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摘 要
本文探讨了关于巴尔蒂斯油画作品中人物心里的描绘。巴尔蒂斯的油画风格恪守古典主义，反对现代主义。曾被毕加索称为“20世纪最伟大的画家”
巴尔蒂斯对信搜陵自己作品中人物心理的描写极其深刻。画面神秘，诡异的色彩漏枯给观者留下了深刻的印象。通过对他作品的欣赏与分析，探索其表现手法与创作思滑戚想。作品中对人物心里的的描绘有着重要的作用。可以通过画面的构图、色彩、等一系列因素去反映人物心里。以及此次探究对我个人创作的影响。 关键词：心里探究，巴尔蒂斯作品欣赏，创作理念
ABSTRACT
In this paper, on Balthus paintings in the hearts of the characters
portrayed. Balthus abide by the classical style of painting, and oppose
modernism. Picasso has been called "the 20th century's greatest painters,"
Balthus of their works in the psychology of the characters describes an
extremely profound. Mysterious screen, a sustained, sophisticated colors
to the guests left a profound impression. He works through the
appreciation and analysis, to explore their performance practices and
creative thinking. Works in the hearts of the characters depicted have an
important role. Through the screen composition, color, and a series of
factors to reflect the characters hearts. And the Research on the impact
of my own creation.
Key words:: hearts explore, enjoy the works of Balthus, creative ideas
对巴尔蒂斯油画作品中人物心理的探究
引言
他的一生跨越了整个二十世纪，也是二十世纪上半叶欧洲画坛最后一位幸存者。他被许多评论家和收藏家视为“梦幻世界的天才布置者”他有着古典油画的审美意识，恪守古典主义揭示人物心理。他在自己的艺术道路上始终保持独道的见解，不为时间左右的艺术大家——巴尔蒂斯，一位孤独的大师，被毕加索称为“二十世纪最伟大的艺术家”。
巴尔蒂斯波兰裔法国人，生于1918年，于2001年二月十七日在他的隐居地瑞士罗西尼尔群山中的大木屋里安详去世。巴尔蒂斯的父亲是绘画史教授，母亲是画家，他自幼就浸泡在画海之中，这种艺术的熏陶对他的成功有着很大的作用。年轻时就经常待在卢浮宫中潜心临摹乔托、安格尔、库尔贝、塞尚等大师的作品。这也是他掌握古典技法的重要途径。
巴尔蒂斯天性敏锐孤僻，爱好文学，特别是他对猫的喜爱到了无以复加的程度。这也是猫在他很多作品中出现的原因。他从青少年时代起就有着某种绘画的主张，对他来讲那是他内心世界的表达。在现时生活当中，个人的主观意见和真诚的表达可能会被否定或轻视。但巴尔蒂斯试图用他从未在学校学过的西方艺术源泉补充自己的艺术世界。虽从未受过正式的科班教育，但传统的古典主义绘画对他产生了深刻的影响。作品中无论是外表的姿态还是作品的布局，都体现了很深的古典主义烙印。因此，在漫长的岁月里，他始终是孤独的积累自己的绘画技巧，在孤独的画室里顽强钻研。同时，他也善于从普通平凡的生活场景中揭示人物的心理活动。把人物的心理活动生动的表达出来，刻意在人的心灵深处探索。
巴尔蒂斯也是一位非常严格的大师，他对每一幅作品的构图、色彩、线条都反复推敲，酝酿许久。有的作品要花费几年功夫才能完成，所以他的作品件件都是精品。这种严格也导致了他一生仅有三百五十多幅作品。这种精神对我们年轻的学画人来说，是非常值得学习的。
巴尔蒂斯擅长画人物，特别是妙龄少女，躺在长沙发椅上的、呈慵懒状的、在闺房里照镜自娱的、熟睡的…….他笔下的少女，有永恒不变的美。那些微笑熟睡的女孩，倾斜着身子，用手臂支起红通通的脸颊…….睡眠此时被升华为一种艺术的乐趣。一种永恒不变的瞬间，让人感觉一切是那么的自然。
1 巴尔蒂斯的艺术信念
一．巴尔蒂斯始终坚持写实的手法表达自己作为现代画家的真实感受，以及其严肃认真的态度进行思考和描绘自己所要表达的物象。他的画是在“创造出一种可以传递事物之神并表现我所见到的现实之美的绘画”。他的绘画善于捕捉瞬间偶发的情景，并以此来探究那些蕴藏于后的精神状态。
二．题材对巴尔蒂斯来说远不如形式重要。这从他的许多作品中都能看出。题材是精神的载体，他借助题材表达精神，“说什么不重要，重要的是怎么说”。巴尔蒂斯往往会重复绘画同一个题材，甚至长达几年的时间里都不断的重复，这些画在构图和色彩上都有不同的差异，他通过这些改变寻找对表达内容更恰当的形式。
三．创作一幅油画作品的前提是观察，巴尔蒂斯做的非常好，他观察客观事物极为冷静，经过认真的体验后做出精确的描绘，在表达出一种主观的经验。从心灵到物，再返回心灵，赋予物更高的精神层面。用他的话讲“我总是在寻找，但总是不满意”。这种观察方法对自己感情的表达是极为重要的。因为艺术最终是通过心灵被感知的。
2.对巴尔蒂斯作品的分析
《房间》是巴尔蒂斯最为著名的作品。这似乎像来自梦魔中的一幕，肉感的女裸，猥琐的侏儒，不期而至的阳光，仿佛感受到了痛苦和快乐的重叠，而黑暗中窥视的猫又显得那么的神秘。它似乎是隐秘的化身。作品中的色彩、光感等一切都是为了表达这一神秘而又梦幻的一幕来服务的。这种安排给观者留有很大的想象空间。勾起观者内心的共鸣。这就是巴尔蒂斯艺术的高超之处，通过画面中人物的安排、场景的安排、刻画出人物的心理活动。此画感觉是如此安静，却有似乎经过了一场吵闹后的安静，安详与躁动同在。阳光是如此温和，仿佛画中的女主人翁再度享受阳光给她带来的温暖与安逸，一切是如此美好。但猥亵的侏儒与窥视的猫有给人增添了一份不安。这也正是画家为营造画面氛围、烘托人物心理所做的精心安排。猫和旁观者的出现，带有一种浓厚的情绪色彩的心理描绘，实际上是他对人类隐私揭示后的自我暗示满足感的体现。迷一样的气氛中弥漫的是不安。猫的形象正是这种暗示的最好诠释。少女的姿势溶进背景的昏暗中但留下了像侏儒、猫之类的关键设置来增加反差。巴尔蒂斯将心理情绪集中到色块上人物的线条也处理的浑厚含糊，以增加画面的空间感和份量感。
《猫照镜Ⅲ》中女孩的服装、沙发、发辫上的蝴蝶结几乎是纯色，这种情况下的背景必然是黑色的，颜色的提炼与简化使色具有了形的作用与形一起参与分割画面，巴尔蒂斯注重造型，他的人物没有细小的转折变化，只有精心设计的大小形状。并且在形与形相交造成的不规则几何形状尤其仔细。这样做，使画不但有较强的表达能力也使画面具有力度。猫面前的少女握着金黄色的小镜成为竭力表现的内心视像。
《休息中的裸体女孩》描述的是一个女孩没有顾忌的显示自己稚嫩的身体，她懒洋洋的斜靠在椅子上，她的整个身体仿佛像花蕾一般简单、自然、天真。
她的动态与这个烦杂的世界形成强烈的对比。画面上女孩微闭双眼，仿佛已经进入了梦乡。一切是那样的安静，整个身体的动态又让观者感觉到这是一位处在青春期边缘的女孩。或者这种微妙的动作似乎在告诉观者眼前的女孩正在走向青春期。像一个花蕾含苞欲放。同时也是性的象征。女孩是那么自然的进入了梦乡，动作又是如此的安逸恬静。青春永远是美好的，让我们去联想少女美满的梦境吧！在技法上他喜欢用一层又一层的堆积色彩。如同壁画一样粗糙不平。正如此作品在简洁的线条和偏白的色调中呈现出一种壁画般的厚重感，同时也产生一种迷幻的氛围。
巴尔蒂斯所画的少女多为裸体，所以巴尔蒂斯的作品在三四十年代曾被批评为“色情画”。但是他坚决拒绝关于“邪念”的批评。他说：“在我看来这些少女是天使而不是魔鬼。主宰我的作品是生命，我从来就是用孩童的眼光观看创作对象，我愿自己永远是个孩子。”
七十年代末巴尔蒂斯隐居瑞士，并把自己的工作室也搬到那里。他的艺术更加纯粹与个性化，也更加充满了感情。这时期的作品中人物总是处在似睡非睡的朦胧状态，人体有着宛如花般的娇媚姿态。同时画家又大量使用柔和舒适的颜色为作品增加云石般的光华感觉。更加烘托了人物的内心活动，反映作品的主题，给观者留下了很深刻的印象。
他的油画作品令人钦佩，不但给人以美的享受，同时也给人以充分想象的空间。他的成功是完全依靠自己的勤劳努力和始终不渝的艺术信念而获得的。
３ 巴尔蒂斯的创作理念对我的创作启示
通过对巴尔蒂斯作品中人物心理的研究，对我自己的创作有着很大影响，受益非浅。艺术源于生活又高于生活，创作一幅油画作品的前提是观察。我试图在寻找一种能充分表达自己的构思和内心感受，同时又能充分表达人物心理的创作形式。作品应该让观者有更多想象空间，产生共鸣。
可能由于对巴尔蒂斯作品过多的欣赏与崇拜。我也选择房间的一幕来作为自己创作的场景。画面中微微扭头的少女抬起左脚，右手伸向鸟笼，似乎正在喂鸟，但鸟笼里并没有鸟只留下了飘在空中的一根羽毛。鸟已经飞走。在这瞬间发生了什么事情？这也是我刻意的安排，给观者留下想象的空间。这一幕似乎是房门的门铃想起，她正朝着门的方向望去，像是想去开门。是她苦苦等待的亲人回来了吗？从她的表情上似乎可以看出一丝忧郁，亲人的归来应该是喜悦的，但脸上没有丝毫笑意，带着忧伤。这是我为了更好的表达她的心理活动，对亲人归来的期盼，对在外奔波的亲人的担忧去设置的。这种情感是反应真实生活当中的一幕，这也是我创作《对话—归》的由来。
我个人比较喜欢带有忧伤与凄凉的美，这也许与我个人的性格有关。更喜欢作品中对人物心理的流入。将人物的心理通过画面中一系列的设置表达出来，使其弥漫在这种氛围中。增加画面的意境。让画者产生更多地联想。
作品采用“三角形”构图，保证画面的稳重感和份量感。地面上，地毯延伸至右边画框外与延伸至外的鸟笼形成呼应。同时画面中增添了一根飘动在空中的羽毛。给整个氛围添加了一丝动感，打破了画面的宁静。一动一静形成鲜明的对比。远去的鸟儿留在了背景墙上窗户的投影中。鸟儿的离去也为整个画面留下了一份凄凉，衬托了人物的心理。背景墙并没有按照非常写实的手法去描绘，更多的是往色彩的明暗去考虑，为了与前面人物拉开对比更好的衬托出人物。在人物衣着上，我也曾反复推敲，用什么样的色彩更能表现出画面的凝重？最后我选择黑色，黑色代表庄严，肃穆，这能充分表达出画面的分量感与张力。背景墙及墙上的光并没有像前景中人物那样写实，这一方面为了让画面中主次分明，另一方面为了让观者有更多的想象空间，增加兴趣点。我觉得一幅耐看的作品，想象空间是很重要的。就像巴尔蒂斯那样虽然题材都是现实生活中很普通的一幕。但给观者的想象空间是无穷的。这也是他成功的地方。
巴尔蒂斯始终坚持写实的手法，恪守古典主义，我也不例外。但在表现手法与技法上稍有不同，我采用了古典写实技法，希望通过这种手法把更真实的感受表现出来。在创作前，我做了具体的素描稿，解决一些素描问题，以便在创作过程中减少“修形”一系列不必要的麻烦，透完稿后用单色画出基本的素描关系，先不考虑过多的色彩关系。在素描关系逐步完善后，用色彩一遍一遍进行透明罩染，并不断增加色彩，以及加强色彩冷暖对比直至自己想要的效果。
总结
在我们回到世界各民族大家庭里的时候，面对一个变化很大的世界和一个变化更大的艺坛，也应保持十分清醒的头脑，切记因认识上的糊涂，甚至念恋眼前的利益，而放弃了自己的独立判断。要像巴尔蒂斯一样有自己独到的见解，开创独特思路。 参考文献
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中外
360问答《撑阳伞的女人》Femme 湖a l'ombrelle
作者: 克劳德 莫奈 Claude Monet
印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造胜款些径架苏续作的浪漫主义。
以"光为画面主角"的印象派最伟大的大师莫奈曾经画过二幅《撑阳伞的女人》，一幅作于1875年，一幅画于1886年。
首幅画里的采用仰视的角度来表现画面的人物，女人半侧着身子，衣褶因为她的转动也在旋转，动态的呈现着这一微妙的动作，而平衡女子动作的是她手持的阳伞。
阳伞的灰绿色调与天空融合在一起把人物既与画面结合又使人物跳出背静那澄明的天空动感在人们眼前。画面中的远处的小江脱冲玉迫调大男孩儿又拉深了画面的层次感，不仅突出了撑阳伞的女人也把远视头钢处的天空显得更加高远。
但，在印象派中"光才是画面真正的主角"。在这幅画中，采用原色并列、重叠和补色手法，形成新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑五真养婷飞过加斓绚丽、光怪陆离，画家时既采用小笔触和色调并列续车房括听试把方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和想职兰绿、蓝和橙色补互对比太诉衡出重，使色彩在强烈视觉冲击中思命评才战石产生新的和谐。
光与影正是依托于这两个人物跳跃穿梭在人们眼帘中的。女人身后的天空如同水一般透明多变，仿佛一指就可以戳破。
阳光透过湛蓝的天空洒洋约病用生远段粉来到女人的衣裙上，正因为光影的作用，女人的上半身色调昏暗表明她处于伞的阴影之下。 微风扬起的裙袂上有莫奈最擅长捕捉的光与影——蓝天的光彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵的颜色。它们反衬在女子含曲行参静如白杂操须的裙子上，袖肘上。女子脚下顺着微风倾斜的花草，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。
用模糊大块的笔触来描绘，是莫奈在绘画技法上的一大特点。这也是印象派不注重所描绘的主题本身而注意光影的需要所产生的必然结果。在这幅画中，我们尚且可以看出撑伞女人的外貌，但是她和她构成三角型起稳定画面作用的儿子的面貌却被简化成了仅有两个黑洞洞眼睛长杆讨尽伯穿坚将依搞相的人。
可是，也正因为这样，我们不必纠缠在画面的技法上而能把更多的心思阶照引质制阳认线杆花在画面所传递的，清晨，母类初同船亲和孩子散步的惬意及其中的微风，蓝天那种恬静美好当中。
所以印象派的胜利在于它不变列难民销互器愿护评育仅仅是开拓了一条奇路使人们耳目一新更在于它可以把喜规超六析两困脚顶待画画家自身的感受记录下来传递给他人。这种心灵上的震撼是其他流派所无法比拟的。
从中也可看出当时莫奈初期作品风格强调瞬间的感官色彩来搭建一座用色彩构成的绚丽的世界。突破当时束缚绘画的古典主义，把绘画从单纯的照物写实中解放出来，开拓了一条用眼睛捕捉"瞬间美好"的新的绘画流派。
作于1886年的《撑阳伞的女人》和第一幅画在构图上相差不远，人物在衣着上更是如出一辙。但，比起第一幅，人物处于更次要的位置，印象派很少画人物，风景中的色彩变化才是莫奈的永恒主题。所以第二幅《撑阳伞的女人》足以看出莫奈及整个印象派的走向。
画中大块的墨绿和棕红的，凝重的颜色。不再看见早期注意天空光影的纠缠和光影对人物的影响，换而之是大块更大块的颜色铺成一幅画甚至连人物本身都只是画中颜色的一部分（上一幅中女人的尚可辨认的面目在这里彻底被简略掉）。或者说我们可以感受到画面里的风不再是清晨的微风而是夕阳落下的晚风，吹的人物身后的云彩在大块急速的运动，炽热的阳光照在草上淹没了女人的脚，女人上半身因为撑阳伞形成的阴影和下半身被阳光照耀仿佛要燃烧的裙子形成强烈的对比，加上飘扬的纱巾给人以视觉冲击。
两副几乎同样的以撑阳伞的女人为主题的作品，但是意境却相差万里。这就是印象派的核心所在——此时此刻的光和影。而光与影永远在变，水中的浮光掠影，空中的色彩万千，地上的花朵妖娆。不变的是对影的捕捉对光的追随。
这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女仕，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
整幅画只用了简单的蓝、绿、棕等自然的色彩，给人一种宁静舒适的感觉。画中的女仕占了画面大部份的空间，成为画的趣味中心。但左侧的小儿子与阳伞和女仕也构成一个三角形，得到一个平衡的作用。
虽然此画是莫内早期的作品，但也可见他已很好地捕捉光影和画中的瞬间印象感觉。画中女仕面部和上半身都用上较暗的色彩，表明是处于阳伞的阴影之下。而整个阳伞、面部、衣裙和草地上的阴影区，与女仕衣裙上向光一面的光影形成对比（小儿子方面也一样），就如现实中看到的一样。另外，女仕摆动的头巾和长裙上的绉褶也加强了画面的动感。
