为什么很多学美术出身的人去搞音乐，却极少听说学音乐的转行搞美术？
题目为知乎的问题
以下是题主对问题的补充说明：
> *到底是因为 音乐更有吸引力，还是美术入门门槛高？*
> 补充说明：
> 1.我指的搞音乐不是街边卖艺/酒吧驻唱/“唱唱流行歌”水平，而是有一定水准甚数吵宴至时代内顶尖的正经音乐人。例子真的很多。
> 2.古典音乐除外，因为专业性过于强(并且我觉得“古典音乐”并不属于这个时代)。这个领域可能没有（或极其罕见）（补：其实也不算罕见，例子里的David Byrne可以算搞过古典音乐）。
> 3.我指“美术学院”一词中广义的“美术”，包括造型艺术，也可以包括实用美术（如艺术设计、漫画插画）。
> *例子：*
> 各位要我举学美术后来搞音乐例子，好，我只举几个我立刻想到的、同时又较为知碰册名，一般人也都知道的例子。过于生僻冷门的不举。
>
> （括号里只是音乐人初始参与过的project，不一定代表他们的主要成就所在）
>
> John Lennon (Beatles)
> David Bowie
> Bryan Ferry (Roxy Music)
> Brian Eno (Roxy Music)
> Freddie Mercury (Queen)
> Syd Barrett (Pink Floyd)
> David Byrne (Talking Heads。其实这个乐队全是艺术院校学生好像）
> 高桥幸宏 (Y.M.O)
> Devo全体
> Michael Stipe (R.E.M)
> Michael Gira (Swans)
> Jill Bryson (Strawberry Swithchblade)
> Ivo Watts-Russell (This Mortal Coil, 4AD老板)
> …….
> 我知道很多音乐家爱好美术，喜欢绘画什么的，有的甚至画得挺好，比如David Tibet，Nick Cave等等。但他们还是音乐人，没改行当画家。
这个问题很有趣，也看了很多回答，涉及美术和音乐的方方面面，发现大众对美术和音乐的误解还是挺深的。这个问题要彻底讲清楚还是需要一定篇幅的。
先简要说说我的观点：
1. 音乐与美术是相通的（这是能转行的前提）
2. 音乐在表达与传播方面更有效率，边际成本更低
3. 美术具有较强的功能性，音乐是纯艺术、纯精神的
4. 音乐是抽象的（具象的声音那是口技），美术既可以抽象又可以具象。而艺术追求到达一定境界必然抽象。
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下面一一说明：
*音乐与美术是相通的*。
无论从事美术还是音乐的人，只要达到一定程度，就必然产生这样的洞见。
这两者的共同性体现在：
1. 所承载的情感相通。情感是所有艺术的核心追求，反过来说，没有承载情感就不能称其为艺术。
2. 有一些词是无论美术音乐、无论风格作用，只要是追求好的艺术就无法避开的：节奏感、层次感、韵律感、对比与统一、色彩（音色）、简与繁……
顺便说一下，动画艺术就是美术（包括设计——可以粗糙的理解为应用美术）与音乐的结合，合格的动画人必须明白这两者的具体互通关系。
这两者的共同性是转行的前提条件，或者说只有真正领悟到这二者共同性的人才有可能转行。
*音乐在表达与传播方面比美术更有效率，边际成本更低*
我认为对效率的追求是人类社会的底层逻辑。当然这个底层逻辑对于绝大多数人来说都是混到一定年龄，在某行业摸爬滚打很多年才领悟到的。所以在艺术表达的道路上，假设某些人由于机缘巧合进了美术圈，但是领悟到“效率逻辑”后，在自身天赋和现有条件具备的情况下，必然愿意选择音乐作为自己表达手段。再做个更彻底的假设：某人在美术和音乐上都有相同的天赋和兴趣，其生活中都具备美术和音乐方面的环境和人脉，在其学习中各阶段都有经验丰富的老师引导……最后，此人如果想有所成就，成为所在领域有影响力的人，他会薯银选什么？必定是音乐！虽然这样假设肯定不存在，但是由于题主问的是一个宏观的现象，这样的假设就非常有必要了。它能帮助我们排除个体条件和对行业本身认知的差异，找到事情的本质。
那么音乐比美术更有效率、边际成本更低的具体体现在哪呢？
1. 音乐具有表演性。一个音乐作品被创作出来后可以被不断演绎，好的音乐作品甚至几百年都经久不衰。还可以用不同方式、不同乐器（或不同乐器组合）、不同形式、在不同场合演绎。而每一次的重新演绎通常都是有正收益的，这种收益不但是金钱上的，还包括了名誉上的、关注度上的和精神上的。创造好的音乐当然很难，但是即使没有好的创作，光是表演就具有极大优势了。这也就是为什么有的歌手能指着一两首歌活一辈子。美术就完全没有表演性优势了。特别说明的是行为艺术除外，我不认为行为艺术应该放在美术的范畴。当然也有一些带有表演性质的艺术家，比如韩国漫画家金正基，不过金大师的每次表演可都是一次新的创作呀！其边际成本是很高的。没有人愿意看一个画家反复画同一张画的。
2. 人们接受音乐的复制却不接受美术的复制。一首喜欢的歌可以反复听很多遍，隔段时间还可以时不时翻出来再听，都能让人精神愉悦，而如果不是特殊情况，比如搞相关研究需要，人们不会反复看同一幅画，甚至类似的都不想多看。百年前的古典音乐，每隔一段时间就复制出来卖一遍，每个年代都有消费者。而百年前的一张画，只能千里迢迢跑到博物馆里瞻仰，即使很多名画的复制品也被销售，但其市场与音乐市场比起来可以忽略不计。即使是更新换代很快的流行音乐能借由简单的复制和众多的展示媒介产生影响，产生巨大商业价值的可能性更大。而在美术领域能跟流行音乐类比的大概就是漫画了吧，漫画算是具有不错可复制性的，但是创作一部漫画难度、所付出的心力和时间成本客观来讲还是比打造一样音乐专辑要大得多吧。
3. 音乐的底层技术和标准早早的就统一了（这对于任何艺术门类都相当重要）。注意，这里说的是音乐的底层技术，而不是乐器或设备的技术；比如不管你做什么音乐，你都用十二平均律，都用同样的节拍标准，同样的记录方法（五线谱）等这是音乐的底层技术。而美术方面，只要稍微了解艺术史就知道，每一种艺术流派最大的对创新的诉求就彻底的颠覆前人的技术和标准。而成功的艺术流派很多，它们至今都依然对美术的各个领域产生影响，从而使美术界产生了杂乱的声音。很多美术从业者甚至不知道自己所坚持只是某个已经过时的艺术流派的标准。美术的底层技术和标准能差异到什么程度呢？艺术史上的细节就不展开讲了，就说最著名毕加索，他的一项伟大的成就就是颠覆文艺复兴时期以来美术界所建立起来的技术标准：解剖、光影和透视。这种颠覆式的创新当然伟大，但是也是百年难遇的，从业者大多都是在已有的流派和标准中修修补补。那么就遇到选择站哪个流派的问题，很多学美术的人光是弄明白就已经挂掉半生，更别说有所作为了。而美术界的帮派之争和内耗更是效率的大忌！音乐节当然也有流派之争，可放音乐响起的时候，各流派音乐人打节拍的脚还是很一致的。
4. 音乐更具科学性，科学所发挥的效率不言而喻。美术在欧美国家也比较科学（在中国？呵呵），具体的产物就是设计。设计的一项重要任务就是用科学的方法来研究和重构艺术。但是大众对此的认知是几乎为零的，大众的错误认知会直接影响学习的效率从而影响成才的效率。
*美术具有较强的功能性，音乐是纯艺术、纯精神的。*
这一点其实题主的补充问题里也提及了，美术指广义的美术。学美术的人有两个大发展方向：一是纯艺术，一是设计。理想状态下，搞纯艺术跟搞音乐是很像的，就是纯粹的表达观念情感情绪等，自己都能享受其中，是只对自己负责的。但是由于上一段提到的种种尿性，很少有人会从音乐转去纯艺术的。
设计就不同了，大多数情况是要对别人负责，这种实用功能就决定了，搞音乐的人绝对不会转行搞美术，即使有这方面的天赋和条件，也是自己high，或者利用自己在音乐方面的名气把自己的“杰作”卖个好价钱，如此而已。
*音乐是抽象的（具象的声音那是口技），美术既可以抽象又可以具象。而艺术追求到达一定境界必然抽象。*
所有艺术到了高级阶段都是抽象的（不是说表现形式都是抽象的，而是说内在追求的是抽象美），既然如此，再加上前面说的种种，如果此时你又天赋又有条件，不如索性搞音乐算了！
以上
