绘画的起源与发展
历史 一、史前绘画 已知最古老的绘画位于法国肖维岩洞（Grotte Chauvet），部分历史学家认为它可以追溯至32000年前。 那些画经由红赭石（red ochre）和黑色颜料作雕刻及绘画，主题有马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象或是打猎归来的人类。 石洞壁画在世界各地均十分常见，例如法国、西班牙、葡萄牙、中国、澳大利亚及印度等。 这些绘画的发现对其存在目的引起了众多不同的猜测，有些假设指出那些绘画是当时的人认为绘画可以捕捉动物的灵魂，令他们狩猎更为顺利。 一些假设则认为那是泛灵论的一种现象，表达他们对自然的尊敬；亦有另一假设指人类与生俱来已有自我表达的需要，而那些绘画正是其结果；此外亦有那是作为应用资讯的传播的观点。 二、东西方传统 西方文化主要是以油画及水彩画为主，在形式及主题上都有丰富的传统。 东方主要是以墨及矿物颜料的画为主，在形式及主题上都有同様丰富的传统。 三、近代至今 摄影的发明对绘画有很大的冲击，第一张照片在1829年问世，在数十年后，摄影技术持续改进且广为使用，因此绘画原来用来记录真实世界的功能也受到挑战。 19世纪末和20世纪初的一连串艺术活动，包括印象派、后印象派、野兽派、表现主义、立体主义及达达主义，挑战文艺复兴时代对艺术的观点。 不过东方艺术及非洲艺术仍维持以往的风格，未受到摄影的影响。 现代艺术和当代艺术的观点和传统艺术的历史价值及概念有不少差异。 因此在1960年曾有人说严谨的绘画型式已死。 不过这没有阻止大多数的画家继续以绘画作为其创作的部分或是全部。 二十一世纪绘画的活力及多变性盖过了之前曾有人提出严谨艺术已死的宣告。 在以文化多元性为特点的时代，对于时代性的代表风格没有共识。 艺术家继续以不同的风格及美学气质进行创作，而其成就则留待市场的评价。 在二十一世纪初，仍在继续的绘画派别有单色画、硬边绘画、几何抽象主义、挪用、超写 *** 义、照相写实主义、表现主义、极简主义、抒情抽象、普普艺术； 奥普艺术、抽象表现主义、色域绘画、新表现主义、珂拉琪、Intermedia绘画、 *** 艺术绘画、电脑艺术绘画、后现代绘画、新达达绘画、立体画布绘画、环境壁画、传统的人物画、风景画、肖像画及玻璃绘画动画。 扩展资料： 一、元素 1、亮度 亮度的意思就是色彩明暗的程度（深浅的程度）比较浅 就是明度高 比较深 就是明度低，绘画中的一个元素是亮度的感受及效果。 空间中的每一个点都有不同的亮度，在绘画中可以用黑色、白色及中间各种的灰色表示。 在实务上，画家可以用并列不同亮度的点来表达物体的形状，相对的，若只用相同亮度的不同颜色，可能只能表示图像的形状而已。 绘画的基本手法会包括几何图案、许多不同的观点及组织（透视法）及符号。 例如画家在看某一片特定的白墙时，因为阴影及周围物体反射的影响，每一个点都会有不同的亮度，但在理想上，即使在一个全黑无光的房间中，白墙仍然是白色的。 因为即使房间中没有光，是黑暗的，物体依然存在，并没有消失不见，所以可证明其理论是正确的。 2、色彩和色调 色彩和色调是绘画的基础，正如音乐中的音高和节奏一様。 颜色是高度主观的，但其带来的心理效果是可以观测的，只是其效果可能会随文化不同而不同，例如在西方文化中，黑色表示死亡及哀悼，但在东方文化中则是用白色表示 。 有些画家、理论家、作家及科学家（包括歌德、瓦西里·康定斯基及牛顿）都提出了他们的色彩理论。 而且其中的语言也只能表示一种抽象的颜色，例如红这个字可以表示可见光谱中在纯红光附近一个范围内的光。 像在音乐上，不同的音乐家对于中央C或是C4有共同的定义，但不同的画家对于颜色没有一个公认的定义。 对画家而言，颜色不止是分为基本色或衍生色（如红色、蓝色、绿色、咖啡色等）而已。 在绘画时，画家是用颜料上色，因此画家的“蓝色”可能是以下颜色中的一种：午夜蓝、靛色、钴蓝色、群青等。 颜色在心理上及符号上的含意不一定和绘画上的手法有关。 颜色可以增加一些潜在的、衍生的意义，因此对于一幅画的感觉是非常主观的。 这部分可以用音乐来类比．音乐中的音高（例如中央C）类似绘画中的光，阴影类似强弱，颜色则类似不同乐器的音色，虽然这些不一定可以形成旋律，但可以在音乐中加入一些不同的内容。 3、非传统元素 现代的画家已经将绘画加以延伸，例如由立体主义衍生的珂拉琪，严格来说不算是绘画。 有些现代画家会因为材料的纹理而整合不同的材料，例如砂、水、稻草或是木材等。 像让·杜布菲及安塞尔姆·基弗的作品就属于这一类。 也有越来越多的艺术家社群利用电脑及Adobe Photoshop或Corel Painter等软件将颜色画在数位的画布上，若有需要也可以印在真正的画布上。 4、节奏 绘画中的节奏和音乐中的节奏一样重要，若节奏定义为“结合到一个序列中的暂停”，则绘画中也有其节奏。 这样的暂停可以让想像力参与在其中，产生新的创作，型式、旋律及上色等。 这些形式（或是任何种类资讯）的分布在艺术工作上相当重要，会直接影响作品的审美价值。 在审美价值上，感知的自由流动即视为是美。 不但在艺术或是科学中，能量的自由流动会提升其审美价值。 二、审美与理论 美学是有关艺术和美的研究，是康德或黑格尔等十八世纪及十九世纪的哲学家探讨的主题之一。 像柏拉图及亚里斯多德等希腊哲学家也对艺术及绘画有特别的探讨。 在柏拉图的哲学系统中，画家和雕刻家的地位不高，他认为绘画无法描述真理，绘画只是复制实际事物，其中除了工艺，没有其他的成分在内，就像鞋匠及铸铁一様。 不过在达芬奇的时期，对绘画的认知和柏拉图的认知不同，当时认为“La Pittura è cosa mentale”（绘画是心灵的事物）。 康德区分美和壮美两种概念，分析两者的相同处及不同处。 虽然他没有提到绘画，但像约瑟夫·玛罗德·威廉·透纳及卡斯帕·弗里德里希等画家将其概念延伸到绘画上。 黑格尔认为无法对美给予一个共通性的定义，在他的美学研究中认为绘画、诗歌和音乐是三项“浪漫”的艺术，其中有符号化，高度智力的目的。 三、绘画风格 绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式，它及其参与者的数量同样地为数众多。 绘画的本质可以是自然及具像派的（如静物画（still life）或风景画）、影像绘画（photographic painting）、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。 历史上有一大部分的绘画被灵性主题及概念所主导，这些绘画形式由陶器上的神话角色到西丝汀教堂的内壁及天花板上的圣经故事场景都有，它们会透过人类身体本身去表达灵性的主题。
