大话西方艺术史 之四 巴洛克 洛可可 新古典
文艺复兴之后，就是巴洛克、洛可可，之后是新古典，先扫盲一下这都是啥意思。
巴洛克 ，往大里说，堪称是一个时代；往小里说，也覆盖了建筑、雕塑、绘画、音乐、戏剧等各类艺术形式。
因为和宗教、权力、财富有着密不可分的关系，也因为视觉和装饰效果通常富丽堂皇，巴洛克一开始给人的印象是浮夸、奢华、土豪审美；凡尔赛宫就是鼎盛时期的巴洛克风格宫殿。
插播一条建筑扫盲贴，一比就知道啥叫土豪巴洛克。
拜占庭，穹窿顶；哥特，尖塔高耸，尖形拱门，大窗户，花玻璃；巴洛克，外形自由动态，富丽堂皇的誉银装饰、雕刻和强烈的色彩。
但除了华丽，巴洛克还意味着庆袭宴动感。不论是绘画还是雕塑，作品中的人都好像站在舞台上，演着一场大戏。只有这样的张力才能让人屏气凝神，肃然起敬。
我用金钱、奢华腐化你，你就不会造反不听话了。纸醉金迷到了颓靡，洛可可风格应运而生。 洛可可 ，是巴洛克风格的晚期，颓废和瓦解的阶段。
盛极必衰，一场由底层人民掀起的革命席卷而来，法国大革命开始后，革命派艺术家又重拾古典审美，歌颂宗教英雄的戏剧感画风现在被拿来渲染革命英雄，这便是 新古典主义 了。
“巴洛克艺术”始终围绕着宗教与权力展开，在罗马尤其明显。那些已经在罗马矗立了几百年的恢宏建筑、雕塑，大部分都出自贝尼尼之手。
这个希腊神话题材的雕像，让24岁的贝尼尼一举成名。冥王普鲁托强掳大地之母的女儿普洛塞尔皮娜为妻，普鲁托的手指深深地掐进了普洛塞尔皮娜的大腿，好像真的有了弹性一样。
还有一件堪称奇迹的作品必须得提：西班牙修女特雷莎常常听到上帝跟她说话，并说天使用剑刺进了她的心脏。但，贝尼尼觉得特雷莎“刺透了心”的感觉实质上与少女对爱情的渴求无异。
于是他雕刻了一个拿着金矛的天使，并让他将金矛对准特雷莎的下半身。修女双眼轻闭，嘴唇微张，陶醉地接受着天使带给她的快感，极度享受的样子。贝尼尼精准地刻画了一个虔诚的修女在与神交会时，一心渴望天堂的状态。
卡拉瓦乔既是文艺复兴的最后一位艺术家，也是巴洛克时期第一个为人熟知的艺术家，是他打破了文艺复兴后期的僵局。
他生活在罗马的底层社会，也画这样的罗马生活。
即便是画神，也要用最底层人民做模特，甚至用他自己。
马太本是个税吏，因此遭到人唾弃。耶稣要在遭人鄙弃的人中挑个人做自己的门徒，这幅画就是耶稣去召唤马太的情景。
光线昏暗的房间里，耶稣从画面右侧的门外走进来，一道亮光打在一只手上，在四周黑暗的背景衬托下，我们顺着手指的方向，视线自然而然就转向了马太。
在画面上打了一道光来强化明暗的对比，将人藏在黑暗中，再用光线引导视线，这道光就是卡拉瓦乔最著名的撒手锏，被称为酒窖式光线，或者叫 卡拉瓦乔光 。
卡拉瓦乔用更加真实的方式去反映他所处的社会，有现实的逼真感和故事的戏剧性，这也是巴洛克时期的绘画特征。
伦勃朗时期的荷兰，艺术消费不再专属于贵族和教会，普通人也开始接近艺术，买画或请画家来记录自己的生活。还有政府、企业和各种小团体，因此集体肖像画成为一种潮流，很像我们现在的大合照。
但伦勃朗的画却一人一个神态，因此一炮而红。
更突出的是伦勃朗的《夜巡》，它改变了集体肖像画的现状，引领了新的风潮。他用了最擅长的光线布局：一束斜射下来的光把主角的右侧照亮，左侧则陷入黑暗。这种强烈的明暗对比让人物棱角分明，立体感十足；同时又通过弱化民兵身上的光，使画面仿佛蒙上了一层神秘的面纱。时至今日，“伦勃朗光”仍是禅宴摄影师必学的布光法则。
伦勃朗至死都不愿为了迎合客户而丧失自己独立的人格，真正伟大的是他的灵魂，是这种不屈的艺术精神。
从15世纪到17世纪，当权者意识到了思想上的同化也相当重要，艺术可以作为宣传手段。所以，当时的艺术家很受重视。
委拉斯开兹是一名宫廷画家，他的画最大的特点之一就是逼真，他只画自己眼睛看到的事物。
画神，他都是找自己家人当模特。《三博士来拜》讲得是东方的三位博士夜观星象，预见到犹太人的新君即将诞生，于是来到耶路撒冷，为圣母圣子献上礼物以表达敬意。
没人见过博士、圣母和耶稣长成什么样，委拉斯开兹的画里，圣母和耶稣分别是他的妻子和女儿，而那三个博士里不仅有他自己，还有岳父大人。
正是这种务实，让他笔下的人物看起来亲切、真实。
而他画的《宫娥》与《蒙娜丽莎》《夜巡》一同被纳入“世界三大名画”，被解读出了浓重的哲学意味。
画家用一面镜子把一个二维画面扩展成了一个立体的空间，除了正得意扬扬的小公主外，还把本来不在画面中的国王和王后也装了进去。
这面镜子让国王和王后显像，成了最吸引西方研究者的元素。而这个显像又让画面里公主、宫女、大臣和画家本人全部定格。被隐匿起来的东西，恰恰决定了画面里所有人的姿态。
福柯总结道：是一个不可见的本体决定了一个可见的场景。这幅画给我们带来一个关于“人类认知”的启示，即可见的东西背后，往往存在着决定它的不可见因素。
“可见和不可见”“现象和本质”这种二元对立统一关系是《宫娥》里的哲学道理。这是哲学的功力，也是艺术的力量。
洛可可艺术，就只说蓬皮杜夫人。她的自我装扮，建筑和室内装饰，都是浓浓的“蓬皮杜风格”。
她创办自己的瓷器工场，那别具一格的粉色代表着贵族的时尚和优雅。
新古典主义提两个人，大卫和安格尔：
大卫对革命充满热情，是个“革命画家”。《马拉之死》就是一幅描绘革命者被暗杀的作品。
画中的青年男子叫马拉，是法国大革命中雅各宾派的核心领导人之一。他患有严重的湿疹，不得不泡在有药水的浴缸里工作，被一个女子刺杀。暗杀发生的前几天，大卫还曾拜访过马拉。
后来他怎么又成为了宫廷御画师，后人不能理解，但他毕竟是新古典主义画派的奠基人。
大卫的学生安格尔以女性题材作品闻名，他只想单纯地画女性，极致地去表现女性的古典美。
最具代表性的就是这幅《大宫女》
裸体绝不等同于情色，安格尔的这幅作品含蓄得多，没有波澜壮阔的剧情，也没有裸露的人体器官。这幅画是在精神层面上对人体美的欣赏，这不是画，这就是一个活生生的人。
很多人质疑安格尔画的人比例不对，腰被明显加长，但，那又怎么样呢，他热爱“人”这件天生伟大的艺术品，是纯粹地欣赏。
巴洛克时期和文艺复兴时期之间的两个时期的音乐手法与音乐风格
跟文藝復興時期音樂的成酸婷律立場所集中於教會很不一樣的，巴洛克音樂成立的場所已分散開來，分別是是宮廷、教會和劇院，来自並且如實反映出專制君主、教會與中產階級這三種社會階級，因此，巴洛克時代的音樂家可以是宮廷附屬的音樂家、教會音樂家、劇院音樂家三種。
一、巴洛克音樂的特點
1.自由與無限的可能性
巴洛克音樂的特徵就是演奏的自由和無限的360问答可能性。
巴洛克時期的樂譜，只寫出兩個外聲部──——亦即上面主樂器聲部、以及伴奏樂器的最低聲部，而實際上演奏這首曲子時，負責上面主樂器聲部的大鍵琴或風琴等鍵盤樂器的演奏者，就圆刘队班考理热措办介以這個低聲部為基礎，依照記在那裡的數字和記號，自由加上和弦演奏下去；而負責低聲部的大提琴、或者古大提琴、低音管之類的低音樂器的演奏者，則重複這個低音部持續的演奏下去。
結果樂譜雖然只寫出兩個部分，卻可以有更多的演奏者。
而且，鍵盤樂器演奏者並非始終都要依樂譜演奏，只要他能遵守和弦的指示，之外的附加方式要有多少就有多少。
另外演奏上聲部的小提琴手，也可以自由為這旋律附加裝飾。
所以黄盾何次车速巴洛克音樂是賦予演奏者相當大自由的音樂，說的更極端些，就是應該由作曲家、演奏家和聽眾合而為一去創作的音樂。
2.重視低各久血音聲部
這種巴洛克音樂特有的报严低聲部寫法，稱為「持續低音」、「通奏低音」、或者「數字低音」，這樣構成出來的巴洛克音樂，上和下兩個外聲部佔有明顯的優勢，而音樂就在這兩者的緊張關係上構成；正中央的部分，也就是內聲部，略顯淡薄，就像葫蘆般兩頭大中間小，換句話說，巴洛克音樂的構成，可以比喻成具有兩個中心或兩極的橢圓形。
相較之下，繼巴洛克興起的古典派音樂，成為中心的是最上聲部，上聲部佔有絕對的優勢，與此相對的下面三個聲部則成為附加的和弦形式，和弦是重要的支柱，各千令航氧屋聲部旋律跟主聲部是主散营轮月类话硫需上重從附屬的關係。
這種形式的音樂構成法叫做主調音樂。上切解执推空至因我胡严弱聲部明顯旋律成為中心，聽來悅耳容易接受，演奏主旋律的聲部佔有絕對優勢，還可以從交響樂編制中，第一小提琴總數幾乎佔有低音弦的兩倍之多，便清楚看的出來吸向钢盾低粮才会女。
後期巴洛克，傳統技法與形式源按减介实本九丰标围受到徹底開發，對席味哥振足却实位法達到極點，同時近代晚味错犯脱孩信化战的和聲法與樂曲構成法也已確立，便經由洛可可樣式和多重感受樣式，開始朝古典派的方向前進。
3众尔断哪较这铁田值求信.戲劇感與運動變握茶危护为率各内销意化感
文藝復興時期的音樂，是以聲岩划组商樂為中心，產生出彌撒曲和經文歌的宗教作品，以及稱為牧歌和香頌的、用義大利文和法文寫成的世俗作品。
但巴洛克藝術是受到戲劇原理支配的藝術，正因為如此，所以才會扭曲、誇張，那是激延安扩工季昂與亢奮的藝術，也是追求運動和變化的藝術。
代表巴洛克音樂的曲種，變成亚可积是有戲劇音樂和器樂音樂。
這種戲劇感表現在巴洛克音樂喜歡用強奏和弱奏兩種音色來強烈對比，它沒有古典樂派中漸弱、漸強這種斷續音列刑乐使晚刚缺台室药、斷層的轉移。
當時的樂器構造也明顯反應出這個事實，比如叫做大鍵琴的鍵盤樂器有兩組鍵盤，一組鍵盤不管怎樣以手指用力按，也只能彈出弱音，另一組則相反，只能彈出強音，演奏者分別以這兩組鍵盤彈出強與弱的對比。
會在強弱之間別有音色，是出現在古典樂派時代，那已經是十八世紀後半的事情了。
強調兩極斷續對比的效果，一如繪畫強調明暗，都是極其相似的為要呈現戲劇感。
巴洛克音樂儘管內藏戲劇原理，不過它的戲劇、情緒，跟浪漫派用來表達個人的情感不同，它是描述更客觀的、典型的人的感情，也就是將像「憤怒」「悲傷」等人的感情各種樣向，各自以特定的旋律、節奏、和聲、調性等表現出來。這種處理普遍人類原型的戲劇情感，由古典派繼承，完成戲劇性的器樂音樂，在貝多芬時達到頂點，並蘊藏崩潰的危機，開始往個人化情感的浪漫時代走去。
4.蘊含矛盾對立的結構
巴洛克音樂和古典樂派最不同的是，古典樂派有統一的趨勢，巴洛克卻不迴避內藏的矛盾，幾個相反要素原封不動集結在一個樂曲中，這正是巴洛克音樂的特色。
就以樂器為例，巴洛克音樂的樂器用法，不像古典派那樣將同質的東西融合為一，而是以巴洛克音樂特有的複協奏曲樣式，亦即結合不同的對比音色的樂器，做出爆發性的效果來。長笛、小提琴和大鍵琴的合奏，或者小號、古中提琴、雙簧管和大鍵琴的合奏，像這樣的在古典派和浪漫派幾乎無法想像的樂器組合，也是從對比的要求中產生的。韋瓦第、泰雷曼、巴哈都是將這些對立樂器發揮的淋漓盡致的天才。
5.競奏
協奏曲於巴洛克時期形成，成為廣泛使用的音樂。而協奏曲（concerto）語源為拉丁文，意思是爭鬥、爭論，沿用成樂種，表示這種樂曲有競爭的內涵，它是兩個群體的對比，彷彿彼此間互相追問應答，它是這時期特有的作品。
它可能是小合奏與全合奏對比、可能是主調音樂緩慢樂章和複調音樂快速樂章交替演奏。
通常是總奏開始，競奏群追隨帶出主題的對比，樂器種類在此取式中也增多。跟樂器重奏不一樣的，是不同組的樂師樂器，都各自擁有自己的數字低音聲部，一大一小兩樂器組之間對恃。
競奏的重點，是放在對比上，它並不要求超人式的演奏技巧，主題均等分配，一方回音、重複另一方。
代表音樂家是柯賴里，柯瑞里是首次將此樂種冠以協奏曲稱呼的，也是他完成了協奏曲的構成，他除了協奏曲有名，也創作奏鳴曲。他的教會奏鳴曲原則上四樂章，一樂章是緩慢的主調音樂或半複調音樂；二樂章是快速的賦格風，三樂章是悠閒的薩拉班德舞曲主調音樂部分，四樂章是輕快的主調音樂或複調音樂形式。
這種競奏之感，雖以協奏曲最具有代表性，但競奏感覺當然不只出現在協奏曲式中，它是巴洛克音樂風格的主要特色。
不過協奏曲最能鼓勵器樂創作，管弦樂編制也因協奏曲越來越複雜了。
樂器中，小提琴、雙簧管、低音管、法國號、長笛成為主流，古老弓弦、木笛等被淘汰。
二、巴洛克時期對後世影響深遠的曲式
1.歌劇
巴洛克時期因為重視戲劇感，因此大大鼓勵了歌劇創作。
歌劇先有蒙台威爾第的努力，而後義大利的帕勒莫‧史卡拉第，結晶出巴洛克歌劇的固定形式。他的偉大不只是創新新的事物，也是將傳統的各種要素整理融合，為莊歌劇定出古典形式。而喜歌劇的登場，則讓歌劇更加大眾化、平民化。
巴洛克音樂時期和義大利歌劇創作可說是同時開始、同時發展，所以對巴洛克音樂來說，義大利歌劇才是最本質的曲種，並且歌劇的語法也給彌撒曲、經文歌等教會音樂，以及奏鳴曲、協奏曲之類的器樂音樂帶來決定性的影響，最後，它傳到國外，深刻影響各國巴洛克音樂的形成。
（註。蒙台威爾第從1587年出版牧歌曲集第一卷，到1642年歌劇《波碧雅的加冕》為止，沿著他的年代順序研究作品變遷，恰好是文藝復興到巴洛克音樂變遷的縮圖，我們可以說他開拓自己作品的過程中，不自覺的主導了文藝復興到巴洛克的音樂史轉換）
歌劇音樂以宣敘調recitativo和詠歎調aria為主體。宣敘調交代劇情發展，詠歎調交代情緒轉折。詠歎調伴奏樂器起初是鍵盤樂器，後漸移向弦樂器。
一開始劇情多為淺薄的希臘神話、冒險故事和愛情故事，後來出現了歌劇腳本的革新者Zeno、與Metastasio，他們提升劇本的文學性與角色衝突心理刻畫，以歷史取代神話。另外，他們也改良了宣敘調，將朗誦唱成音樂並成為詩體，遇到情感強烈時，就加上旋樂群伴奏。宣敘、詠歎之外，也會有重唱，但非常少合唱。
當時在歌劇的每幕劇結尾，會加上跟原劇不相干的短歌劇，稱為幕間劇，通常是喜劇，以沖淡歌劇的嚴肅氣氛。因為不拘格，反而最快看到巴洛克之後的古典風格。幕間劇後被代以芭蕾。
義大利歌劇在此時代是國際性語言，主宰全歐，讓音樂從宮廷娛樂，變成音樂家藝術家渴望展露才華、也最能掌握群眾趨勢的音樂藝術。
從巴洛克以後，歌劇一直是義大利在全世界獨領風騷的樂種，直到浪漫時代。
2.器樂
器樂在巴洛克時期大量發展，跟低音數字與文學發展都有關係。
因低音數字的發展，得重視低音通奏技巧，並加強低音與和旋伴奏，這就導致樂器伴奏開展，也因此讓器樂音樂大放異采。所以巴洛克時期，又可稱為數字低音時期。
隨著文藝復興晚期聲部華麗壯大，十六到二十四聲部是常有的事。這使複音音樂的低聲部失去原有的橫向旋律特點，變成有彈性、跳躍的和聲低音。最後就變成協奏式風格。對位法漸漸失去其影響力，人聲與樂器的關係越來越密切了。
而當時因為受文學影響，開始重視歌詞，複音音樂，不希望歌詞像舞曲或民歌一般有太強的節奏、或重複詞句。因此單音獨唱加上樂器伴奏就最合適。這也會促成重視器樂的發展。
