大都会博物馆有哪些比较有名的欧洲绘画？
1.提香—维纳斯与阿多尼斯
提香是文艺复兴时期威尼斯画派最伟大的画家。这个场景取材于奥维德的《变形记》，提香曾画过两个版本，一幅为西班牙的腓力二世而作，另一幅为罗马的法尔森缓内塞家族而作: 法尔内塞版现已失传。此图上，女神维纳斯徒劳地阻止她的人间恋人阿多尼斯去狩猎。图中嬉戏的享乐氛围隐藏着一个具有悲剧意味的讽刺: 阿多尼斯命中注定要在这次狩猎中被一头野猪杀死。提香晚期的一些最有力的作品常突出表现古典神话中情欲享乐与残酷氛围的鲜明对比。
2.胡安·德·帕雷哈
这幅非凡的肖像画描绘了委拉斯凯兹的摩尔人奴隶兼画室助手。在罗马画成的这幅作品于1650年3月在万神庙公开展出。委拉斯凯兹显然希望以自己的艺术技巧给他的意大利同仁留下深刻印象。果不出他所料，如同委拉斯凯兹的传记作者安东尼奥.帕洛米诺告诉我们的那样，这幅画“赢得无比一致的赞赏，以至于各国所有画家都认为，其他一切看起来都
像画，只有这幅画看起来像真理”。委拉斯凯兹不仅描绘出画中人的形体，也传达出他自豪的性格。这位奴隶后来也成了一位画家，并在1654年被委拉斯凯兹释放。
3.戈雅–曼努埃尔·奥索里奥·曼里克·德·祖尼家
这幅著名肖像画中的人物是阿尔塔米拉伯爵夫妇的儿子。他身着漂亮的红色衣服，正与他的宠物们玩耍，包括一只喜鹊(它的嘴里叼着戈雅的名片)、一笼子雀鸟和三只睁大眼睛的猫。在基督教艺术中，鸟类常用来象征灵魂; 在巴洛克艺术中，笼中鸟象征纯真。戈雅可能打算用这幅肖像画来表现童真世界与邪恶力量只有一线之隔，或者他打算借此评论纯真童年和青年时代转瞬即逝的本质。这幅画可能是在画中的孩子于1792年天折之后所画。
美国纽约的大都会艺术博物馆(Metropolitan Museum of Art)收藏有世界各地大量的艺术品，世界上很少有地方能容纳数量如此之多的经典艺术品。这些让人眼花缭乱的作品让人应接不暇、无法抗拒。下面，推荐几件必看作品。
1. 苏格拉底之死
苏格拉底是古雅典一位博大精深的演说家和教师，这使他深感忧虑。在柏拉图的著作中，苏格拉底被指控腐化年轻人，否认神。在放弃自己的想法和吞下铁锁受死两个选择中，苏格拉底在死亡中找到了极大的荣耀。
1787年，法国艺术家雅克·路易斯·大卫(Jacques Louis David)完成了这幅《苏格拉底之死》。这幅画是新古典主义的代表作之一，它展示了苏格拉底在愤怒和悲伤中的自律和正直。作品本身的艺术成就相当高，其透视和人物的服饰描绘都令人惊叹。
2.圣彼得的否定
《圣彼得的否认》意大利巴洛克画家卡拉瓦乔1610年夏天在那不勒斯完成的作品，取材于圣经，讲诉的是耶稣遭到被捕后，彼得否认认识耶稣的场景。作品中，三个人的手都指向彼得，这是彼得三次背叛耶稣的象征。
卡拉瓦乔在这幅作品中完成了无与伦比的色彩、光暗对比展示，人物表情刻画也富有戏剧性，十分传神。
3.缝纫的年轻的母亲
玛丽·卡萨特(Mary Cassatt)是美国本土印象派女画家。《缝纫的年轻母亲》(Young Mother Sewing)是她1900年完成的作品，一个趴在母亲膝盖上的小女孩正在与观者进行眼神交流。
卡萨特的作品通常展示一些温馨的家庭生活场景，尤其擅长表现母子亲情，让人过目不忘。
4.格特鲁德·斯泰因肖像画
格特鲁德·斯泰因是一位富有的美国作家，她花钱购买了大量当时前卫画家的作品，其中包括野兽派创始人之一的亨利·马蒂斯、印象派画家雷诺阿和立体主义创始人之一的毕加索。
毕加索在此局模1905至1906年间为格特鲁德·斯泰因画了这幅肖像画，这是对她慷慨赞助的感谢。这件作品看起来比毕加索的其他画作简单，这是对这位重要女性一生的美好见证。
5.彼得·勃鲁盖尔的《收获者》
荷兰画家彼得·勃鲁盖尔(Pieter Bruegel)一个永恒的乐趣就是他对日常生活的描绘。这幅完成于1565年的作品，让人们可以尽情观赏在金色田野里辛苦劳作一天结腊拆束时享受美味野餐的农民们的每一个细节。
6.《男孩的画像》
这幅作品来自罗马时期，大约是公元100年完成的。过了一千多年，我们仍然对这幅画作表达的非凡温柔感到惊奇。
7.《麦田与柏树》
这是文森特·梵高1889年完成的《麦田与柏树》。面对透彻的蓝天、金色的麦田、墨绿的柏树，人们能感受到生命的活力。人们也不禁自问，当梵高还是个无名小卒时，我会理解和购买梵高的作品吗?
8.《女人与鹦鹉》
这是法国现实主义画家古斯塔夫·库尔贝1866年完成的作品《女人与鹦鹉》。十九世纪的坏男孩库尔贝在法国艺术学院掀起了一场波澜，他的作品中有碎石机、葬礼和散乱的裸体画。观者会惊叹画面的细节：零散在床上的头发，被丢弃在地上的衣服，还有过分热情的鹦鹉……
美国的大都会博文馆的绘画作品数目庞大，从古罗马、古希腊到文艺复兴，再到法国古典主义、浪漫主义、现实主义，以及印象派、立体主义、超现实主义、抽象派……都有涉及。下面再贴几幅大都会博物馆的馆藏，希望大家喜欢。
盛唐时期“山水
苏轼评王维诗云“谓摩诘之诗张让重，诗中有画，画中有诗." 王维从360问答画家的角度，构图布局，形成了独特的艺术风格。
王维的诗歌描写山川美景，苦抒发融入自然的喜悦，读来清新自然：孟浩然的诗描写田园风光，表达对农家生活的倒迅放紧声设热爱，读来朴质感人。王孟是盛唐时期的田园山水诗的代表人物。其中王维的成金保效劳就最高，王维即使是人又是画家，他能将绘画的原理与技巧灵活的运用到诗歌创作中。大的诗充满了绘画的美感，苏轼称之为“诗中有画，画中有诗”。
奈莫洛夫曾经写道：“我总是喜欢闲散地观看绘画，闲散地赞赏音乐的神秘云。但我不是思想家，所以书籍对于打开我的眼睛是很必要的——比如贡布里奇、阿恩海姆。我也不会声称自己对感知的活语问题、或者思想与身体的问题做过多么深入的思考。我送给学生们的格白可言就是，思想家所思考的，我们却对之东张西望。”但是下面的文章表明，侵针械他对这样的主题有过大量的思考。事实上，调汉重单奈莫洛夫认为艺术家（画家或诗人）的意义就在于帮助我们“以思考先的方式去看。”
在诗歌与绘画之间存在着关联，也许“形象”和“语言”这两个词语将帮助我们把注意力集中在两者之间的联系上，也同样使我们注意到两者的区别。画家创造形象，诗人也创造形象；画家也有语言，尽管在某种程度上不如诗人的语言那么清晰明确；对于一片风景而言，调色板的作用就像一种消极类型的语法，从可能性的范围中排除了某些色彩；同样，它也误级是一种积极类型的语法，指明了从大地到河流、森林、天空的渐进可能性。
诗人和画家都想抵达笑块科用周析养语言背后的寂静，那种语言之内的寂静。画家和诗人都想要他们的作品不仅在阳光中闪耀，而且然首利二有督班封查计话（无论凭借何种魔术）也妈宽打察六任装因尼员在阳光内部闪耀；甚至也许从阳光内部闪耀要超过在阳光中闪耀，因为他们的许多作品始终都不是把在阳光中为人看根介满杆场运见作为目标的，它们的目标是在洞穴、坟墓、死者中发挥魔力，也许是对阳光的替代物。
诗人漫步在博物馆中，在他看见和听见的如存斤此众多、如此不同士停房定肥学务会六七具的观念和处理方式之中，尤其有这样两件事物：寂静与光里异棉初均客胡歌。把画框看成窗户，他向内看见里面的房间，向外看见了风景——即中国人所谓的“山水画”——他从寂静中知道他正在看见的是过去、死者、不可改变的事物；他还知道其他什么东西，即他看见的不仅仅是过去、死者、不可改变的事物，也是从一开始就有意成为如此的事物：也就是从一开始就已成为过去的东西。于是，在如此多不同的主题和手法中便充满了寂静；于是，博物馆的庄严中便挤满了孤独；而绘画的光荣就立于生与死之间的某种着魔的空间。
他还看见这些矩形中的光似乎来自内部。在一位无名大师的作品中，他看见阳光中一座小瀑布薄薄的面纱——真是令人震惊！他倾身仔细去观瞧，水流变成了白色颜料，混合了少许的灰色，在一片灰的背景上——这又让他大吃一惊，但和上次不太一样，那交叉的点，那精确的距离，在那距离之内，幻象变成了颜料，在那距离之外，颜料又变成了幻象。在弗拉曼克所画的河流中，河水薄薄的灰色表面承载着最薄的、颤抖着的灰色倒影，却是以最沉重、厚密、粗略的施色手段来完成的，其精湛技艺能够使颜料产生光的效果。又一次的震惊.
比较起来，他自己的诗歌艺术，开始显得像最为可怜的闲聊了，混合着不耐烦和各种意见。想到这里，诗人发现最好是赶快离开博物馆，那神奇的坟墓兼寺庙，在那里生者有权如此深入地观看已经不存在的东西，把他们自己的必死性作为一种庄严的寂静来体会；而这样的“深入观看”是在一个平面上完成的。
重新回到白昼的天光之下，他继续思考这件事情。首先是他同时代的几首诗歌，尤其是他所关注的，与绘画有关的几首诗歌。其中有奥登的《美术馆》，其沉思依赖于勃鲁盖尔的《伊卡洛斯的坠落》和《屠杀婴孩》。有约翰·贝里曼的《黄昏归来的狩猎者》，它也与勃鲁盖尔有关；有兰当·贾雷尔从丢勒的《骑士、死亡与魔鬼》汲取灵感的名诗；甚至还有他自己的一首诗歌，以勒内·玛格利特的《人类状况》为题。这些诗歌都与绘画有关系，但它们不是绘画。推测两者之间有怎样的关联应该是十分有趣的事情。
当然，诗歌不是谈论它们所涉及的绘画；不，因为诗歌提供的描述是相对稀少和有选择性的；没有任何派往博物馆的艺术学生胆敢带着这样的描述回来。不，诗歌谈论的是绘画的寂静；如果诗人足够幸运，他将直接说出绘画的寂静；诗歌所能说出的不过如此：它就是这样的，这就是它。诗歌在起作用的时候，也是被一种内在能量所照亮的浓缩形式；诗歌中的观点不重要，重要的是诗歌本身。这里，他同样观察到，所有在诗歌中发生的，也和绘画一样，是在一个平面上（纸页）发生的。
从另一方面，他放心地想到，曾经有这么多的绘画来自诗歌，涉及到诗歌，其本质和其主题一样富有诗意。例如，不仅有圣经的主题，而且有各种观念和风格使主题变形，把基督的受难诗化，在许多中世纪大师的作品中获得永恒的光辉，米开朗基罗超人的壮丽、格吕内瓦尔德的痛苦，勃鲁盖尔的普通白昼的光。
所以，画家和诗人都是形象的制造者，他们所创造的形象之间历来存在着关联。当我们说他们“制造”想象时，我们的企图不是把这种发明的组成成分加以区分。
画家和诗人都用语言写作。一开始，这似乎标志着一种关键的、难以沟通的差异，他们所用语言的差异。但是这需要做进一步的思索。
画家的语言当然拥有最古老的书写语言的光荣。矿物、植物、体液，甚至血液，在几千年前就已全部放弃了它们的本质，让位给知觉符号的再现，这些知觉符号建筑在恐惧、欲望、愤怒、梦想之上，还有一种装饰性的几何距离，以及某种冷酷。然而，书写的出现要晚得多。按照字母表的完全不依赖于绘画元素的书写的起源，通常认为不早于公元前第二个千禧年的中期。
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也许字母表中的一切都可以在自然中看见：O是洞穴，W或M是远处的飞鸟，Y是树枝，如此等等。但那是不相关的。真正重要的是，任何字母都不能存在，只要这些符号被看成仅仅属于自然；它们必须摆脱自然，以便你可以写下C而不想到海岸线的弯曲，写下S而不想到蛇，写下任何字母而不想到别的，除了把它当作字母本身——某种以前从未见过的东西，表面上“无意义”，在其巨大的组合范围内却能够“有意义”的东西。想想社会的保守势力对1913年的“军械库展”的反应，你就可以想像人们可能存在的对字母表的发明的巨大憎恨：“它和我见过任何东西都不像，”“一个孩子也能做那样的事情，如果他认为值得，”如此等等。
谈到绘画，与抽象时代格格不入的贡布里奇曾经写到再现艺术的神奇，他认为绘画也许是从自然的巧合中产生的——和字母一样，但是方向恰好相反。他推测，最早的洞穴绘画可能就是一种特殊形式的岩石，岩石本身首先被辨认为与一个动物相似，然后凭借艺术手段予以加工，增加这种相似性的程度；最早的画像雕塑也把人的颅骨作为支架。
绘画的发展演变可以理解为三个主要向度。首先是更为精确地再现这一方向，其终结是蜡像的独特魔术，它马上就清楚地把自己同艺术的魔术分开了。第二种向度是装饰、韵律、形式、形状的方向，一种抽象性。第三种是语言的方向，字母和符号，终极是书写的魔术。这个过程可以在中国书法中感受得到；而在埃及，尽管书写和绘画明显是互相区别的，但是书写仍一直是具象绘画的一种，尽管特殊语言和非再现符号的引入使之变得抽象和有条件了。
值得记住的是库马拉斯瓦米在《基督教与东方艺术哲学》中所阐述的观点，他说在宗教艺术传统中，中世纪的基督徒和印度教徒一样，把绘画当作一种语言艺术；圣像画中人物受僧侣的编码语言的支配程度和对可见世界的观察是一样的；这回答了这样一个问题——在一个没有照相术的世界中，神和拯救者的形象是怎样这么快就变得固定不变的。
因而，在书写和绘画这两种语言中，大地的形式和本质上升起来，并获得了一种心理和精神的品质，在这两者存在之前的人看来，具有一种惊人的与世界脱离的力量。
也许这种比较必须结束了。因为写作和绘画“确实”是彼此脱离的。它们会合为一体吗？它们应该合为一体吗？如果它们相异却巨大的力量熔铸成与两者均不相像的东西——那会是什么呢？
我们已经有了这样的一个例子：地图、图表、表格、蓝图的绘制……在那里，绘画最为擅长的有形之物的再现，是以严格的抽象的书写语法来并行实现的，能够不改变它本身的性质来传达无穷无尽的信息，这是对书写语言的卓越贡献。这种书写与绘画的混合还有别的方式呈现于世吗？
在这样的问题上，我愿意做一次相当狂野的跳跃，并希望保持向前的方向。书写和绘画能够相遇，尽管我不知道这种相遇会产生什么。也许其产物是全然无形的。这里我从音乐或者有关音乐的思想中得到一个模糊的暗示。普鲁斯特触及过这种思想，但几乎是马上又放走了它：
“正如某些生物是自然所抛弃的生命形式的最后幸存的证明一样，我问自己，如果没有语言的发明，没有词语，没有对思想的分析——音乐是不是可能存在的精神之间交流手段的惟一例证。它就像一个在虚无中终结的可能。”
另一位作家弗朗索瓦·勒·利昂奈斯在《时间的东方之书》中，也激发了这种思考，但也同样没有例证，当他说某些音乐——他的例子是伊利莎白时代的维金纳琴师、巴赫、舒曼、韦伯——“不仅仅由能够愉悦耳朵的起伏的声音模式组成，而且也由还未编码的心理的象形文字组成。”
对我所提及的这个最为模糊的暗示，至少在现在，我无法继续探讨下去了，尽管我的一些读者也许能进一步去开掘。因为这个“象形文字”和“编码”有其自身的魅力，因为艺术在它们的流行通俗一面之外，始终与神秘有着深刻的关联，这是只有内行才懂的，这秘密本身就是神圣的
