论述巴洛克乐派与浪漫
巴洛克音乐指欧洲在文艺复兴之後开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，延续期间大约从1600年到1750年之间的150年。
巴洛克（Baroque）一词来源於葡萄牙语「Barocco」，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，後逐渐用晌喊乎於艺术和音乐领域。在艺术领域方面，巴洛克风格的特徵是精致细腻的装饰以及华丽的风格，造成这种现象的主因，是因为巴洛克时期是贵族掌权的时代，富丽堂皇的宫廷里奢华的排场正是新的文化以及艺术的发展中心，而这个大环境的改变也直接的影响到了音乐家的创作。十七、八世纪宫廷乐师所写的音乐作品，绝大部分是为上流社会的社交所需而做，为了炫燿贵族的权势以及财富，当时的宫廷音乐必定得呈现出炫燿的音乐以及不凡的气度，以营造愉悦气氛。[1]
巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量装饰性的音符。节奏强烈、短促而律动，旋律精致。复调音乐（复音音乐）仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬宴悉勃发展。於是复调的和声性越来越明显。复调在 J.S.巴赫时代发展到极至。<br/><br/>数字低音及即兴创作是巴洛克重要的部分，并且管弦乐团编制尚未标准化。<br/><br/>目录 [隐藏]<br/>1 主要作曲家 <br/>2 音乐创作 <br/>2.1 乐器作品类型 <br/>2.2 创作技法 <br/>3 参考书目 <br/>4 附注 <br/>5 参见 <br/><br/><br/><br/>[编辑] 主要作曲家<br/>义大利：<br/><br/>科莱里（Arcangelo Corelli, 1653-1713） <br/>A.史卡拉第（Alessandro Scarlatti, 1660-1725） <br/>韦瓦第（Antonio Vivaldi, 1678-1741） <br/>D.史卡拉第（Domenico Scarlatti, 1685-1757） <br/>德国：<br/><br/>巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750） <br/>韩德尔（George Frideric Handel, 1685-1759） <br/>泰勒曼（Georg Philipp Telemann, 1681-1767） <br/>法国：<br/><br/>吕利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687） <br/>F.库普兰（Francois Couperin, 1668-1733） <渗清br/>拉摩（Jean-Philippe Rameau, 1683-1764） <br/>英国：<br/><br/>珀赛尔（Henry Purcell, 1659-1695） <br/><br/>[编辑] 音乐创作<br/>巴洛克音乐创作的发展中心以贵族的宫廷、私人组织的学会以及天主教教会为主，其中又以宫廷最具影响力。此时期的音乐创作除了适合在宫廷里演奏的大协奏曲（concerto grosso）以外，还有贵族沙龙里带有私密气氛的小规模乐器奏鸣曲（Sonata）；弥撒、神剧、受难曲以及丰富的管风琴曲目，令教堂充满了圣神的光彩；另外，歌剧在威尼斯快速兴起，藉著音乐和戏剧的结合将情感抒发到最高点。音乐创作从此步入了一个蓬勃发展的阶段。[2]
[编辑] 乐器作品类型
当时富有的贵族大多都拥有专属的乐团，以便在宫廷中娱乐宾客，而变化多样又音乐宽广的乐器曲就广受青睐。乐器曲崛起後，音乐的创意更有了发挥空间，音乐家开始发展出不同的乐曲类型：[3]
组曲（Suite）
奏鸣曲（Sonata）
协奏曲（Concerto）
赋格曲（Fugue）
罗曼尼斯卡（Romanesca）
[编辑] 创作技法
数字低音（basso continuo）
顽固低音（basso ostinato）
赋格（fugual polyphony）
竞奏（concertato medium）
即兴演奏（improvisation）
浪漫主义音乐、文学
浪漫主义在艺术上的兴起，最早见于十八世纪的文学作品中，这些作品将一切个人的感情、趣味和才能表现得淋漓尽致。在音乐方面，浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，这与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐象线条一样鲜明；而浪漫主义音乐则偏重于色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。
然而，这只是原则上的区别，要想在不同的创作风格之间，譬如古典主义和浪漫主义之间，按照那些讲究条理的音乐史家的愿望划一道泾渭分明的界线，从来不是那么容易的。简单地下定义行不通，这些定义总是因为忽视了很多非常重要的因素而过于简单化。
例如，假使断言古典主义音乐是客观的，浪漫主义音乐是主观的，那么岂不是说海顿、莫扎特和贝多芬在某种程度上像电脑一样，从不创作反映自己个人感情的作品了？这显然是非常荒谬的。同样地，如果说浪漫主义作曲家“摆脱”了传统形式的原则，那么这实际上就是否定了他们在继续使用这些形式，甚至在未必可能的场合下使用古典形式。
例如威尔第就用赋格曲式结束他的喜歌剧《法尔斯塔夫》。另外还需明确古典主义和浪漫主义这两种风格曾经共存了一段时期，重要的浪漫主义歌剧作曲家、德国理想主义者韦伯就先贝多芬一年逝世，舒伯特的死也仅比贝多芬晚一年。可是，在这两种乐派之间实际上又存在着我们很容易把握的区别，这些区别大多是源于非音乐的原因。到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有根本的改变，他们已不再是一个城市、宫廷或教堂的雇员。
贝多芬也只是赢得了某种程度上的真正独立，因为不管那些贵人们多么慷慨地让他自行其是，他的大部分生计仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上说作曲家完全是他自己的主人，实际上也就是大众的仆人。
为了满足大众的需要，各种各样的音乐会社团和音乐节网络迅速地发展起来。如果一个作曲家，比如门德尔松，能为这个众多的占统治地位的中等阶层提供他们所喜闻乐听的音乐，他就是成功的；反之，如果他忽视时代的审美观，只为自己或他理想中的后代创作，那么他在公众的心目中就必然是个“怪里怪气”的孤僻艺术家。这一类作曲家常以为他们是出类拔萃的杰出人物，是未来艺术的预言者。
“艺术家”一词的使用不是没有意义的，因为整个十九世纪的作曲家都这样看待自己。他们这样称谓自己很有理由，因为一旦摆脱了私人的庇护，投身到社会中去，他们便开始和文学作家等富于创造精神的同行有了接触。
事实上，韦伯、舒曼、柏辽兹除了作曲还写过一些有关音乐的书，而瓦格纳不仅自己写剧本，还写出了许多关于音乐、戏剧和哲学的著作和论文，真难以想象他何以还有时间创作出那么多的乐曲来。这新的一代作曲家对弥漫在社会上的各种新思想有着浓厚的兴趣，不管是科学的、民族的、还是艺术的。最重要的是，他们对文学的陶醉到了如痴如狂的程度。他们的前辈仅满足于用器乐表达纯粹的音乐思想，浪漫主义音乐家则致力于让音乐在表达的广度上与语言并驾齐驱。
当然，给歌词谱曲一直是作曲家们的实践之一，可是当时流行的是用器乐表达或描绘一种特定的场面，甚至讲述一个故事。这起始于贝多芬的同代人韦伯，后来又被李斯特、理查德·施特劳斯发展为描述性的交响诗。
十九世纪上半叶，自然的、乡村的浪漫主义文学转变为幻想的、比生活更加广阔的浪漫主义文学，分别以简·奥斯汀的《傲慢与偏见》（1813年）和艾米莉·勃朗特的《呼啸山庄》（1847年）为代表。这两部英国小说有天壤之别，这种区别在沃尔特·佩特（W·Pater）给浪漫主义下的定义中可以得到概括，他认为浪漫主义是“给美添上了怪诞的色彩”。
因此，毫不奇怪，浪漫主义音乐在很大程度上同样表现了一种奇异的超自然的东西，如柏辽兹在他1830年所作的《幻想交响曲》中所表现的那样。作曲家们很快就对周围的大自然发生了新的兴趣，这种自然已经不是贝多芬《田园》中的那种简单的自然，而是大写的“自然”，一种因为他们超脱于芸芸众生才与他们有着特殊联系的力量。不管是文学还是音乐，浪漫主义的另一个特点就是十分强调单个的人，而不是那种作为社会的一分子、被仔细地划入某个阶层而根本无法摆脱其束缚的人。
因此，对独立个性的重视使作曲家们有意识地追求个人的特点，有时成了自我主义。这样，他们离那些因为循规蹈矩而压抑了自己部分创造才能的古典主义作曲家就越来越远了。
想用寥寥数语概括浪漫主义音乐的特点，其结果非常容易使读者误以为浪漫主义作曲家都是放浪形骸之徒。虽然他们中间有人确有行为出轨的时候，但是总地来说，他们有足够的自控能力使自由不致逾越界限。他们当中大多数人仍继续运用传统的交响曲、奏鸣曲、四重奏等形式，虽然在这些形式里出现了与莫扎特不同、会使他的审美观受到侵害的新东西需要记住的是，审美的好恶总是处于不断的变化之中，因此这一代认为“过分”的行为在下一代眼里却是规范，昨天的“顽皮的孩子”，逐渐长成为今日受尊重的“老伯伯”。[注：法国诗人戈蒂耶早年参加浪漫主义运动时被称为“顽皮的孩子”、“老伯伯”则是英国人对曾经担任首相的政治家格莱斯的尊称]。浪漫主义运动内部也一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，另一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。研究早期浪漫主义可以说明分裂是怎样产生的，也可以把那些重要性在管弦乐曲的作曲家（门德尔松、柏辽兹）和那些重要性在其他方面的作曲家（如歌曲方面的舒伯特、歌曲与钢琴曲方面的舒曼、歌剧方面的韦伯）区别开来。
古典主义和巴洛克两种艺术形式的主
通过比较古典风格和巴洛克风格的异同 论述欧洲文艺复兴艺术风格先旧香从命空的历史嬗变 文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧般呼国家在文化艺术发展史中360问答的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。“文艺复兴”的原意是“在针抗能到简沙续阿当古典规范的影响下，艺术与文学的征排纪京置般算田宗做质复兴”。其变化的基础就是思声对飞展斤征深称差爱稳想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建圆凯能城立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史命上的一个伟大的转折点，其含义还作输药滑急善批要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来句坚心迫称范促句朝阳刘，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。 十五世纪末期以后，欧洲各国不断扩展科低九学新知，产生了许多发明；新航制拿跳料线的发现，证明了地球是一球候额之体，也造成了通商与殖民换益夜通定能预业乐度族的兴盛。这种经济扩张铁不运动，使人众的物质生活越来越富有，思想也跟着自由起来。加上伽利略﹝Galileo Galilei﹞、哥白尼﹝NicolausCopernicus﹞等科学家对宇宙天体的研究，引起民间的理性主义抬头，以及教会的「创世纪」神学系统的松动。因此到了十六世纪，欧洲各地就开始对教会产生质疑，认为原始的基督教清贫素朴的精神已被扭曲，於是这种情形引发出不同形式差她燃孩响最一唱它理照的宗教改革运动。 相对於宗教改革运动，旧有的教会势力，为了维护巩固自身的利益，也发动起「反宗教改革」运动，以致引起新教与旧教权力之争，加上这时候欧洲各国基本上都抗快口属於君主专制的时代，经常为了扩张领土而发生冲突，遂导致后来的「英法百年战争」发生。 艺术发鲁呀英伟促首评判未失展在这种复杂的局势之下，受秋则行身久到相当大的影响；而民间的理性思考与质疑的精神，也为当时的美学思维发展出一个新的方向。巴洛克﹝Baroque﹞艺术便是在这样的时代背景下，首先产生於旧教中心的罗马，随后即传遍了欧洲及美洲部分地区。 巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛文艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说巴格克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点： 一、豪华的特色，既有宗教的特色又有享乐主义的色彩； 二、一种激情的艺术，打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力； 三、极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂； 四、很关注作品的空间感和立体感； 五、艺术的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象； 六、有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位； 七、大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。当然一些积极的巴洛克艺术大师不在此例，如鲁本斯、贝尼尼的作品和生活仍然保持有密切的联系。 巴洛克艺术产生于16世纪下半期，盛期是17世纪，最早产生于意大利。巴洛克艺术的风格是承袭自文艺复兴末期的矫饰主义，着重在强烈感情的表现，强调流动感、戏剧性、夸张性等特点。常采用富于动态感的造型要素，如曲线、斜线等，其风格趋向，多少也反映了当时欧洲的动荡局势、不安而丰裕的现实景象。 巴洛克艺术大致有如下一些特点：无论是建筑、雕刻 、 装饰画都强调豪华感、激情感、运动感、空间感和立体感，有时还带有神秘感。雕刻和绘画多表现宗教题材。 自十八世纪以来，艺术史家和考古学家们特别重视风格的研究。所谓"风格" 意味一件作品是依照某种特定的组合方式而构成的，它本身有着的内在谐和一致，但又明显地区别于其它的风格，故能给人以深刻的印象。风格的形成，当然是某一个时代和作者艺术发展成熟的表现。 不过，巴洛克作为一种风格，却一直是美术史家们有争论的问题。"巴洛克"一词的原义，含有不整齐、扭曲、怪诞的意思，大约是十八世纪古典主义者奉赠给自己不太赞同的前辈艺术的一个称号。从时间上说，巴洛克流行于十七世纪至十八世纪初。所以有人把整个十七世纪各国的艺术－意大利、西班牙 、 佛兰德 尔、 荷兰 、 法国．．．都列在巴洛克范围之内。 巴洛克成为独特的风格，是由于它在艺术精神和手法上，与盛期文艺复兴有明显的区别。如果文艺复兴可以归为古典主义，巴洛克可以归为浪漫主义。它是在封建天主教复辟后，随着贵族统治的巩固而发展起来的。但是不能简单地把巴洛克艺术和它的代表们，称谓"反"的倒退的艺术。个人固然受制于历史，但个人又反射着各种历史因素(包括一切以往的传统)，而给当代的历史带来新的东西。这才形成了历史的变化多端、丰富绚丽的形象。 而兴起于18世纪罗马的古典主义，则与巴洛克风格有所不同。 古典主义，一方面起于对巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）艺术的反对，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。 古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何。新古典主义雕刻艺术则以浅浮雕（bas relief）图式表现，因此截然不同于巴洛克风格的深雕刻。 古典主义代表艺术家有巴利（Barry）、卡诺瓦（Conova）、富拉克斯曼（Flaxman）、汉弥顿（Hamilton）、蒙斯、毕拉内及（Piranesi）、托尔瓦森（Thorwaldsen）、维恩（Vien）、魏斯特（West）。 以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术，早在17世纪的法国就已出现。在法国大革命及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现，也非17世纪法国古典主义的重复。它是适应资产阶级革命形势需要，在美术上一场借古开今的潮流。所谓新古典主义也就是相对于17世纪的古典主义而言的。同时因为这场新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关，所以也有人称之为"革命的古典主义"。 古典主义美术的特征是：选择严峻的重大题材，如古代历史和现实的重大事件，在艺术形式上,强调理性而非感性的表现；在构图上强调完整性；在造型上重视素描和轮廓，注重雕塑般的人物形象，而对色彩不够重视。法国新古典主义美术从维安、达维德到安格尔，取得了最优秀的成就，并达到高峰。 在19世纪，不可抑制的工业化的强劲步伐，使西方社会发生迅速变化。资产阶级的要求和趣味，与贵族的要求和趣味交织在一起，通过学院教育和作品展览等方式，在美术领域内得到了强化。受到他们支持的保守倾向，借助古典美术的光辉成就，有意无意地阻挡着新生事物的成长。经过一代又一代美术家的努力，到了19世纪末叶，西方美术终于摆脱了自文艺复兴时期确立的、延续数百年之久的再现性传统和古典规范的束缚，开始踏上现代之路。 文艺复兴是一次逐渐发展的时期，没有明确的分界线和事件。但文艺复兴使当时的人们思想发生了变化，导致了宗教改革和激烈的宗教战争。后来的启蒙运动以文艺复兴为自己的榜样。19世纪的历史学家认为后来的科学发展、地理大发现、民族国家的诞生都是源于文艺复兴。文艺复兴是“黑暗时代”的中世纪和近代的分水岭，是资产阶级革命的舆论前提。文艺复兴是使欧洲摆脱腐朽的封建宗教束缚，向全世界扩张的一个前奏曲。
