紧急！！塞尚《圣维克多山》对比修拉的《大碗岛的星期日》的象征意义和思想联系，还有主题!!
乔治·修拉出生于1859年的巴黎，他比保罗·塞尚（Pual Cezanne,1839-1906）晚二十年，他的艺术活动大约从1880年，即印象主义进入危机阶段才开始的。因此，修拉属于后印象主义画家这一代。
圣维克多山》1904—1906年，油画，73×91厘米，费城美术馆藏
塞尚一生画得最多的，可能要算是风景画了。1882年以后，塞尚隐居于故乡附近的小镇，专心地画起当地的风景。他深深地为圣维克多山的奇异山形及其周围的壮观景色所吸引。年复一年，他一再重复地描绘这座从大地上露出的巨大岩石，分析它那时隐时现、复杂细微的体块和结构。在他的一生中，他为此山所画的“肖像”，竟有七、八十幅之多。
这幅藏于费城美术馆的《圣维克多山》，是塞尚最后的一幅描绘这座山的画。我们看见，在一片没有人迹的广阔天地间，雄伟的大山似乎从明朗清澈的大气中升起；它那坚实的、凹凸起伏的身形映现的闪烁的光影之中。全画气势庄严、崇高，略带忧郁，反映了塞尚深沉的精神世界。在这幅画中，每一个体块和造型都被处理得极为严谨，使人联想到他静物画中的一个个苹果的描绘。然而，塞尚风景画色彩的丰富多变，却是其静物画所难以比拟的。在这幅风景画中，他以朴实有序的笔触，表现出物象的细微色差。虽然画中颜色种类不多，但每一种色都有着丰富的色阶变化。那浓重而沉着绿色，衬托出不同明度与纯度尘局的土黄、土红和蓝色，使整个画面恰似一首和谐的色彩交响乐。同时，那无数的笔触，被敏感而理性地放置在画面上，成为厚重而富于肌理变化的色块。笔触的种种走势、排列、连接、转换和交织，构成了空间，也产生结构，形成对比和谐的秩序。面对这幅画，我们可感到色块、笔触、线条等抽象的视觉要素，从客观景物的图像中漂浮出来，在画中形成一种新的现实。而这种“新现实”的意味，正是塞尚绘画艺术的核心!
拉 大碗岛的星期日下午 1884-85
这个是大碗岛星期日的下午，这个是光的结构间达成一个统一。这个作品里边主要是采取了一种非常严格表现阳光下的景物和人物的色彩变化，它的草是什么样的，暗部的草是什么颜色、亮部的草是什么颜色，由于他过于的严格，所以不太生动，不像印象派那样生动了。
这幅“大碗岛的星期日”整整花了修拉一年工夫来点他的圆点。当这幅画在第八次印象派画展上出现时，立刻引起社会的反应，攻击和赞扬之声同时袭来，有的撰文称它是"新风格"的展现，有的骂他是"带有稚气和学究气的离奇结合"。总之，这种新鲜画法实质上是当时哲学上实证论对艺术实践的危害作用。“大碗岛上的星期日下午”描写的是巴黎附近奥尼埃的大碗岛上一个晴朗的日子，游人们在阳光下聚集在河滨的树林间休息。有的散步，斗渗有的斜卧在草地上，有的在河边垂钓。前景上一大块暗绿色调表示阴影，中间夹着一块黄色调子的亮部，显现出午后的强烈的阳光，草地为黄绿色。阳光透过了树林，而投射在草地上的阴影，被色彩强调得界限分明。赤色、白色的衣服、阳伞和草地都现出一种好象散发蒸气一般的黄色。色点彼此交错呼应，给人以一种装饰地毯的效果。画上的人物也画得很可笑，一个个看不清面孔和五官，连轮廓本身也都被小圆点弄得模糊不清了，似乎所有事物都是影影绰绰的。 此画的整个创作过程约分四个步骤：以素描布置明暗对比；以色彩写生；以写生为基础组织背景；以色点完成正稿。
在“大碗岛的星期日”之后，已经不可能再举行印象派画家的作品展览会了；大家都感觉到：一种新事物诞生了。这种新事物人们可以接受或者反对，但是，在艺术风格的进一步演变中，不考虑它是不行的。至于修拉本人，他确信：在“大碗岛的星期日”一画之后，他 自己的绘画方法已经彻底建立起来派销让，剩下的事就是希望自己的作品能够使自己满意。担心一种方法会有损于或者会阉割掉艺术家感觉的真实性，这是修拉所不曾考虑到的。
修拉的那些多人物的大幅油画，通常是在画室里画的，有时甚至是晚上画的。他的色彩调配的理论设计，精确到使他认为可以不必考虑人工照明对于人的色彩感觉所造成的种种变化。许多人惊佩这种设计才能，他们把这种才能看成是一种智力强大的标志；可这也是艺术家要丧失感觉的标志。于是，修拉走出了画室，到海边去写生：1885年去格兰康，1886年去翁弗勒，1888年去贝辛港，1889年去勒克罗图瓦，1890年去格拉弗林。在1885-1890年间修拉的风景画都是在外光下完成的，他的观察方法是别具一格的。他是追求强烈的感觉的艺术家，但他对这种感觉进行了整理并且理性地给以加工。他的这种感觉使他的作品保持了生命和力量。在1885-1890年间完成的这些风景画上，修拉取得了自己感觉与理论的平衡。因此，这些风景画是艺术家的最佳代表作，他的天才在这些风景画上的表现，要比在那些构图性作品上表现得更加充分，如：“格拉弗林的运河”。
拉、塞尚和结构语言
R.H.维伦斯基在《现代法国画家》一书中把反对19世纪80年代法国印象主义绘画的潮流相当简单地描述为一场广泛的复兴古典运动。根据这种论点，一些画家，特别是雷诺阿、修拉和塞尚回到了法国古典传统，并且强调绘画结构中较为持久的建筑因素，从而表达了他们对自然主义精神性的不满，而这种精确性正是印象派纲领的基础。对所谓“印象主义危机”的这番解释有一定意义，但不够清楚，因为有些后印象主义画家在重新建立传统绘画设计和绘画结构基本原则的同时，也努力保持自然主义。正如我们在第一章中看到的，雷诺阿就这样做了（图18），他把人像放得很大，把风格拓宽，创造出的作品既带有罗可可绘画中法国15世纪乡村节日的喜庆色彩又令人想起源于拉斐尔的古典传统。乔治·修拉常常打着“注重科学”的幌子向自然主义精神表示敬意，保罗·塞尚则是借助印象主义的绚丽色彩完成最果敢的形式创新，并赋予这些色彩他自己对自然清新生动的感受。
修拉31岁去世，只留下六幅主要油画，一批海景、数不清的油画草稿和相当大一批秀美的素描。但是，即使修拉只画过《大碗岛》这一幅画，他仍然是现代最杰出的画家之一。修拉去世后，毕沙罗在给他的儿子吕西安的信中写道：“我相信你是对的，点彩法已经结束，但我认为它将来会对艺术产生极其重大的影响。修拉的确作了很有意义的补充。”修拉最主要的贡献是，他重新激发了人们对绘画结构和构图的兴趣，而这类基本形式问题正是人们认为印象派画家们忽略的。修拉尝试着开拓色彩的彩用途，不仅将其用于描绘，而且用于对精确形体的塑造，因此他的艺术成了连接印象主义和塞尚的伟大创新的桥梁。修拉对平板的装饰图案的喜爱、他的富有喜剧色彩的夸张，他的杂要剧场和马戏班每题也使他与图鲁斯劳莱克相连，关于后者的情况你们会在下一章中谈到。
保罗·塞尚
对物体立体感的新兴趣以及对大自然较为恒久的方面和形式方面的深切关注，更突出地体现在保罗·塞尚（1839－1906）具有深刻影响的革命绘画中。鉴于塞尚的探索对20世纪产生的影响，人们把他称为“现代艺术之父”，他的确当之无愧。塞尚是19世纪的主要画家之一，他是一位奇才，一生中不断创新，在1950年之后的时期里，他与马奈、莫奈、高理我和非常有限的其他几位画家齐名。有人把他与中世纪晚期的大师乔托相比，后者创立的理想现实主义在文艺复兴和巴罗克绘画中达到高峰，他魔术般的幻觉手法对西方艺术的垄断直到本书中探讨的现代时期方告结束。如果类比是可行的、能说明问题的话，即使修拉与塞尚相比也多少有些逊色。修拉与塞尚同样敏感，在形式上同样有突破，但修拉或许不如塞尚那样才华横溢，其影响则肯定要小得多。修拉的作品虽然具有装饰性平面感，但同传统幻觉技法的对立并不十分尖锐，因此正好构成传统技法与塞尚激进绘画手法之间的过渡。
乔托调和了现实与理想，复兴了被弃置千年的古典艺术标则；塞尚则奋斗终生，创造了一种明朗沉静的绘画。为了打破传统的平衡，他引入一系列相互矛盾的目标：古典形式的秩序和大自然中的偶然性、综合手法和模仿手法、永恒因素和瞬间因素等，用塞尚自己的话来说（此话常被误解），他要“按照自然的模式，重复普桑所做的一切”，最好“把印象主义艺术变得象博物馆艺术一样坚实、恒久。”但是，塞尚并不是仅仅重复普桑的艺术，转多地渲染画中的气氛；作为时代的骄子，塞尚所做的恰恰相反。在观察自然的某一细节时，他努力寻求在感觉中改变自然印象，从而“实现”对每题的重构。这种重构既有普桑的超越时间的、“非自然的”完美，又有印象派推崇的自然性与即时性。塞尚在从自然及其感受中抽取秩序的同时，也希望能在自己的艺术中保持自然的有机特性，即生命与成长的感觉。在探索过程中，他以一种前所未有的、有效的方式解决了数千个世纪以来的老问题，即外部现实的三度空间和画布上的二度空产是的局限之间的矛盾。这种新方式还产生了一种令人吃惊的线条和色彩组合，而这两个因素一直被认为是对立的，不仅16世纪普桑和鲁本斯的信徒们这样看，就连19世纪的这发格尔和德拉克洛瓦也持同一态度。塞尚赋予艺术以新的意义，拓宽了表现形式，取得了具有历史意义的突破。在进行专业探索的同时，他还经历了个人思想上的激烈斗争。塞尚是一个充满矛盾的人，他既有保守的普罗旺斯背景，又有波希米亚人放荡不羁的癖性；既爱以过古典教育，又有浪漫的，甚至是猛烈的感情冲动；既茵视权威，又奴隶般地崇拜马奈、莫奈和罗丹。为了使自己执拗的天才响应灵感的召唤，他一生都在痛苦中度过。
塞尚是独生子，在法国南部城市埃克斯昂普罗旺斯长大，母亲是文盲，生性胆小，父亲是个自我奋斗出来的银行家，坚忍刚毅。塞尚儿时的挚友爱米尔·左拉曾对他作过这样的描述：“共和主义者、资本家，对人冷漠，爱嘲讽，老谋深算，很吝啬。”塞尚脾气很倔，他完全不适应于父亲那一行。22岁那年，他争取到一份津贴，到巴黎与左拉会合，以作画为业。虽然他的早期素描已经显示了画裸体模特儿的娴熟古典技巧，但他热切而又矛盾的精神却在油画《草地上的午餐》中得到了最充分的体现（图27）。这幅画的标题令人想起了马奈及其笔下无忧无虑的周末野餐。但两幅画之间都存在着天壤之别。马奈的《草地上的午餐》（图15）虽有色情都很冷淡，表现了精湛的技法；塞尚的画却是充满着赤裸裸的情欲和饱醮激情的笔触，艺术家把自己安排在画的中部，表现为一个被情欲折靡磨的形象，眼睛盯着最左方那位放浪形骸的引诱者。整个画面是粗暴的笔法绘出的黑暗风景，动荡不安，表达了情欲与渴求。用弗洛伊德的观点来看，向上挺立的酒瓶无疑有性的含义，酒瓶上方是一个隐喻的形体，其形状宛如树在水中的倒影，但背景是乌云翻滚的天空。塞尚所作的这些变形使他在很长一个时期内背上了无天赋的野蛮人或心理变态者的恶名。不消说，这幅画在某种程度上是有一定的欠缺，可是其许多对比与反衬的关系因素后来却构成了塞尚艺术的印记。在后来的创作中，形体扭曲成为他独特审美观和表现需求的必然结果。
塞尚几乎与莫奈和雷诺阿同时，但作为艺术家他成熟很晚，远在印象派之后，无论是在形式上还是在心理上，他都与比他年轻许多岁的修拉共属一个时代。塞尚依然从印象派那儿寻求指导，特别是毕沙罗。毕沙罗发现了塞的天赋，在19世纪70年代将塞尚置于他的保护之下，这使得塞尚“没命地工作，努力改变自己的气质，并将其置于冷静的理智驾驭之下。”在塞尚的所谓“印象主义”阶段，他减少了对热情幻想的依赖，而更重视外界引起的视觉印象。在诺曼底南部与毕沙罗相伴的那个阶段，塞尚开始解放自己，学习观察。正如《缢死者之屋》所反映的，他学会了使用不同色调、较明朗的色彩和较淡的颜料。可是，他仍比毕沙罗更喜欢用厚涂法，他笔下的形体也较为坚实。此外，他在家乡养成的细致画风仍然随处可见，他不仅把印象派笔下缤纷闪烁的大气层变为不同的色彩平面，还用相应的线条交织成微妙的网状。这些作品中阴惨的标题同倾斜的角度和板滞的构图一样，表现了冲突，甚至恐怖。毫无疑问，这个世界同印象派艺术淋浴着阳光的明朗和天真的欢乐是不相容的。
在第三届印象派画展上（1877年），塞尚遭到了很惨的境遇，此后，他退避到普罗旺斯，在孤独和寂静中追求自己独立的目标，在那里，他进入了自己的“古典阶段”或“结构阶段”（1878－1887），这一阶段他的画风无疑最接近普桑现存芝加哥的《艾斯达克海湾》（图29）即为此时所绘。我们对这幅画太熟悉了，很难确切指出他在何种程度上可以作为现代艺术的楷模。首先，它表现了艺术家认为是“母题”的东西，即现实世界的一角，但是，这个世界几乎没有人类活动，也没有这种活动对艺术家所产生的侵扰，这就使得艺术家及其观众可以从中得到一种具有艺术价值的纯粹视觉体验。
采用这类母题，塞尚能够“陶冶自己的性情”，通过自己的内在逻辑（感受）却发现自然的逻辑并将它出达出来，不是从宗教、历史、文学或当代社会借来的比喻表达，而是用绘画语言本身，即塞尚所说的“造型的对应物与色彩”表达。于是：艺术家去“读”，去探索和研究“圆柱体、球体和圆锥体”的主题。塞尚提出的这些形体是指他感到的各种形状、形式、和可视世界具体物象的抽象结构。通过上述方式把现实景物肢解之后，塞尚接下来便努力在“模仿自然的结构”中“实现”自己的感觉，这种“模仿自然的结构”就会画本身。塞尚在“实现”自己的感觉时借助了刚刚掌握的印象派色彩，但在其中揉进了以前倾注在情欲狂想中的力量和戏剧性。塞尚还采用了毕沙罗的色彩点缀笔触，并将色点扩大为对照鲜明的或互补的大色块。印象派画家总是把坚实的形体溶于流动透明的大气层，塞尚却把枯黄的土地、湛蓝的海水与青紫色的山脉和天空紧紧连在一起，使之在结构上如同积木中的各部分一样稳定，他还把这些景物有力地推到画的边缘；它们不是在油画空间内形成柔和的曲线，相反，每一色区－－大地、海水、山脉和天空都象飘带一样飞出了画布。一方面，塞尚尽力调调画面上二度空间所形成的物质现实；另一方面，他感到有必要保持画布同三度的自然空间及其坚实的形体之间的和谐。
这种做法意味着放松或者废驰传统透视幻党技巧（其主要特征是聚合的透视线和逐渐模糊的细节），以免画面有可能 被这些技巧“损害”，将画面弄得象一扇透明的玻璃室，从而能够开拓“色彩和造型对应物”的可触物质性和表现可能性。
我们在《艾斯达克海湾》中可以看到，塞尚采用平面出现前景中房屋的立体感（平面本身通过色彩的深浅和强度区分），用重叠结构表现房屋在画面中的位置深度，但其深度感由于从屋顶到屋顶或从山墙到屋脊的边续线条而减弱了。此外，他画的侧面就象从正面或背面看上去得到的印象，十分平板，接近长方形的画布。
除了上述形体和线条之外，塞尚还进一步使用了色彩和“结构笔触”来反映他从各个有利角度观察到的母题形象，在二度空间限制之内表现母题的层次，并使整个画面具有现实世界中的密度、质感和深度。结果，不仅前景的房屋是用由色彩区分的平面来构筑，没有用描述性的轮廓线；而且这种色彩的塑性手法还贯穿各种大小块面。前景中陆地上的景色用了暖调子的桔黄色，而中部的海水则用冷调子的蓝色，因此，层次非常分明；同时，枯黄色很薄，而蓝色则很厚，又与这两种色彩表现深度的性能相反。山和天空明暗对照不明显，所用蓝色强度不大，很淡，使人感到它们是在遥远的地方。可是，蓝色因掺进了黄色不显得很冷，因而它本身显示不出山和天空是在中景的海水之后。
另外，塞尚的笔触（每一笔都表现了特定的感受）既起到了在空间构筑形体的作用，又起到了把形体与表面紧密相连的作用，这些笔触总是平板而散乱，象石板一样，正好与色彩的多样性形成平衡。塞尚无视自然本身的质感，而用笔触赋予整个表面以颜料的真实感。这就便形式倾向于某种程度的率真，平面自然相交，如画在左下侧屋顶最高部分，一道有力的笔触同时表现了屋顶的斜面，脊线和较远的背景。前景就是以这种方式“流入”背景，背景中的色块抽象地表现了地貌，好象是近景中较大的物体的缩影。
颜料的平面感把辉耀万物的地中海日光变成了无源的“内部”光线，完全根据艺术家表现形体的需要投射阴影，从而也起到了统一画面的作用。塞尚这种固定的光源倾向于把所有物体的细节提示出来，不分远近，正如陡峭的乌瞰使地面前倾并接近画的平面，每一细节都是通过独立的色彩点涂表现的，每一色点既是自然的又是感受的一部分，同时也起到了结构的作用，而全部笔触合起来就创造了一个色彩斑谰、森罗万象的世界，这个世界最终又被艺术家卓异的洞察力和创造性智慧统一起来。
塞尚失去了文艺复兴焦点透视画法及其所表现的非凡的自信，也失去了文艺复兴艺术享有的那种盲目崇拜，他只能按步就班地把景物一件件组合起来。然而，这种方式却符合我们在现实生活中的视觉感受规律。他作品扣统一感及其宏伟的、建筑般的设计并非来自某种既定的机械程式，而是来自他对作品的和庇感之追求。艺术家正是凭借它，并依据自己对母题的领悟和画面和谐感的需要，对作品听各部分进行了分析。塞尚通过把艺术建立在个人感觉之个找到了一种方法，而不是程式。这样，彩色形体构成的精细网络使得每一幅画都成了英雄壮举的记录，记录着艺术家奋力从偶然而混乱的自然现象中博取秩序的经历。即使无足轻重或具有显著情性的母题也会因为运用这呈方法而放出异彩，画家强悍的精神和富有创造力的头脑使每一笔都充满活力，母题也因此而升华。塞尚的作品与文艺复兴绘画不同，观众不可能一下子从中获得全部启迪，它们展示自己的涵的方式与音乐相近，有时间上的延续性，不过仍与空间保持着联联系。
对塞尚来说，静物是比风景更理想的母题，因为画静物时他不必从现实世界中发掘几何形体，只要选择描绘就行了，《带苹果篮子的静物》（图30）即是如此。可是由于塞尚孜孜不倦地追求音乐般的流动关系，这幅画仍然蕴藏着他特有的旺盛生命力。为了达到一种不符合透视的效果，他把横向上果面（或橱面）画成倾斜的，从而使背景更接近前景，使椭圆形的碗口变宽，或者说“成为方形”，仿佛观众突然从上方俯视得到的印象。虽然桌面和背景中的物体是从俯视角度所绘，但前景中的苹果却是与视平线平衡。这种通过变换角度造成“平面空间”效果的做法也同样体现在色彩的使用上。例如，用并置或重叠颜料构成的各个平面把苹果表现为密集而紧凑的形体，同时，间断的轮廓线使体积相互“通过”或“输入”，使它们呈扁平状。为了进一步强高 画面造型结构的整体感，塞尚借助扭曲的线条使酒瓶的轮廓膨胀起来，似乎“同情地”向苹果蓝靠近，从而创造了一种综合形式连贯，同桌面后边间断的线条相平衡，这条边线在不同水平上自左向右延伸。塞尚用敏锐扣感觉把自然进行分解，打破了它固有的平衡，然后以不符合理性的方式将母题重新组合为更高级的绘画逻辑，他称 之为“非现实的东西”，实际上是“根据自然组合的结构”。因此，最终完成的作品虽然充满张力，却显得宁静而稳定，我们从中可台体验到一切伟大的古典作品共有的节律和坚实感。
表现人的形象对塞尚来说是一大难题，这不仅因为他在社交场合总是非常窘迫，而且因为他“根据自然重新组合”的方式及其对形体的扭典比较适用于没有语言、没有生命的风景和静物。尽管如此，塞尚在整个艺术活动中仍然画了一些肖像和自画像，并因此消除了很大一部分紧张心理，创造了一批杰作。在这些作品中中，他通常把人物画得如同雕像一般，安排在静物背景之中，这种手法在《昂布罗瓦斯·沃拉尔肖像》中表现得特别明显（图31）。这位年轻的画商曾不畏风险地为先锋派艺术家摇旗呐喊，他的精神无疑激励了塞尚，从而使他以罕见的勇气表达了自己的感受。这幅肖像中的人物形象被大大简化了，非常接近基本的几何图形，这些图形又统一于包罗万象的画面之中。把这件作品同毕加索1909年所作的《沃拉尔肖像》（图233）相比，就会看出它实际上具有立体派原型特征。例如，在两幅画中，都可以隐约看到有一条垂线自人物的头部上方的窗框经衬衫和背心的前面延伸到左腿，这条垂线把三种不同的空间深度融为一体，即绘画表面。与此同时，表现窗台的横线与此线相交，形成一个十字，对画面起到支撑作用，赋予画面以以稳定感，两条线的间断及其形成的斜角则使构图具有与真人同等的活力。
塞尚艺术活动的最后阶段从19世纪80年代末开始，到1906年他去世为止。在进入这一阶段的时候，塞尚的生活和工作依然远离巴黎的艺术世界，一位批评家据此写道：“塞尚看来是个怪人；虽然他活着，人们谈起他时却好象他已经死了。”塞尚远没有死，这位年事已高的艺术家在后期解放了的艺术中已经完全掌握了自己的方法，他创作了一幅接一幅的油车，其绚丽的色彩和奇异的力量令人想他青年时代作品中激情洋溢的浪漫派精神（也许不在会联系到那些作品中狂暴的比喻和处理手法）。在《圣·维克多瓦尔山》中（图32），塞尚到了一个他偏爱的母题，实际上这一母题他已画过无数次，但这一次艺术家似乎获得了绝对自由，进入了一种狂喜的、感表色彩浓重的心境，同时又没失去任何控制，正如塞尚本人所说：“色彩最丰富之际就是形式最完满之时”。在这件作品中，整个画布都澎湃着由深沉强烈的色彩构成的鲜壳的大条块。虽然这些条块肯浮动的、增透明的感觉，它们仍然沿斜线或对角线组成了稳固的画面结构。鉴于这类交响乐般的作品，我们完全可以把塞尚与16世纪的威尼斯大师们相提并论。正如塞尚老年时所作的灿烂澄清的水彩画一样（图33），《圣·维克多瓦尔山》显示了作者炉火炖青的技巧。塞尚作画时常常从不同角度对细部进行观察，决不放弃对母题的每一细小感受，这种情况有时持续很长时间，因此，倘若他不是切实注意“整幅画面同时进展”，就很有可能失去对画面的控制。这意味着他从第一得寸进尺都必须有另一笔来平衡，就这样不断调整，不断打破和重建平衡，什到他达到最终的均衡，把尖锐的对立变为“激动人心的宁静”因此，无论画到什么程度，塞尚没有一幅画给人以未完成的感受，甚至图33水彩画中纯粹作为衬托的白色也是极为敏感的安排，它同其他色彩一样，对实现整体效果起着重要作用。
塞尚终生都希望能根据自然恢复普桑的画法，最后他成功地画了一幅裸体女子，其背景的组织象昔日大师一样具有夸张的严谨，但在描绘上却完全彩了崭新的直接观察自然的方法，这种方法是他多年来从印象派画家们那里学到的。《伟大的浴者》作者1898－1905年间（图84），这是塞尚最宏伟的油画，仅其规模一项就足以说明这一母题对他的重要性。他放弃在自己的风景画中安排真实裸体的做法，而是把人体化的为绷紧结构，抽去性感因素，然后把自己感情的力量注入整个概念。这样，画中的裸体便被纳入以苍穹为顶的自然大厦，作者水彩般细腻的笔触则自始至终把天空、植物和人体统一于青色绿色的柔雾之中，而人体与大地的淡玫瑰红和赭色又从这柔物中隐现出来。就对称和抑制而言。《伟大的浴者》在塞尚的作品中不仅是最壮观的，也是色彩分解最完美的。在这件作品中，浪漫与古典，色彩与线条既达成了最精当的平衡，又得到了圆满的表达。
19世纪80年代和90年代初期，塞尚的画只能在唐居易老爹的店里见到，正是在这个店里，这位大师的艺术影响了一整代后印象主义画家，其中最著名的有保罗·高更、莫里斯·德尼、皮埃尔·勃纳尔和艾杜阿尔·维亚尔，他们认为塞尚的努力旨在达到一种角征性的自然与思想，观察到的现实和理想生活之间的融合。较年长的印象派画家们很难从塞尚令人惊异的作品中看到有价值的东西，很不满足，于是劝说沃拉尔为他们限隐居的同伴举行一次个人画展。这次画展在1895年举办，保守的评论家认为塞尚变得比以前任何时候更加难以捉摸，另一部分人却宣称他是“……真理的伟大诉说者……将来会进入卢浮尔宫。”到了1906年，一场又一场现代派运动都公然承认是从塞尚的艺术发展鸸 为，塞尚本人在某种程度上也借助了这一说法，因为他坚持认为自己的艺术不过是“一种新艺术的原始形态”，不过是一种他自己未能充分理解的“前景”。对马蒂斯来说，被塞尚解放出来的色彩就是一切，而对毕加索和勃拉克来说，这一要素却无足轻重，他们从塞尚得到的启迪是从自然中寻找潜在的几何图形，他们后来从中发展出统一画面的新形。塞尚对物体面与空间面的致处理、极浅的景深和强化的结构、同一画面的多角度和平面的转移（系借助间断的轮廓线在各个独立的物体间形成），截为1908年勃拉克和毕加索创立立体主义开辟了道路。因此，虽然塞尚总是忠实于可认知的主题，但他的作品仍然构成了一个过渡，即从旧的19世纪感知艺术过渡到纯粹的、几何抽象或非写实的20世纪艺术。
这幅画的名字
问我就问对了 我是美院学生
这幅是乔治·修拉的作品《大碗岛的星期日下午》
画法是点彩。
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【作品赏米什层攻包架动景析】 在这幅作品中，修拉采取小心翼翼的点彩画法，把各种经过仔细分析处理的原色小圆点，经过一年的时间点满在画布上。作品描绘的是巴黎附近奥尼埃的大碗岛上一个晴朗的下午，游人们在树林间解休闲的情景。前景一大块暗绿明击投血色表示阴影，中间黄色调子的号价落九达物吸亮部，表现午后的强烈阳光。阳光透过树林投在草地上的阴影，被强调得界限分明。人物服饰的色彩与树林、草地互为呼应，给人以地毯式的装饰特点。由于点彩，使人和物都显得影影绰绰，朦胧模糊。
