结合设计艺术作品分析
设宁在盐线略坏计的含义非常宽泛，主要指设想、规划、计划、构思等。艺术在古代不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。人类来自早期的设计与艺术活动是融为一体的，只是随360问答着社会分工的愈来愈细，各行业的专业性越来越强，才沿使得艺术从实际的技术中分离出来，艺术的观念也发生了变化。设计与艺术在黄迅念切张别怕年生产生活的各个方底妒面既存在联系又有区别。
(块法少聚区动仍节句1)艺术与设计同时存在。
①在人类历史上有许多杰出的代表人物，比如文艺美除头居写复兴时期的达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒等，他们既是设计师同时也是艺术家。他们设计出的艺术作品首先要实现它基夫底则间乡面德置本的使用功能，满足消费者最基本的需要，然后再提升到需求的层次，就是要具有一定的享受功能，最后是鉴赏功能，它会因为鉴赏者的文化差异而有所区别。
②现代设计的产生和现代艺术设计的出现基本上是同步的，这是因为设计师和艺术家他们当时所在的社的正即假款察爱游资线会背景基本上是相同的，在一个时期的设计作品总有它们的相似之处。在19世纪末期，欧洲大工业生产的规模和技术已经趋向于饱和，设计师和艺术家们以不同的角度对现实孔专的他轮张社会产生了质疑。莫里斯看到了工业机械急端阶律率毛情克措排陈大生产的丑恶，随后就有许多年轻的设计师和艺术家进行了“工艺美术”运动，以复古为主要特点。晚以罗赛蒂、亨特、米莱斯为握企代表的美术流派，创作出很多有象征主义和浪漫情调的绘画作品。
(2)艺似扬车术与设计相互影响。设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是第轻任许事封遵循“实用化求美”法则的艺术创造过程。这种“实探免朝乡技酸粉裂师么用化求美”不是“化妆”，而是以专用的设计和语言进行创造。设计被视为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。设计的草图或模型，本身就可能具备独立行秋城民想后学的审美价值。
①现代主义艺术与现代设计是相互影响的，更为突出地表现在建筑和雕塑方面。许多设计师就是艺术家，他们设计出了许多具有当代特色的作品。比如门德尔松设计了爱因斯坦的天文台，莱特设计了流水别墅，他们在人生早期几乎都非常地热爱现代艺术设计的活动。在建筑行业中，后现代主义比较注重设计的艺术趣味，突出独特的个人风格，与社会普通人进行对话，是艺术与设计的一种全新的组合方式。
②很多工业设计作品的形式表现出与现代雕塑和绘画的密切联系。包豪斯时期，结构主义的抽象形式与新造型主义绘画和雕塑就存在着惊人的共同之处。康定斯基的抽象构成主义绘画与明信片的设计具有构成主义的风格。荷兰画家蒙特里安《红黄蓝构图》就直接影响了里特维尔德的家具《红黄蓝》椅的设计，这表明艺术对设计有相当的影响。反之亦然。
(3)艺术与设计关系密切。
①从古至今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来。各种造型，既有各自的功能，又有各自的美感。1968年艾伦·琼斯设计了一张波普风格的茶几，在下面起支撑作用的是一个极为逼真的跪着的半裸女雕像，用她的脊椎托着玻璃台面，这样的造型与设计观念令正统设计师们非常吃惊。裸女雕像彩塑得极为逼真，极富调侃和戏谑的趣味。
②不同的设计门类体现着各自不同的艺术特点、不同的美感。20世纪50年代，丹麦的建筑及设计师雅各布森设计的“蚁”椅、“天鹅”椅和“蛋”椅这三大名椅，体现出来的是一种由刻板的功能主义转变成细节的精练和整体性与雕塑感。这种设计就孕育着现代有机雕塑艺术。
③艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。设计师关注艺术，投入艺术研究，也推动设计进步。以布鲁尔为例，1920年他进入魏玛包豪斯学习，师从艺术家伊顿和康定斯基，学习色彩和形体理论，接受了相关的训练，为他后来的家具设计奠定了良好的基础。设计师与艺术家的合作则更有可能推动设计进步。艺术家包括导演、演员、编剧、音乐家、舞蹈家、制片和舞台美术家等，他们通力合作，能够制作出许多优秀的电影、电视剧和广告，这是艺术与设计合作的结果。
(4)设计与艺术的关系应避免的问题。
①设计与艺术的关系需要避免为艺术而设计的倾向。如果否认设计的科学技术和经济特征，把设计只作为纯艺术的一个品种，这样设计就成了纸上谈兵，科学、技术、生产、流通、消费、材料等均成了无关的概念。
②同时设计与艺术的关系还需要避免为技术而设计的倾向。如果否认物质产品的精神功能，否认设计的艺术特征，把设计作为纯科学技术的一个行业，这样就会导致设计的纯技术观点，素描、色彩、图案、构成等都成了摆设，艺术思想、艺术技巧、艺术风格和艺术传统都蛮成了无聊的言词。
艺术大师考尔德的红蓝黑雕塑资料
亚历山大·考尔德（1898-1976）出生于美国费城，他的父枣陵亲以及祖父都是雕塑家。从小家庭就给他提供了一个良好的艺术氛围。1919年，考尔德在新泽西州霍普肯史蒂文斯理工学院的机械工程系毕业，这段学习经历为他以后从事活动雕塑的发明与设计打下了很好的基础。1922年，他去纽约业余学习绘画。从现在的资料显示看，亚历山大·考尔德真正从事雕塑，大约是在1926年去巴黎之后。在法国现代派雕塑思想的影响下，通过运用一些简单易得的工具材料，如木头、铁丝等，用儿童般的眼光来审视社会的方方面面，来表达自己对艺术新的认识。
在人类的文明史上，20世纪是极具革命性的时代，不管在西方还是在中国都发生着巨大的变化，这样的变化不仅体现在文化艺术上，社会的其他方面都是如此，人们进入了一个极不稳定性、多元化的社会。美国雕塑艺术家亚历山大·考尔德在这样的社会背景下，艺术创作表现出极大个性。他以创作风格独特的“活动雕塑”和“静态雕塑”驰名于世，对20世纪的雕塑界产生了重大影响，余波续然于今中外雕塑界。他是一个创作精力十分充沛、勤奋努力的艺术家，创作领域很广，从巨大的钢铁雕塑、绘画、挂毯到宝石设计，都无不涉及，他所创作的作品分布于世界各国的公共空间。他的这样一种“动”的艺术观念把抽象的雕塑艺术生动化、形象化，这些与现代公共环境融为一体的艺术品，为凝固的建筑几何空间增添了一种新的艺术形式。让人可以感受到愉悦的视觉快感，感受到雕塑稳固性后的另一道视觉盛宴。在欣赏考尔德的作品时，我们的思维是在不停地流动中，这种活动的雕塑没有某种固定形象，观者须在雕塑的运动中捕捉视像。就像瓦莱里说过，大海永远是不断更新的。按照中国文化的理解，“源头自有活水来”，看是平静的海面，却是海纳百川后的博大。这用来评价亚历山大·考尔德的作品是再恰当不过了。
考尔德大多是运用铁丝、铁叶子，通过焊接的技术来架构一件艺术作品，把组成雕塑的各部件按照需要来涂成不同的颜色，雕塑随着气流的不同来展现本是逗岩神稳固雕塑存在的不同面貌。如果说气流在考尔德的作品中是山亏“动”的推动力，那么各部件的不同颜色也就成了他作品的动态感。这样的一类题材形象我们见得比较多，如《铝叶子》、《红花瓣》等。
考尔德“静态雕塑”是相对于“活动雕塑”的一个代名词。这样的一个名词是属于考尔德的，并且是属于他的大型钢构雕塑的。这样的雕塑看上去是静态的，却在不停地表现着动的观念，使人的视觉围绕着雕塑寻找雕塑新的形象，在这些大的“静态雕塑”中感受到的是一个动的世界。如在芝加哥联邦政府中心广场上坐落着亚历山大·考尔德创作的纯红色巨型雕塑《红鹤》，它形似一架弯下了吊臂的起重机模样，高达15.9米，整个作品用钢板焊接而成，人们可以在它的身体下穿行。在整个雕塑中考尔德没有运用直线的刚性来体现雕塑的稳固性，而是借助于斜线和弧线的运动线形来展现形体的空灵感，与广场周围的立柱建筑形成鲜明的对比，这样的雕塑与周围环境形成对比的同时，更像是美国幽默文化的体现。
从以上分析看，当我们在颂扬直立而起的稳固雕塑的不朽时，考尔德的活动雕塑为我们揭示了另外的一个不朽。
