保罗高更结婚

高更、梵高、塞尚的基本生平、艺术主张及其主要作品

保罗·高更（Paul Gauguin，1848年6月7日－1903年5月8日），生于法国巴黎，印象派画家。大部份艺术史家将他归于后印象派。
高更的作品趋向于“原始”的风格。其用色和线条都较为粗犷。高更的作品中往往充满具象征性的物与人。现代艺术史中，高更往往被拿来与梵高并论，他们曾经是很好的朋友，互相画过对方的肖像，但最后却步上不同的道路，并没有维持很好的友谊。高更不喜欢都市文明，反而向往蛮荒的生活，这些都在他的作品中看得出来。
高更在1848年出生于巴黎，他的父亲Clovis Gauguin是一名激进的共和制思想政治新闻记者。1849年“反君主制”军事政变失败之后离开法国，打算去秘鲁投靠妻子Aline Marie Chazal的家族，创办新报纸，但在海上旅行途中心脏病发去世。高更一直在秘鲁生活到七岁，幼年时期异国风情的记忆，跟他后来流浪旅行的习惯有很大的关系。高更深深敬爱母亲和外祖母，他的母亲没有屈服于困难，凭自己的双手扶养起一双儿女，他的外祖母Flora Tristan是一位著名的社会主义先驱者、女权论者，这些童年家族的经历都影响他成年之后艺术创作的风格。
1855年，高更一家回到法国，居住于奥尔良，1865年他当上了船员，几年之后便升为二副，之后又进入海军，这段海上生涯，让他航海到巴西、巴拿马、大洋洲、东地中海和北极圈。1871年高更离开海军，而他母亲在他出海时(1867年)就已过世，在他的监护人Gustave Arosa帮助下，高此没哗更进入巴黎的Paul Bertin证券交易所。1873年高更同丹麦人Mette Sophia Gad结婚，踏出了中产阶级生活的第一步，不久之后有了第一个孩子，往后的几年，高更慢慢的巩固了职务上的地位，十年后，他不仅拥有一份很好的工作，在郊外有一栋房屋，并且拥有贤慧的妻子和五个孩子。在这段期间，他在Arosa和证券交易所同事Schuffenecker的劝诱下，开始作画，Arosa本身是相当有品味的艺术收藏家，收藏了许多当时法国著名画家的作品，Schuffenecker则是业余画家，在二人的影响下，高更逐渐向画家的道路迈进。
高更在Arosa的引荐下，认识了许多当时极其前卫的印象派画家，高更积极的接受了他们的观点，并且接受了印象派创始人毕沙罗(Cammille Pissarro)的指教。1876年，他的作品在沙龙中展出，之后连续五次参加印象派的画展，高更开始梦想当一位职业画家，而让他决定改行还有外部的因素，1882年股票市场狂跌，使高更感受到作为股票经纪人职务的危险，更下定决心成为画家。
但运气不佳的是，由于美术市场也受到经济景气的冲击，使得画很难卖出去，也影响到高更的艺术创作。1884年，高更全家搬到里昂，虽然家庭生活支出减少了，但是收入仍然是个问题，随后，高更一家又移居到丹麦的哥本哈根，高更也在此时当上防水帆布的推销员。由于经济的困窘和其他的冲突，高更在1885年搬森行回巴黎，1885年6月高更和妻子分居，并试图从他所爱的自然生活中建立起自己独特的画风。
1886年，高更暂时寄居在Schuffenecker家，又为了生计当察拦起海报张贴员。此时他开始离开印象派，摸索自己的创作风格。促使高更画风转变的最大原因，是法国西北部布列塔尼地区特殊的风土人情，丝毫未被庸俗化，颇受画家们的喜爱。1886年，高更第一次来到布列塔尼，由于此地有悠久的文化传统，独自的语言、民族服装和宗教祭祀(布列塔尼人是凯尔特人的后裔)，这些均唤醒了童年时期，深深刻在高更心中对异国风情和原始性艺术的憧憬。
1887年，高更和画家Charles Laval来到巴拿马，由于经济来源匮乏，使二人不得不去巴拿马运河工地当苦力，不久面离开巴拿马，顺路到了马丁尼克岛 ，在这里的生活比巴拿马要好，但高更染上了赤痢和疟疾，不得已回到法国。旅行以失败结束，但高更对自己的艺术进展相当乐观，逐渐地，高更比布列塔尼的其他画家显得更略胜一筹。
1888年10月，高更收到了梵高的邀请，请他到法国南部亚尔的家里过冬。表面上看来这是一个很好的计划，但不久之后，两个男人之间的紧张关系便日益加深。12月23日，梵高为了恐吓高更而切掉了自己的一个耳朵，高更则回到了巴黎。
1889年，高更参观巴黎国际博览会，看到来自遥远国度的展品而深受感动，这是他再次燃起对旅行的渴望。这次他选定的目的地是法国殖民地大溪地。他打算在大溪地“融入纯粹的自然之中，只与‘野蛮’的人们交往，并要同他们一起生活”1891年6月，他到达大溪地 ，但那里的第一印象却使他的期待落空，首都巴比提已经极度的西欧化，这个国家在殖民统治下挣扎在困苦中，由于欧洲人带来的疾病影响，一百年前拥有七万人的土著居民，已减少到只剩下七千人，而且当地许多风俗和习惯也衰落。尽管如此，高更并没有畏惧，他在玛泰亚的农村租了一个小房子开始作画。当地生活成为他灵感的泉源，繁茂的植物和丰富、鲜艳色彩的居民服饰，原原本本地成长他所使用的色彩。他的多数杰作都在这一时期完成，其中也包含几幅描绘他的情人─13岁少年特哈玛娜的作品。
这些绘画中的景象看似表现了牧歌般的美好，但对高更来说，老问题却日益突出，他的钱已经用光，他甚至不得不用腐烂的面包和树果实做成的粉浆来作画。他的身体也出现了问题，由于和土著女子接二连三的性行为，使他染上了梅毒，这种病在当时还是不治之症，在以后的一生中都为此而烦恼。此外，根据高更传记的作家David Sweetman所述，高更也可能是在里约热内卢时感染梅毒，当时高更41岁(1891年)，他变得爱睡觉没有精神，且开始咳血，一天咳出一升，而且痛得好像心脏要跳出来。
1892年，他被送进巴比提的军医院，治疗梅毒性心脏病，但是高更从来不承认梅毒。虽然他并不情愿，但高更在1893年终于不得不提出了返回法国的申请。但是，这只不过是他暂时的后退。回到巴黎的高更因为得到了伯父赠予的遗产，经济状况有了一定程度的好转，但这笔钱却使他永远离开了法国。
1897年，高更画出生平最大幅的（高1.5米，宽3.6米）的经典作品《我们从何处来？我们是谁？我们向何处去？》。
返回到大溪地的高更再次受到贫困和疾病的困扰，但其创造力丝毫没有衰减。1901年，高更到了马克萨斯群岛 ，在那里度过余生，他的两只小腿都是流着脓的疮，以肮脏的绷带包住，他拄著拐杖蹒跚地晃荡。他全身到处疼痛，为了止痛而服用吗啡上瘾，还服用鸦片酊和苦艾酒。他的情绪，逐渐变成躁狂，腿上有伤痛所以使用砷，曾经到山上服用砷自杀，但是毒性不够只使他呕吐而已。他自诉体力流失，晚上都无法入眠，因此筋疲力尽。眼睛受到感染，可能是结膜炎。1903年5月8日，高更由于心脏病发作而去世，他的墓地位于马克萨斯群岛上的Hiva Oa岛，至今每年都有许多游客前往吊祭。

梵高（荷兰语：Vincent Willem van Gogh，1853年3月30日－1890年7月29日），荷兰后印象派画家。他是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高的作品，如《星夜》、《向日葵》与《有乌鸦的麦田》等，现已跻身于全球最具名、广为人知与昂贵的艺术作品的行列。
1861年梵高开始受教育，在学习语言包括法语、德语及英语表现不错，但在1868年3月中断学业，并在1869年7月在国际艺术品交易商公司见习。经历了短暂的教职生涯后，他成为传教士，向贫困的采矿工人传教。直到约莫27岁时，梵高才开始了他的画家生涯；然而，在他生前的最后十年间，却创作了超过二千幅画，包括约900幅油画与1100幅素描。梵高早期只以灰暗色系进行创作，直到他在巴黎遇见了印象派与新印象派。梵高融入了他们的鲜艳色彩与画风，创造了他独特的个人画风，其在梵高待在法国亚尔的那段时间，发展已臻成熟。他最著名的作品多半是在他生前最后二年创作的，期间梵高深陷于精神疾病中，其最后在他37岁那年将他导向自杀一途。
梵高一生中的核心人物是他的弟弟西奥，其从不间断、无私的提供梵高经济资助。他们终身的友谊可于他们在1872年8月前往来的多封书信间查证。
早年生活
文森特·梵高，于约1866年。(13岁)
文森特·梵高于1853年3月30日出生于荷兰南部北布拉班特省、位置靠近布雷达的村庄津德尔特。他是安娜·柯妮莉雅·卡本特斯与西奥多鲁斯·梵高（Theodorus van Gogh）之子，其父西奥多鲁斯是荷兰归正宗教会的神职人员。文森特以他的祖父为名，其也是恰一年前头一胎死产的哥哥的名字。以此方式重新使用名字的做法并不罕见。文森特在梵高家族中是个常见的名字；他的祖父（1789–1874）于1811年在莱顿大学得到神学学位。祖父文森特有六个儿子，其中三名是艺术品商人，包括另一个梵高信的叔叔。祖父文森特或许是被轮到以他父亲的叔父——成功的雕刻家文森特·梵高（1729—1802）——命名。艺术与宗教是两项深深吸引著梵高家族的职业。他的弟弟西奥·梵高于1857年5月1日出生。梵高有第三个弟弟柯尔，还有三个姐妹：伊丽莎白、安娜与维尔敏娜。
文森特小时候是个认真、沉默与慎虑小孩。1860年，他到尊得特乡村学校就读，其唯一的老师是天主教徒，并有约二百名学生。自1861年起，他和他的妹妹安娜在家中由家庭女教师指导，一直到1864年10月1日，他到了荷兰泽文伯根的私立珍普洛维利寄宿小学就读，离他家约有20英里（32千米）。
1869年至1876年，他分别在古庇画行（Goupil & Cie）的海牙、伦敦、巴黎分店就职，遭解雇后前往英国的拉拇斯卡托（Ramsgate），在寄宿学校服务。他在1877年于多德雷赫特的画店当助理。文森特·威廉·梵高在1878年返回艾登，在布鲁塞尔的传教士培养学校学习3个月。他在没有领到许可证的情况下，于波瑞纳吉的煤矿区开始传教活动。次年由布鲁塞尔传教本部解除传教士职务。他在1880年下决心成为画家。他在1881年回到艾登向表姐凯（Kee Vos-Stricker）求婚，遭到拒绝。文森特·威廉·梵高在1886年，进入美术学院学习，但与老师对立，1个月后退学，辗转到巴黎，住在弟弟西奥的公寓，结识了罗特列克、贝纳、毕沙罗、高更等画家，与高更成为好朋友。
纽南 （1883年–1885年）
在纽南时，梵高完全埋首于绘画中。他曾付钱叫男孩找来鸟的巢窝，然后在他们的小屋中飞快的素写下织布鸟的样貌。1884年秋季，邻居的女儿、比文森特年长十岁的玛戈特·贝格曼，在梵高献身于绘画时一直陪伴着他，并爱上梵高，梵高也予以回报（尽管没有贝格曼的那般满腔热情）。他们决议结婚，但遭到双方家人反对。玛戈特企图以番木鳖碱自杀，但文森特紧急将她送到医院。1885年3月26日，梵高的父亲死于心脏病。梵高因而哀恸欲绝。
《吃马铃薯的人》（1885），科伦-米勒博物馆

《草帽与烟斗的静物画》（约1885年），克勒勒-米勒博物馆

第一次，巴黎传来了对他的某些作品有兴趣的消息。春季，梵高创作了现被视为他第一幅主要的作品《吃马铃薯的人》。到了八月，梵高在油画商卢尔斯在海牙的展览橱窗，首次展出了他的作品。九月，梵高遭指控，指他让他的一名年轻农家模特怀了身孕，天主教村神父于是禁止村民为梵高做模特。
1885年，文森特创作了数组静物画。《草帽与烟斗的静物画》，以及另一幅同时期的画作《砂锅与木屐的静物画》，都充分表现了梵高画技的熟练非凡。二幅画皆展露了平稳、严密的笔触与色彩细致变化的特色
在纽南的期间，梵高的常用的色系是昏暗的大地色调，尤其喜爱深褐色，但却不见任何在他后来的知名画作中，鲜明生动画风的发展痕迹。（当文森特抱怨西奥没有在巴黎付出足够的努力来出售他的画作时，西奥驳覆指它们的色彩太暗淡，没有挤进当今流行的鲜亮印象派画风。）在他待在纽南的二年间，他完成了多幅绘画与水彩画，及近二百幅的油画。
巴黎（1886 – 1888年）
塞纳河上的桥（1887）
梵高于1886年3月前往巴黎，就学于费尔南德·柯尔蒙的画室，期间与弟弟西奥同住。在这段时间他俩人无需通信，所以他此时的生活详情难以被后人所知。他创作了几幅巴黎街景作品，如“塞纳河上的桥（阿尼埃尔）”。
逗留巴黎期间，梵高搜集了一些日本浮世绘风格的雕版作品。早在安特卫普时，他就对这类艺术深表兴趣，用浮世绘画作装饰了自己的画室。他搜集了上百件此类画作，并且在自己的很多作品里运用了这种风格。1887年画作“唐居伊老爹”的背景就有几幅浮世绘。1888年作品“枝上杏花开”更是强烈地表现了梵高对日本艺术的热爱。
割耳事件
梵高墓
梵高在1888年2月赴法国南部的阿尔勒旅居。他租赁房屋，高更于10月来访，12月离去，随后梵高的左耳于1888年12月圣诞节左右被割去一大半。普遍认为，梵高由于与好友高更发生争执，高更愤怒之下离他而去。梵高因情绪激动而导致精神失常，于12月23日晚挥刀割掉自己的左耳。关于割耳事件的原委，学术界也有不同说法。两名德国的艺术史研究学者于2009年5月曾提出，梵高的左耳可能是在与高更一次争吵中，高更挥刀误伤而导致梵高左耳被割掉。两人为了掩盖事实真相，维持友谊，而向警方谎称割耳事件是梵高自己动手所为。但此一论点争议性颇高，因此此事件目前尚无任何可靠解释。
自杀身亡
西奥在1889年4月结婚。梵高于5月住进圣雷米（法语：Saint-Rémy）的精神医院。他在1890年5月21日去巴黎北部村庄瓦兹河畔欧韦接受保罗·嘉舍（Paul Gachet）医生的医治。他在7月27日傍晚散步时用手枪自杀。终年37岁。30日葬于瓦兹河畔欧韦的公墓。一生在支持文森特的弟弟西奥由于过度悲痛和精神失常在1891年1月25日逝世，死后葬于其兄墓旁。

保罗·塞尚（Paul Cézanne，1839年—1906年）是一位著名法国画家，风格介于印象派到立体主义画派之间。他的作品对于19世纪的艺术观念转换到20世纪的艺术风格奠定基础。他的作品对于亨利·马蒂斯和巴勃罗·毕加索产生重要的影响。他使用富有凝聚力的绘画方式，其作品深刻影响并革新了20世纪美术，特别是1895年首次个人展和1907年作品的官方回顾展。
塞尚这个姓氏来自于法国切萨纳的小城镇，被认为是来源自于意大利。保罗·塞尚于1839年1月19日出生在普罗旺斯地区艾克斯（Aix-en-Provence），位在法国普罗旺斯南部。2月22日，保罗在教区教堂受洗[2]，他的祖母和叔叔路易成为他的教父教母。他的父亲路易·奥古斯特·塞尚（1798年7月28日- 1886年10月23日）是一间蓬勃发展的银行创办人，所以保罗·塞尚的生活不虞匮乏，与同时代的大多数画家大相径庭，他最终也获得一大笔遗产。
另一方面，他的母亲安妮·伊丽莎白·霍诺奥贝尔（1814年9月24日- 1897年10月25日）个性“活泼浪漫，但是积极进取。”保罗从她那里得到学习到对于生活的憧憬。他有两个妹妹－玛丽与罗斯，他们每天都就读同一所小学。
《玩纸牌的人》，绘于1892年
保罗10岁时进入普罗旺斯地区圣若瑟学校，他在那里学习绘画，师从西班牙僧侣约瑟夫·吉伯特。1852年，塞尚进入波旁大学，他在那里认识左拉以及Baptistin Baille，并保持良好的友谊。他住在这里六年之久，虽然在最后两年中，他是一个日校生。从1858年至1861年间，塞尚遵从父亲的意愿，就读艾克斯大学的法律院，同时也接收绘画训练。
因为父亲反对他朝向艺术发展，所以他于1861年离开艾克斯前往巴黎。左拉大力鼓励他做出这个决定，当时他已经在首都生活一段时间。最终，他的父亲与塞尚妥协，支持他的职业选择。塞尚后来从父亲那里收到了40万法郎（218,363.62），摆脱所有经济的忧虑
巴黎时期
《静物与窗帘》，绘于1895年
塞尚在巴黎认识了印象派画家毕沙罗 。19世纪60年代中期，毕沙罗和塞尚成为师傅和徒弟的关系，毕沙罗对于年轻艺术家产生许多影响力。在接下来的十年内，他们在蓬图瓦兹、路维希安等地一起创作山水画。
塞尚的早期作品往往关注景观中的人物，包括许多大型、富有想像力的风景画。后来在他的职业生涯中，他对于直接观察更感兴趣，并逐步形成充满光与空气的绘画风格。
展览
塞尚的绘画在1863年的淘汰作品展览（Salon des Refusés）首次展出，该展览展出作品因为不被陪审接受，无法正式在巴黎沙龙中展出。1864至1869年之间，巴黎沙龙拒绝了塞尚的展览申请。他继续提交作品展览申请直到1882年。在1882年，他的作品《Portrait of Louis-Auguste Cézanne, Father of the Artist, reading 'l'Evénement',》终于获得展出，这是他第一次，也是最后一次在巴黎沙龙中展出。
塞尚在1895年之前，曾两次与印象派画家展出，第一次是1874年印象派画展，第二次则是1877年第三次印象派画展。两次展览都给予先锋画家（例如马蒂斯和毕加索）留下极大的震撼。在以后的数十年里，一些个人画作在不同的场地展出。直到1895年，在画商伏勒尔（Ambroise Vollard）的协助下，他完成第一次个人展览时。尽管获得越来越多的瞩目，也拥有经济上的成功，塞尚选择提高艺术疏离性，通常在法国南部普罗旺斯创作，远离巴黎地区。
他的作品集中在几个主题上，同样精通这些类型，包含静物、人像、风景和游泳客。虽然宗教形象较少出现在塞尚之后的作品中，他仍然是一个虔诚的罗马天主教徒，“我拿我的画来判断艺术，把一棵树或一朵花视为神所创造的物体。如果它们互相冲突，它就不是艺术。“

《头骨金字塔》，绘于1902年
塞尚的绘画并未深受艾克斯广大资产阶级的喜爱。1903年，政治家亨利·罗什福尔参观了保罗·塞尚拍卖的画作，后来成为左拉的财产。他后来于1903年3月9日在《L'Intransigeant》刊登一篇题为“丑陋的爱”的批评文章。罗什福尔描述观众看到“超印象派的塞尚”的画作时，会如何放声大笑。
逝世
有一天，塞尚在田野工作时遇到风暴。工作两小时后，下一场倾盆大雨，所以他决定回家，但是在路上晕倒了。塞尚被路过的司机带回家，他的老管家搓著塞尚的胳膊和腿来恢复血液循环，他就清醒过来。在接下来的一天中，他打算继续工作，但是后来昏了过去。他因此躺在床上，于几天之后去世（1906年10月22日）。他死于肺炎，被安葬在他心爱的家乡普罗旺斯地区艾克斯的旧墓地。

保罗

保罗·塞尚因其毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，而被称为“现代绘画之父”，同时也是“后印象主义”的代表。
“后印象主义”一词，是由英国美术批评家罗杰·弗莱发明的。
据说，1910年在伦敦准备举办一个“现代”法国画展，但来自是临近开幕，画展的名称还没有确定下来。作为展览组织者的罗杰·弗莱事急无奈，便不耐烦地说：“权且把它称作后印象主义吧。”
这一偶然而得的名称，毕竟还切合实际，因为参展者都是印象派之后的画家。以后，“后印象主义”便被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、梵渐赵甲场高、高更和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美360问答学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术评论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。
后印象主义者不喜欢印象主义画家在描绘大自然转瞬即逝的光色变幻效果时，所采取的过于客观的科学态度。
他们主张，艺术形象要有别于客观物象，同时饱含着艺术家的主观感受。
塞尚认为：“画画——并不意味着盲目地去复制现实；它意味着寻求诸种关系的和谐。”他所关注的，是在画中通过明晰的形，来组建严整有序的结构。圆苏易易参径非官免拿谓梵高和高更则专注于精神与情感的表现，其作品渗透着某种内在的表现力和引人深思的象征内涵。
后印象主义绘画偏含挥层却都帮协离了西方客观再现的艺术传统，启迪了两大现代主义艺术潮流，即强调初名根核却销特且物括很结构秩序的抽象艺术(如主义、风格主义等)也强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。
所以，在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。
塞尚鄙弃印象主义者追摹自然界表面色光反射的做法，提倡应该按照画家的思想和精神重新认识外界事物，并且在自己的作品中依照这种认识重新组构外界事物。塞尚重视绘画的形式美，强调画面视觉要素的构成秩序。这种追求其实在西方古典艺术传统中早已出现。而塞尚始绿经支找娘终对古典艺术抱着崇敬联脚试之情。他最崇拜法国古典主义画家普桑。
他曾说处直迫优社击万迅抗：“我的目标是以自然为对象，画出普桑式的作品。”他力图使自己的画，达到普桑作品中那种绝妙的均衡和完美。院较他向着这方面进行异常执著的追求，以至于对传统的再现法则却不以为田掉验随粮灯武垂答然。他走向极端，感真脱离了西方艺术的传统。塞尚的画具有鲜明的特色。止氢值学段积距格他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。
通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视像构成秩序化的图像。他强调画中物象的明晰性与坚实感。他认为，倘若画中物象模糊不清，那么便无法寻求画面的构成意五车丰怎夜但总着行味。
因此，他反对印象主义那种忽视素描、把物象弄得朦胧不清的绘画语言。他立志要“将印象主义变得像博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。于是，他极力追求一种能塑造出鲜明、结实看思代议兴聚备划假的形体的绘画语言。他作画常以黑色的线条勾画物体的轮廓，甚至要将空气、河水、云雾等，都勾画出轮廓来。
在他的画中，无论是近景还是远景的物象，宣硫劳尽脸斯在清晰度上都被拉到同一个平面上来。这样处理，既与传统表现手法拉开距离，又为画面构成留下表现的余地。其次，他在创作中见排除繁琐的细节描绘，而着得倒力于对物象的简化、概括的处众优味李练的深当理。他曾说：“要用圆柱体、圆锥体和球体更来表现自然。”他的作品中，景物描绘都很简约，而且富于几何意味。塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系，有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。他最早摆脱了千百年来西方艺术传统的再现法则对画家的限制。在塞尚的画作中，经常出现对客观造型的有意歪曲，如透视不准、人物变形等。他无意于再现自然。而他对自然物象的描绘，根本上是为了创造一种形与色构成的韵律。他曾说：“画家作画，至于它是一只苹果还是一张脸孔，对于画家那是一种凭借，为的是一场线与色的演出，别无其他的。”塞尚的成熟见解，是以他的方式经过了长期痛苦思考、研究和实践之后才达到的。在他的后期生活中，用语言怎么也讲不清楚这种理论见解。他的成功，也许更多的是通过在画布上的发现，即通过在画上所画的大自然的片断取得的，而不是靠在博物馆里所做的研究。
他反对传统绘画观念中把素描和色彩割裂开来的做法，追求通过色彩表现物体的透视。他的画面，色彩和谐美丽。面对写生对象，他总是极其审慎地观察、思考和组织画面的色调，反复推敲，反复修改，以至许多画总像是没有完成一般。为了长久地反复钻研，他经常画的题材是静物画。在这些精心组织的静物画中，塞尚并不过多地重视空间、体积和透视关系的科学性，而是更加注重画面形和色的平面布局，力求达到一种类似图案一样的平面的和谐与均衡。比如在《静物苹果篮子》以及其他许多静物中，塞尚在表现上所获得的成功甚至超过了巴尔扎克的言语描述。对于塞尚来说，如同其他的前辈和后辈艺术家一样，静物的魅力显然在于，它所涉及的主题，也像风景或被画者那样是可以刻画和能够掌握的。塞尚仔细地安排了倾斜的苹果篮子和酒瓶，把另外一些苹果随意地散落在桌布形成的山峰之间，将盛有糕点的盘子放在桌子后部，垂直地看也是桌子的一个顶点，在做完这些之后，他只是看个不停，一直看到所有这些要素相互之间开始形成某种关系为止，这些关系就是最后的绘画基础。这些苹果使塞尚着了迷，这是因为散开物体的三度立体形式是最难控制的，也是最难融汇进画面的更大整体中的。为了达到目标，同时又保持单个物体的特征，他用小而偏平的笔触来调整那些圆形，使之变形或放松或打破轮廓线，从而在物体之间建立起空间的紧密关系，并且把它们当成色块统一起来。塞尚让酒瓶偏出了垂直线，弄扁并歪曲了盘子的透视，错动了桌布下桌子边缘的方向，这样，在保持真正面貌的幻觉的同时，他就把静物从它原来的环境中转移到绘画形式中的新环境里来了。在这个新环境里，不是物体的关系，而是存在于物体之间并相互作用的紧密关系，变为有意义的视觉体验。画完此画70年之后的今天，当我们来看这幅画的时候，仍然难以用语言来表达这一切微妙的东西，塞尚就是通过这些东西取得了他的最后成果的。不过，我们现在能在不同的水平上领悟到他所达到的美了。他是绘画史上的一位伟大的造型者，伟大的色彩家和明察秋毫的观察家，也是一位思绪极为敏捷的人。
但是，他这样反复地去画人物时，常常使当模特儿的人无法忍受长时间的枯坐，因此，他越来越难以寻找合意的模特儿。而最为耐心最为善良的模特儿便是年轻的塞尚夫人。他的作品中，以夫人为模特儿的便有25件。这一幅《红沙发上的塞尚夫人》便是其中之一。塞尚夫人名叫马利·奥尔丹斯·菲格，1869年与塞尚结婚。在这之前，她是一家装订工厂的女工，业余为塞尚作模特儿，她的耐心和顺从使塞尚十分感动。结婚之后，她不但操持家务，照料画家的起居，而且继续为画家当模特儿。在这幅画中，画家将红色沙发和模特儿身上的蓝绿色调，构成十分鲜明的对照，色彩明亮而协调。
塞尚是那样一心一意地献身于风景、肖像和静物等各个主题，世界上的艺术家很少有人能比得上他对艺术史的贡献。1890年以后，塞尚的笔触变大，更具有抽象表现性。轮廓线也变得更破碎、更松弛。色彩漂浮在物体上，以保持独立于对象之外的自身的特征。他是一位要求我们景仰却拒绝我们热爱的画家。他与这世界的关系是一种对峙的关系，通过绘画保持着他与所有东西的距离，高高在上，君临着一切。H·H·阿纳森著《现代艺术史》讲到早期的塞尚，说：“他在谋杀与抢劫的场面中，驱散了自己内心的冲突。”
他是典型的“纯粹的画家”，对于做他绘画的模特，他不恨她们，但是也不爱她们，他研究她们，重新创造她们。女性的性别特征对塞尚来说，意义似乎也仅仅在于这里。所以德·斯佩泽尔和福斯卡合著的《欧洲绘画史》中说：“由于塞尚是一个纯粹的画家，他只能发现绘画的问题，当他面对着一个模特儿时，虽然他在画肖像，但他不是一个肖像画家。他对表现他的模特儿的人的特点不感兴趣，而仅对表现体积有兴趣，就好像画水果或瓦罐一样。”所谓“纯粹的画家”，换句话说，也许意味着塞尚是美术史上第一个真正到位的画家。
这一特点同样表现在他给妻子画的肖像画《暖房里的赛尚夫人》里。据约翰·利伏尔德《塞尚传》说：“必须同意做最辛苦的模特儿的是妻子菲格，因为塞尚要求模特儿不能动。有时工作数小时，模特儿疲劳而感到厌烦，他完全不介意。……塞尚的工作进展是非常缓慢的，在画布上画一下模特儿的轮廓及一些阴影和色调的关系，模特儿必须一周时间每天不缺地来摆姿势。画静物的时候，必须用假花和玩具水果，因为在工作完成之前花凋零了，水果也腐烂了。画一幅肖像画要用数百次模特儿，那样的事决不算稀奇。”在那些画里，妻子总是漠然地看着塞尚，实际上塞尚也漠然地看着她，但是塞尚是胜利者。他把生命的东西变成永恒的东西。塞尚的画里没有任何浮华成分，他不需要女人表现出愉悦和兴奋。妻子的肖像有25幅之多，算来她一共在画布前坐了不少年吧！这可怜的女人，由着塞尚冷静而审慎地把她的头、颈部、手臂和下半身分别画成圆柱体、球体和锥体等，慢慢地也像一朵花似的凋零了。
只有塞尚才谈得上是前无古人，成就这样一位大师谈何容易。