文歌、众赞歌、歌剧、清唱剧、康塔塔、受难乐以及各种独唱、合唱曲。 器乐：托卡塔、前奏曲、幻想曲、赋格曲、变奏曲、组曲、奏鸣曲（以独奏奏鸣曲与三重奏鸣曲为主）、协奏曲（管弦乐协奏曲、大协奏曲、独奏协奏曲）。
情绪特点：在一个乐章之内保持一种基本情绪,在乐章与乐章之间才形成对比。
力度表现：不追求渐强和渐弱的细微变化，而是采用较为清晰的“阶梯式力度”。
代表作曲家：有乔治·弗里德里希·亨德尔（GeorgeFridericHandel，1685~1759）等。
扩展资料
巴洛克时期的源初：
关于baroque一词的起源，公认的看法是源出葡萄牙语barroco（西班牙语也为barroco）一词，意为“不合常规”，特指各种外形有瑕疵的珍珠。法语形容词baroque由伊比利亚语派生而成，后从法语原封不动地移入英语。
17世纪末叶以前最初用于艺术批评，泛指各种不合常规的，稀奇古怪的，因而也是离经叛道的事物。
到18世纪用作贬义，一般是指违反自然规律和古典艺术标准的做法。
在19世纪中叶之前，依然用作贬义而非艺术风格名称，直到沃尔夫林（Heinrich Wolfflin）发表《文艺复兴与巴洛克》（Renaissance and Barock）。
参考资料来源：百度百科-巴洛克时期
