西方现代主
人类社会进入资本主义的发展阶段，现代工业文明改变了人与人之间的关系，也改变了传统的生活方式，加速了生活节奏。美术作为商品走进市场，给艺术发展带来激烈的竞争。现代科技的360问答发展改变了人与自然的关财夫啊脱云北系，人类的眼睛延伸到宏观与微观世界。因此现代艺术家必然要创造和选择新的艺术语言去表现自己所认识的新世界。现代哲学直接影响现代美术创造，叔本华的唯我主义的本体论思想、唯意志论观点导致认识上的直觉主义，这使艺术家的天才和灵感升华为艺术创造的根本。尔后的尼采、弗洛伊德对人的精神领域又作了全面的分析和揭示，又成为现代艺术创造之源泉。柏格森“非理依玉掉功全境性主义哲学”是对现代工业文明带手分道一停源神率跟息来的负面和传统价值观的彻底否定和背叛，从此艺术不再是客观世界的反映，而是主观世界的表现。
现代美术的产生和发展是沿着必然规律运行的，西方艺术自远古产生始就注重实用、物质性的再现，经历不同时代的发展和完善，到欧洲文艺复兴时期已达高峰。当照相术发明，再现的写实主义绘画已被摄影部分取代，绘画必然另择其路，由再现走向表现，由写客观物质的形态走向表现画家自我内在具谈参精神为追求。绘画自产生起就以为别人服务为宗旨，原始社会为实用，后来为神、为人的生活、为政治斗争等服务。西方艺术家宣称他们不再为谁服务，艺术就是为完善艺术自身而独立存在。因此艺术的价值观与传统决裂了。所有这一切都是随着社会发展、思潮的演变，缓慢地由量变到质变的。现代美术的发端是从印象派开始的。
印象派的出现苏练力是西方艺术划时代的里程碑。为了表现自然界丰富的瞬间即逝的光和色的变化，它忽视或否定了客观事物的内在本质，更是破坏或放弃了西方几千年完善起来的严谨造型，因此衍生出后来一系列的反叛画家、弱眼教测画派。首先起来与传统免取送苦宪成困奏决裂的是塞尚，他要创造一种绝对的绘画，它不再是客观事物的分模仿，而是注入画家主观解释的动益式兴复永恒性的形体和坚实的结构。同时还有画家高更，他从强烈的主观出发，对客观事物获得的印象和感觉加以分析、综合，创造出一种突破时空制约的具有象征意义的绘画。而荷兰人凡·高用明亮的色调与颤动奔放的线条传达了炽烈的思想，他们共同开创了西方现代美术之先河。仅们概金别套从他们的理论派生出尔后的众多现代流派。
一部分追随塞尚的画家们确认画面的经营构造是画家的能力和权利，画家是画面的创造者，应该像上帝一样任意去安排画面，形成了以毕加索为代表的立体派。认为绘画不应该作自然对象的奴隶，也不应仅是画面的精心构造，而必须表现画家的心情意志，必须是画家内在情感的外在图像，从而诞生了法国的野兽派和德国的表胜请句区罪且原阶告宗积现派。俄国人康定斯基纵览了这一画坛变化之后认识侵觉修弦角到，绘画已不是靠着物象的支持，而是靠色彩、线条与形状主宰整个画等座面，是这些绘画的元素赋予了画面生命与美，是他第一个创复屋细普获音沉指和关构造了抽象绘画。上述几个存清坏流派都是对艺术作出思考后的探索表现。
当艺术家刘三孔脚按真独玉起书面对社会和现代物质文明进行思考后，得出的结论是传统已经过时，现代是不完整不健康的，产生了破坏一切、打倒一切的达达派，他们希望在纯粹空白的基础上建立一眼细不训扬衡谁把销写孔种新文明。当艺术家面对人生时，人的意识被过多的概念装饰得已经过用玉征甚密不真实了，唯有潜意识领域才是最真实的领域，这个领域从未被表现过，画家着意于这个精神世界，创造了超现实主义绘画，这种绘画以表现反逻辑常理的物象组合展现一个鲜为人知的潜意识世界。
第二次世界大战后现代美术中心由法国巴黎转向美国纽约，又开始了一个新的探索和创造，更多地是以注重观念改变为特点。50年代兴起抽象表现主义，只重绘画行为过程而不注重画面结果的行为绘画，体现了美国人自由创造的活力。当人们不满于偶然的发泄和主观对绘画的恣意所为，转而崇尚让画面自为地发挥出它的全部潜力，于是就出现了大色域绘画、极少主义绘画、硬边派等，这些艺术多以冷静、简单的大色块布置画面，不掺任何感情的表现。60年代波普艺术登上画坛，首先风行美国，它使艺术与现代文明互相渗透，让艺术成为更为普及的交流手段，与现代人的生存息息相关。自70年代后，现代美术完全进入一个多元化的格局，艺术家在更广泛的层面上探索艺术和艺术表现,自此以后再无风格流派可寻，可谓一个人一个派，花样翻新、层出不穷，从此西方美术走进一个远离常识世界的无尽的大千世界。
现代艺术
第一，“现代艺术”是西方20世纪以来的占主导地位的艺术形态。从20世纪初开始，随着西方社会进入现代时期，出现了与古典艺术和近代艺术不同面貌的现代艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。如我们比较熟悉的立体派、未来派、超现实主义、抽象主义、波普艺术、照相写实主义，等等。当然，无论何种艺术形式，其所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。其中的积极成果丰富了人们的审美经验，开拓了艺术的视觉表现空间；其中的问题是因为缺乏共同的艺术标准和过分的个性化，在艺术上也就良莠不齐，有的脱离公众，走向极端。
第二，在各国的现代化过程中，都出现与自身社会发展特征相关的、具有自己文化内涵的“现代艺术”，在内容上反映了社会现代化的进程，在艺术形式上体现了现代精神。由于西方发达国家在现代化进程上的先行，西方“现代艺术”对全球的影响是相当大的，但这并不意味着各国的艺术就是西方的翻版。中国的艺术在20世纪的百年发展中，就有自己鲜明的文化上的“现代性”。
“当代艺术”
在时间上指的是今天的艺术，在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。之所以现在的展览普遍用“当代艺术”的提法，是因为用“现代艺术”的名词容易与已有过的“现代派艺术”混淆，同时，“当代艺术”所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身的是今天的文化环境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征 。
后现代主义
是20世纪90年代以来中国美术界最时髦的话题，然而
没有任何一个源于西方的学术名词像后现代主义这样被赋予了如此丰
富的多义性和歧义性。披览见诸报刊的众多有关文章以及打着这个招
牌的各类美术创作，我发现后现代主义几乎被当成了一个无所不包的
杂货铺。在许多中国年轻艺术家那里，后现代主义被演绎为泼皮无赖
式的玩世不恭、社会责任感的丧失和崇高精神的消解。体现在画面上
往往是可口可乐商标和京剧戏装人像的简单拼凑。尽管人类进入了信
息时代，但西方后现代艺术在我国仍鲜有介绍，它的本真面目国人大
都不谙其详。毫无疑问，这是造成对后现代主义的理解和诠释彼此矛
盾相互格的原因。令人高兴的是，在世纪之交的岁末年初我们不期
获得了一个亲眼目睹西方后现代艺术的机会。由中国展览交流中心主
办、美国子午线国际中心和美孚基金会协办的“外面的世界——美国
当代艺术展”（原名“走出边界：21世纪前夕的美国艺术”／Out
ward Bound：American Art at the Brink of the Twenty－
First Century）于1999年10月至2000年1月先后在上海和北京长期展
出，使我们能够匡谬纠误，获得对西方后现代艺术真实面目及其意义
的正确认识。
艺术|野兽派
野兽派，是20世纪率先崛起的象征主义画派。画风强烈、用色大胆鲜艳，将印象派的色彩理论与梵高、高更等后印象派的大胆涂色技法推向极致。
一、来由
1905年，法国的秋季沙龙展览会展出了以马蒂斯为首的九名画家的作品，画风令人惊愕，舆论哗然。评论家路易·沃克赛勒，在画展中看到一件文艺复兴时期风格的小雕塑被放置在一片狂野色彩中，戏称“多纳泰罗置身于一群野兽的包围中，”野兽派因此而得名。
野兽派兴起与消散异常迅速，就像绽放在20世纪初的烟火，短暂而绚烂。1905年巴黎秋季沙龙展之后的第三年，野兽派几乎消失无踪，尽管如此，野兽派对后来的现代艺术影响仍十分深远。
二、特点
野兽主义继续着后印象主义 梵亩昌滚高 ﹑ 高更 ﹑ 塞尚 等人的探索，追求更为主观和强烈的艺术表现。画风不再特别讲究透视和明暗、放弃传统的透视与明暗关系，采用更加平面化的构图、暗面与亮面的强烈对比，纯粹的写实，加入了自己的情感。
野兽派的画风特色，是狂野的色彩、强烈的视觉冲击，惯用红、青、绿、黄等醒目的强烈色彩作画，他们吸取了非洲、波利尼西亚和中南美洲原始艺术的呈现方式一单纯的线条、色彩快表达自己的强烈的感觉。他们不再讲究透视和明暗、放弃传统的远近比例与明暗法，采用平面化构图，阴影面与物体面的强烈的对比，脱离自然的摹仿。
1、色彩的简约构成体现出的形式美感 ： 色彩的构成要素包括色彩的面积、比 例、节奏与韵律、对比与统一等几个方面 。野兽派画家在处理色彩时特别注重色彩的构成关系 ,而且这种色彩关系不同于传统的色彩体系。
2. 色彩的装饰特征体现出的形式美感： 画面要具有装饰意味 ,这就要求创作者在组织艺术形象时 ,将现实物象重新加以组合、配置 , 不局限于生活中形体与色彩的真实性 ,依照表现内容与创作者情感的需要强调其中的某些因素 , 有所省略、有所变化、有所创造 ,从而实现画面整体效果的形式美感。
三、代表人物
野兽派代表人物有马蒂斯、马尔凯、德朗、卡特林等。
从1905年到1908年，，野兽派艺术家仅维持了一个短暂的共同创造和参展的时期，此后便分道扬镳，寻求各自的艺术道路。马蒂斯是唯一坚持自己原有画风的艺术家，他又是这群年轻人中的长者和核心人物，因此被视为野兽派的代表。他也是一位出色的雕塑家，他是现代派雕塑的先驱者之一，其雕塑作品追求简洁、结实的风格。马蒂斯的作品以使用鲜明、大胆的色彩而著名。
四、作品赏析
画面上有三个人。靠左边的是两名一个在击鼓；另一个黑色的在弹吉他。右边是一个正在翩翩起舞的舞女。马蒂斯一生的创作都是围绕颜色和线条这两个最基本的绘画元素展开的。这幅画中：舞女和吉他手用的是对比鲜明的黑色和白色，背景颜色用了粉色、绿色和蓝色的对比，其他物体和装饰用了黄色和一些别的颜色。线条给整个画面组合带来了节奏感：背景是长方形的，身体和物体用的是曲线。
创作这幅画时，马蒂斯已是83岁高龄，疾病缠身，行动不便，只能在轮椅和床上进行创作。衰老和疾病是这幅画主题的一部分。但是音乐的出现让人忘记了忧伤和疾病的困扰。鲜艳的颜色，活泼的姿态，这幅以音乐和舞蹈为主题的画面是欢快的。马蒂斯画的不是忧愁本身，而是消愁的良药，对幸福时刻的美好回忆。艺术家一向以热爱生活、热衷享受而著称。尽管人物周围的黄色椭圆体也可以被视为象征晚秋的迅余落叶，但是忧伤表现得非常轻微而富于乐感。
无论是迅困图形还是色彩 ,都是画家主观意愿的表达。 墙和桌子通过蓝色结合成为一个共同的色面 。 红、绿互补色形成了构图的焦点 , 其他各种色彩元素以不同的形态与强度延伸,形成画面整体。宽宽的赭石色使人物形象达到了平衡的状态 ,而绿色的三角形也体现了一 种新的形态组合 ,使作品具有强烈的构成形式 ,摆脱传统绘画色彩观念的束缚。
画中的色彩把原本相抵触的强烈与沉静完美地结合起来。在看似平面的人物头像 ,原本会显得突兀的浓黑的眼睛和眉毛 ,通过沿着面部正中间的一条绿线而变得恰如其分 ;把黑色的头发与绿色的衣领及面部和背景都衔接起,使整个面部的造型和皮肤的起伏凝结。在背景和衣服上，构成了一个强烈而沉静的画面。
运用红色、绿色、浅灰色、深灰色的条状笔触进行表现 ,透露画家作画时的兴奋与迫不及待。虽然画面本身应具有三维空间关系 ，但是向观者呈现一个平面效果强烈的色块 ,不论是地面上的红色 ,屋顶上的红色 ,完全都是一样的。这幅画是画家凭直觉处理的 ,其中红、绿的补色关系 ,以及忽略三维空间关系的平面效果 ,共同体现出作品色彩的形式美感。
文章参考：微信公众号—油画院；作者—儒镜；百度百科等。
