20世纪初西方油画的特点，审美特征
19世纪中叶，资本主义社会迅猛发展迎来了资产阶级的工业革命，改变了人们的生活方式，人们的思维方式及生活习惯也随之而改变。随着人们对世界及对自然的认识，特别是对东方世界艺术的认识，欧洲的艺术家们得到了启发。他们纷纷从民间艺术、中世纪艺术、东方艺术、非洲艺术、中东艺术中汲取营养。打破旧有的传统模式是当时欧洲艺术家的普遍愿望，20世纪上半叶西方现代艺术在观念上发生着巨大的变化。19世纪照相术的发明，使再现的写实主义绘画被摄影取代，绘画必然另择其路，由再现走向表现，由写客观物质的形态走向表现画家自我内在精神为追求。魅力四射的东方艺术在线造型的平面写意中充满巨大表现力，更令渴望革新的艺术家们惊奇与清醒：模仿写实只是一种艺术观，不冲破这种传统，艺术的天地难以拓宽。于是后印象派画家率先冲破传统观念的束缚，强调主观精神表现，塞尚开始以主观概括对象，远离客观模仿；凡·高则以极富激情的色彩和笔触表现个人内心的强烈情感；高更却以象征性、神秘感表现自己思索中的可视形象，他们共同开创了西方现代美术的先河。
20世纪初，现代工业文明改变了人与人之间的关系，也改变了传统的生活方式，加快了生活节奏。现代科技的发展也改变了人与自然的关系，使得人类的眼睛从宏观世界延伸到微观世界，因此现代艺术家必然要创造和选择新的艺术语言去表现自己所认识的新世界。绘画“不再作为自然的奴仆”了，要“为艺术而艺术”。现代哲学直接影响了现代美术创造，叔本华的唯我主义的本体论思想、唯意志论观点导致认识上的直觉主义，这使艺术家的天才和灵感升华为艺术创造的根本。对欧洲以及其他地方的人们影响最为深远的当推弗洛伊德，他对人的精神领域作了全面的分析和揭示，强调人类本能需求的重要性，主张情感与感观，尤其是无意识的冲动，要远比主导人类行为的理性思考更为重要。这些理论都成为现代艺术创造的源泉。20世纪上半叶的西方美术被称为“现代主义”或“现代派”美术。它是指20世纪以来具有前卫和先锋特色，与传统美术分道扬镳的各种美术思潮和流派。
20世纪西方现代美术大致可分为两个阶段。第一阶段是20世纪初至1945年第二次世界大战结察春束；第二阶段是二战后一直到今天。第一阶段是现代主义占主流地位，兼有其他传统的、学院派的艺术，这一阶段的中心是法国的巴黎。巴黎几乎成为欧洲现代派美术的发源地，这里不仅诞生了野兽派、立体主义等现代艺术流派，也培养出众多具有先锋意识的现代派画家。《亚维农少女》作为传统美术与现代美术的分水岭。
第二次世界大战以后，现代艺术中心从巴黎转向美国的纽约。二战后的美国迅速崛起，成为一个商业化社会最发达的国家，在那里出现的新风潮比欧洲变异的速度更快、更频繁。第二阶段是第一阶段的延续和发展，出现了与现代主义既有联系又有区别的各种艺术思潮和流唯没迟派。
20世纪的西方美术不停地发生着变化，与先前的西方美术流派相比，存在着很大的差异，各种思潮风起云涌，各种流派此起彼伏，指李新的艺术局面不停地被更新的局面所取代，其纷繁与芜杂的流派变化，为世界美术史前所未有。
纵观整个西方美术发展的历程，即使是传统的写实主义美术，它从文艺复兴开始也就从未间断过发展与变化，如巴洛克、罗可可、学院派、古典主义、新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派、新印象派，直至19世纪末的后印象派，可说是新风格、新流派不断涌现。追求变革创新的艺术精神一直引领整个西方美术发展史。而20世纪初出现的流派纷呈的现代主义美术运动，其实就是西方美术发展的必然与延续，只不过是求变求新的艺术精神以“反传统”的姿态表现得更集中、更强烈、更明确而已。后印象派画家率先决裂传统，在绘画中注入画家主观解释的永恒的形体和坚实的结构，创造出突破时空制约的具有象征意义的绘画，并首先在绘画中运用明亮的色调和颤动奔放的线条传达炽烈的思想与情感。他们首开西方现代美术之先河，以其理论和实践引领着19世纪美术向20世纪美术的过渡。从此，众多的现代流派相继相继登上了西方美术历史的舞台。
结合艺术史
先声明，不是复制粘贴。
其次，360问答我对库恩的范式理论尚有保留，尤其是从艺术史的角度来看，我认为这个理论从长远看，领企钱谈万是有历史局限性的。当然，要解释清楚这个问题需要很多时间……
下面，谈谈你说的艺术形态的所谓内在转型。
一，西方的艺术形态:
(你的这种分法，不知道是从国内教材看来的，还是看了什么过时的国外教材。)
源流来看:
古埃及艺术是西方艺术的源头，追求永恒，艺术特征是庄重严肃刻板一成不变，这种样式妒露延续了几千年，知道埃座异王见交错及衰落。
埃及艺术影响了两河流域和古希腊爱琴文明，这两种文明的艺术形式都有着埃及艺术的影子，但是，以希腊为例，这个爱琴海沿岸的民族，有着自由奔放的海洋名族性格，将埃及艺术的刻板逐渐融化，这个过程可以清晰地从荷马-古风-古典-希腊化的渐进看出来。他们形成了一种写实的风格，但是也像埃及人一样，追求完美和永恒感，从他们的雕塑可以看出，多是年轻健美的体型，人体比例和面容都加以美化。但是他们打破了僵板的正面率，人物动态很丰富。罗马美术积成了希腊美术，但是他们开始更加追求现世的享乐和对君王的崇拜，艺术走得更写实一些，对人物性格刻画更鲜明了。
以上古希腊罗马艺术，才是欧洲人心目中的古典的真正含义，文艺复兴所膜拜的正是这个古典。
后来进入了漫长的中世纪，基督教教义反对偶像崇拜，把古典写实艺术埋进了坟墓，它们把艺术的功能定义成了与之前完全不同的东西，在他们的概念里，其实没有艺术，只有宗教的精神，如果了解他们则头向京父富有克伤的圣像文化就知道了。所以，现在的史论家根据现存的建筑及圣像画文物，简单地将这个时期的文化纳入了西方美术史，我觉得尚有不妥，而且现在西方一些理论家也正把目光集中到这个问题上来。
不过就算是中世变款跳院盟物从候反纪的圣像画，也还是有着古埃及艺术的渊源品李气，研究一下法尤姆肖像，会发现这种棺材板上发展出来的绘画技法，竟然成了西洋绘画的真正技法根源，(木板上贴纺织物，是点纺织物上做粉浆装白底子，在白底子上用媒介剂调和时清啊省染办阿零占交停色粉制成的颜料作画)
那么，可以看到古埃及美术的影响在不同时期不同地域叫元验发精节发展出了不同的风格样式，甚至一种是美术范河全完盟检单随封坚助挥畴的，一种是宗教附属范畴的，而且这两种子文化之间没有任何借鉴和对话，时间上也不平行。古典美术的思维模式是被中世纪彻底打断了，甚至连美术也被否定了，人们的审美需求仍旧存在，这种需求被宗教情感吞噬了，变成了一种宗教的追求，现在东正教徒仍旧崇拜圣像，在崇拜圣像的时候他们崇拜的不是美术，而是画中所传达的“圣容”，这很复杂，不多展开了。
15世纪文艺复兴的块下只育跳出现，和宗教内在的密假掉宽条巴高衰落是有直接关系的，宗教本身已经世俗化了起来，圣像也衰落了，于是人们的审美需求重新以美术的形式表现了出来，欧洲各国在15、16世纪都经历了文艺复兴，开始重新热爱造型，热爱健美的有生命的人的肌体。美术的社会功能开始有所回归，但是，尽管此时艺术家标榜自己追求古希腊罗马精神，但是其实内在方面，是有着很大差异的。
有趣的是，文艺复兴艺术，在造型和样式上，的确借鉴了希腊罗路底优亮很马传统的写实精神和唯美主义，但是在绘画技法的进读策印妈依初席纪则体系上，沿用的是中世纪圣像画的传统内群绝收兰。后来即便发展成了布面油画，技法的体系，仍然是和圣像一脉相承。
文艺复兴后，随着宗教花终往弦势夫考继续的衰落，世俗化继续抬头，17世纪又出现了巴洛克风格，追求运动感，享乐主义，反对庄严与永持粮若能恒，追求光和色彩，变动不居的线条等等，然而，从观察原理方面，他们是深化了文艺复兴的获便个接民科学观察方法，透视、解剖、光、空间。18世纪，神学已经彻底堕落了，法国有了洛可可艺术，更加的世俗，这时，美术的功能进一步变化，又渐渐沦为了感官刺激的工具。
学院派就是这个时候登台的，普桑等一些法国人，站在官方的高度，开始标榜自己是古典主义，意思是他的艺术，是标准规范的终极古典主义，而历史上，也正是从这个时候，才有了狭义的古典主义这个词。他的教条，是把艺术分解为公式化的东西，希望可以建立一套教学体系，可以永久不变地将他的至高无上的艺术样式推广开来。我想，在他的心目中，艺术的创造性是比较微不足道的东西，可以说，艺术的概念，从这时起，又被偷换了，从此开始，似乎艺术的功能主要就是科学而忠实地表现对象世界，再有就是科学忠实地展现既有的唯美主义构图法则。
这一个古典艺术，似乎更容易用范式理论来套用，但是，其实在于美术史上，它只是漫长黑夜里的一瞬间。
有了这个官方化的标准化的古典主义规范，才逐渐出现了各种想走异路的声音。
19世纪出现新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派这几个主要流派。四者虽然在理论主张上各自标榜，互相为敌，但是，如果从历史发展角度看，还是属于写实艺术的范畴，从造型手段上，还是各自探索更进一步的忠实于自然。(当然，印象派为追求色与光的真实，往往抛弃了形体的细节刻画，这在很多人眼里以为是反对写实的表现，其实不然，看看他们的色彩理论启迪下诞生的俄罗斯巡回画派就知道了，还是在写实路上的继续前进)，有一点可以肯定，真正古典主义的唯美精神，是被主动或被动地抛弃了，但是这种抛弃不是从19世纪开始的，而是从文艺复兴开始，到巴洛克到洛可可到学院派到近代绘画，逐渐地一点点地被摒弃的，这个过程，也不是一个可以量化的过程，因为各个时期对唯美精神的理解都不同，他们都是从各自的角度去边追捧边摒弃这种精神的。
又是这样，同一个公式，推出了四种不同的结果，那怎么办呢?其实谁说艺术是可以公式化的?这当然和西方哲学发展有关，哲学逐渐成熟，慢慢有了系统化的美学理论，便开始努力想将艺术也纳入这个逻辑化的体系，这是典型的西方实证主义科学的观念。
而现代艺术的诞生，也不是凭空出现的，与东西方的经济文化交流有个不可分的关系，现代绘画的三位开山鼻祖:塞尚，梵高，高更，都曾经醉心于当时时髦的日本画，他们也受印象派影响，但是也怀疑印象派对自然的忠诚，日本画的象征主义和装饰平面化手法，深深地触动了他们，他们开始感到，艺术的符号，应该是种种象征，应该是有着独立于自然存在的内在精神的。于是，艺术的功能又变了。艺术这种东西，在人内心的语义，也变了。之后，继承了他们的思路，又出现了现代主义若干流派，人本主义哲学、精神分析学说的流行，又不断冲击着人们的头脑，现代主义，是我行我素的，其中几十种流派，却没有什么内在的分工，他们不是一个整体的各个部分，而是许多独立的个体。究竟有没有现代主义?其实没有，是讲历史课没有办法，为了方便，创造了这个词而已。你可怎么用范式理论方便地解说?
战争，持续了很多年，把社会面貌改变了，把社会环境改变了，把人的心态也改变了，战后的人类，和战前的人类，已经诸多不同，所谓后现代艺术，是不能和现代艺术并置来讲述的。看一下现在的西方社会，现实艺术活动和博物馆里的艺术品，是根本完全没有对话的。有，也只是假装对话，看看法国艺术学院的教学就知道了。如果用古希腊艺术的眼光来看，艺术主要是一种唯美精神，是对人的美的赞颂，也是求真，那后现代艺术就显然根本不是艺术，但是如果用现代人的观念来看，艺术主要是人性的宣泄，是感情的流露，是对某种理念的传达，那古代很多风格的艺术就显然根本不能被定义为艺术。那么，如果艺术本体既不在这里也不在那里，它是不是其实只是存在于我们的语言里?难怪说现代哲学已经发展到语义学阶段了。
二:归根结蒂，西方艺术，这个概念，很难用线性的思维方式去解释，如果对美术史上的各个风格流派艺术品，用范式理论做元数据标引，那很可能做到1%就把这个范式理论抛弃了。当然，这么解释，是很简陋的，只能给你做个参考罢了。
