儿童画画：水彩画语言在水彩教学中的发展概述
水彩画语言在水彩教学中的发展概述
[摘要]水彩画在人们的印象中是透明、清新、流畅、水色淋漓的感觉。这也是水彩画的特性，恰恰也是它的个性，创造性所在。水彩画通过不同的形式手段。丰富的艺术语言反映当代人的思想，反映社会现实，更加贴切时代生活。
[关键词]绘画语言水彩本体语言材料技法教学
中图分类号：G42文献标识码：A文章编号：1671－7597(2009)0210137－01
一、水彩画教学的发展概况
水彩画的出现，最早在西方的英国，19世纪到20世纪在英国开始成熟并达到高峰。出现了一大批有特色有影响的水彩画家。如威廉·透纳、康斯太布尔、弗林特、萨金特、佐恩、安德鲁·怀特，在这些画家的不懈努力下，水彩画在西方绘画中不断成熟，发展，壮大。
水彩画传入中国已有百余年的历史。中国第一代水彩画家如李铁夫、关广志、李剑晨、潘思同、王肇民等对中国水彩事业的发展做出了重要的贡献．开始形成了中国水彩画的独特风格，为中国水彩画的发展做出了示范作用。20世纪40到50年代，出现了第二代水彩画家，以古元、吴冠中、邵宇等为代表。他们深入群众，深入生活，坚持到工厂、工地写生，他们的作品反映当时的社会生活，但当时的中国水彩还没有摆脱“小品画”的地位，在中国水彩画的地位还不高。进入到20世纪70年代，产生了中国第三代水彩画家，他们大衫缺山多是美术学院毕业，都经过正规的美术基础训练，不仅具有良好的美术基础，还有丰富的人生经历和生活经验的积累。他们热爱水彩画，开始向水彩画更为广泛的范围和表现深度迸发，开始改变水彩画在中国美术界“小品画“的地位，为使水彩画作为独立的画种做出了自己的贡献。经过改革开放，时至20世纪末，21世纪的今天，经过第四代第五代水彩画家的努力，水彩画已形成了空前的繁荣局面，全国性的各项大展促进了水彩画的向前发展，使水彩画在人们的心中不再是“小品画”，已成为继油画、国画后的第三的画种，呈现出一片欣欣向荣的局面。一大批水彩画家，特别是中青年画家，正朝着民族风格和艺术语言的多样化的方向继续前进发展。但在看到成绩的同时，还出现了不同程度的缺点和误区，对水彩语言认识的不清，对水彩画认识特点的不够。水彩画有水彩画的特点，有其基本的绘画方法，水与彩的巧妙结合以及水彩的特有魅力才是画家应该追求的目标。这就要求在严格的基本功训练中获得提高，然后在实践中运用并达到运用自如的地步。所以水彩语言的探索是长期的发现运用失败成功的艰辛的过程，要不断地总结经验，形成自己独特的艺术语言和表现手段。中国水彩画发展到今天，技术手段，形式手段都日渐丰富，水彩画作为独立的画种应该有他独特的表现语言，这也是他存在和向前发展的根本保证。在保证水彩画独特的艺术语言的基础上，增加其他画种的艺术语言，为水彩画所用，使水彩画的表现形式多样化，并向前发展。
二、水彩语言在教学中的发展样式及特点
翻阅中西水彩画的资料，西方水彩画没有太多的“水色淋漓”的样式，给人更多的印象是深入刻画的能力之强，并不亚于西方的油画。中国的水彩画也是十分精细刻画的作品，但整体上给人的印象是它的诗意和意境。西方水彩画最初是作为油画和版画底稿出现的，后来在素描的基本功上加以淡彩，逐渐形成西方现在的水彩画。它追求的是西方油画的效果，追求的是写实的效果。西方水彩画发展到成熟阶段，它的效果和油画已没有太大的区别。中国水彩画是由西方传入的，整体上是西方绘画的扮知特征，但是在它论文联盟
传入中国的同时，它的面貌也有所改变。中国水彩画在某些地方继承了中国或中国画的某些特征和意境。这使中国水彩具有了它的异国特征和民族性。中国水彩画的表现形式是多样的，有偏重西方的多重写实特征的，在这一领域的代表画家陶世虎先生，代表作品《秋韵》。也有在西画中带有水墨意味的，在这一领域的代表画家侯安智先生，代表作品《人体》。还有偏重水墨画和装饰画，在这一领域的代表画家王涌先生，代表作品《追忆中的蓝色》。线条结合色彩表现的特征，还存在用特殊技法表现“肌理”效果的作品。在这一领域的代表画家赵云龙先生，代表作品《初春的阳光》。
由此可知水彩语言是绘画语言之一，绘画语言是画家通过绘画的训练和实践而产生出来的各种表现方法和绘画技巧，是画家进行塑造形象的手段，它以线条、明暗、色彩、笔触、肌理、层次、空间、虚实及节奏等绘画所有的基本元素来表现作品中的意境从而在各种形式的组合与变化中为画家的绘画进行服务。
水彩画在人们的印象中是透明、清新、流畅、水色淋漓的感觉。这也是水彩画的特性，恰恰也是它的个性，创造性所在。水彩画通过不同的形式手段，丰富的艺术语言反映了当代人的思想，反映了社会现实，更加贴切了时代生活。
水彩画的语言是借助“水”和“色”的相互作用，通过时间、水分、色彩的变化使画面产生了具有非常活跃的特性而获得的诗一般的情境。水彩画因发挥了独特的艺术语言而产生了特殊的艺术效果。它以透明、流畅、水色交融以及水和水之间的碰撞，色和色的叠加见长，这一特点是水彩画区别于其它画种的重要标志。水分、时间、色彩是水彩画的三要素。水分是水彩画的灵魂，水彩画艺术是水的艺术，水可以调色、调节明度和纯度以及饱和度，用水的多少影响干湿的变化，作画的步骤。时间在水彩画的作画过程中的作用是绝对的，起决定性作用。在什么时间画，在什么时间叠加，什么时间衔接，什么时间用什么样的技法，产生的效果都是不一样的。色彩，水彩的用色特点是透明，流畅、渗化、淋漓、润泽，但这都要与水分时间相结合，才能出现必要的水彩效果和艺术语言。
总之，在教学实践中对水彩语言的研究，表现风格的探索，都是对水彩画这门艺术进行透析，深刻挖掘，然后再现创新这门艺术语言。艺术形式与艺术风格是基于画家的艺术修养和文化功底，以及自身的亲身经历。作为水彩画家没有必要和油画去争夺其写实的工夫，也没有必要去追求中国画中线条之韵律和水墨意境。水彩画有水彩艺术的优势和特点，水彩画的奥妙在于水的流动性，它能将画家的智慧与审美情趣溶于水与色的意境之中。运用技法和材料，利用不同的肌理表达不同的意境，来极大的丰富水彩艺术的表现力和水彩的艺术语言。因此，水彩语言的教学实验是不断总结和前进的过程。我们在教学中不断发掘探索新的艺术语言使水彩画不断向前发展。真正的水彩语言艺术是水的艺术，是流动的艺术，要在流动的音符般的韵律中将水彩艺术推到一个崭新的境界。
什么事画家
画家是专门从事绘画创作与研究的绘英画艺术工作者。包括油360问答画、国画、水粉画、油彩画、壁画以及民间绘画等画种创作者．例如：我国古代代的吴道子、宋徽宗、赵孟頫、唐寅、八大山人；近现代吴昌硕、齐白石、潘天寿、张大千、林风眠、徐悲鸿、黄宾虹、李可染；当代吴冠中、范曾、田黎明、朱新建、徐乐握础校保非往双系眼官乐、边平山、康文、胡应康、李孝萱、方向、汪为新。西方如：达-芬奇、梵高、雷诺阿、达利、毕加索等等。
编辑本段画家分类：
以国别分类，如国画家、西洋画家。 赵新建《荷塘忆事》
[1] 以作画材料分类，如水墨流永知航煤抓重九洲画家、油画家、素描画家。 以题材分类，如山水画家、花鸟画家、风景画家、肖像画家。 以画家派别分类，如古典派画家、印象派画家、抽象派画家。
编辑本段西方画家
举政也时期分布及代表人物
公元前：西方艺术的童年 原始艺术 古埃及艺术 古希腊艺术 古罗马艺术 械置延宁战许识怎血军受基督教深刻影响的中世纪艺术 14-16世纪文艺复兴时期 佛罗伦何百师案现德萨画派： 乔托 波提切利 达·芬奇 米开朗基罗 拉斐尔 威尼斯画派： 提香 乔尔乔内 丁托雷托 17-18世纪的古典主菜升继乡迫块察沉义 巴洛克艺术： 鲁本斯 卡拉瓦乔 委拉斯贵兹 洛可可艺术：华铎、 布雪、法兰哥那 样式主义： 十九世纪的欧洲艺术 新古典主义 威廉·布格罗、大卫、安格尔 欧洲浪漫主义美术 席里柯、欧仁·德拉克洛瓦 法国现实主义美术 科罗、米勒 、库尔贝、杜米埃 19冷负西丝直装息晚岁德世纪俄罗斯绘画： 沃罗比约夫、萨符拉索夫、希施金、库因芝、列维坦 1学侵行右超进苗抗9世纪英国绘画： 透纳、际异朝叫划阿数须斯剂乎康斯太勃尔 印象主义和后印象主义绘画艺术 印象主义 布丹、毕沙罗、马奈、德没力规血他跟整盐加、西斯莱、莫柰、雷诺阿、 莫里索、巴齐耶、卡耶长夜呀陆刻艺每超博特、惠斯勒、卡萨特、 罗宾逊、 路易斯·里特、萨金特、哈萨姆、弗里再进过造各经参敌萨克、里特曼、 赞多希曼、 博尔迪尼、利贝曼、 科林特、马萨尔、 巴斯蒂达、亨利.博、马克尼可尔、克拉普、 克多耶、 克劳斯、容金德、麦卡宾、 联派斯特里顿、 格鲁纳 新印象主义 克罗斯、吕斯、修拉、些西涅克 后印象主义 塞尚、高更、凡·高、劳特累克 十九世纪末的现代艺术趋势 象征主义 夏凡纳、莫罗、勃克林、雷东、霍德勒、 斯泰因勒、施瓦布 纳比派 塞吕西耶、瓦洛通、博纳尔、维亚尔、德尼 维也纳分离派 克里姆特、科柯施卡、席勒、 二十世纪上半叶的西方现代艺术 野兽主义 马蒂斯、鲁奥、芒更、马尔凯、弗拉芒克、 凡.东根、弗里茨、德朗、杜菲 立体主义 莱热、毕加索、布拉克、佛雷内、 格里斯、罗伯特·德洛奈 巴黎派 基斯林、苏丁、莫负粉执初迪利亚尼、夏加尔 表现主义 蒙克、苏珊娜.瓦拉东、郁特里罗、 奥古斯特·马克、黑克尔、诺尔德、凯尔希纳 、 佩希施泰因、贝克曼、莫兰略九油无素背材迪、格罗兹、 古图索、培根 抽象主义 康定斯基、克利、库普卡、马列维奇 达达主义 杜桑、恩斯特 超现实主义 米罗、马松、卢梭、德尔沃、马格里特、 唐吉、达利、基里科、迪克斯、巴尔蒂斯 新造型主义 蒙德里安 未来主义 卡拉、巴拉 二十世纪下半叶的西方现代艺术 抽象表现主义 霍夫曼、德库宁、阿伯斯、马瑟韦尔 克兰、蒂尔本库伦 行动派绘画 波洛克 光效应艺术 赖利、瓦萨里 波普艺术 利希滕施泰因、劳申贝格、沃霍尔 新写实主义 弗洛伊德、珀尔斯坦、霍珀、本顿、伍德、 怀斯、贝洛斯 超级现实主义 克洛斯
梵高
介绍 荷兰人，后期印象画派代表人物 梵高摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记自己 梵高画像
的理性。在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。 梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。 梵高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而日复一日地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。 梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。 梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。而这一鲜明特征在后来成了印象派区别于其他画派而独立存在的根本。 梵高是一位具有真正使命感的艺术家，梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”. 梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。 在他完成了他举世瞩目的七幅向日葵后，他选择了自杀。 梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震撼人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。 梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。即为了主观意识而对物体进行再塑造。 尽管高更和梵高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但要设想他们的个人特点有多在不同则是很难的。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而梵高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。在他有了一段生活经历之后，这种爱使他成为一个美术商人，并产生了进行理论研究的愿望，进而成为比利时煤矿区的一名传教士。1880年他开始学画，后来他在布鲁塞尔、海牙和安特卫普进修。于1886年来到巴黎，他在这里见到了劳特累克、修拉、西涅克和高更以及原先的印象主义小组的成员。 梵高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非梵的个性。这从来都是如此的。而这种色调与向日葵永远朝向太阳的精神又如此吻合。“无论多高多大，永远不会忘记自己的来处”.这就是向日葵的精神。 作品 1.《夜晚的咖啡馆》 梵高的激情，来自他所生活在其中的那个世界，来自他所认识的人们所做的按捺不住的强烈反应。这绝不是一个原始人或小孩子所做的那种简单的反应。他写信给弟弟提奥的信，是一个艺术家写出来的最动人的故事。信中表明了他高度敏感的知觉力，这种知觉力完全符合他他那感情的反应。他敏锐地意识到，自己正在获得效果，这种效果是通过黄色或蓝色来取得的。虽然他的大部分色彩观念用来表达对于人物和自然的爱，及其表现过程中的愉快，但他对较深的色彩十分敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时说：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的黄色地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索，但是没有一种探索，能有如此震撼人心的力量。 2.《星夜》 梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。 梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。 3.《乌鸦群飞的麦田》 在这幅画上仍然有着人们熟悉的他那特有的金黄色，但它却充满不安和阴郁感，乌云密布的沉沉蓝天，死死压住金黄色的麦田，沉重得叫人透不过气来，空气似乎也凝固了，一群凌乱低飞的乌鸦、波动起伏的地平线和狂暴跳动的激荡笔触更增加了压迫感、反抗感和不安感。画面极度骚动，绿色的小路在黄色麦田中深入远方，这更增添了不安和激奋情绪，这种画面处处流露出紧张和不详的预兆，好像是一幅色彩和线条组成的无言绝命书。就在第二天，他又来到这块麦田对着自己的心开了一枪。
编辑本段中国画家
黄派
又称“黄筌画派”、“黄家富贵”。在中国花鸟画史上占有重要地位。它是五代花鸟画两大流派之一，成熟于五代西蜀的黄筌，光大于宋初的黄居寀。黄筌才高技巧，善于取熔前人轻勾浓色的技法，独标高 格，是深得统治阶层喜爱的御用画家。其子居寀、居宝承其家风，成为两宋时占统治地位的花鸟派别。黄派代表了晚唐、五代、宋初时西蜀和中原的画风，成为院体花鸟画的典型风格。
徐派
又称“徐家野逸”，简称“徐派”。中国著名的画派之一，也是五代花鸟画两大流派之一。代表画家为南唐的徐熙。他的作品注重墨骨勾勒，淡施色彩，流露潇洒的风格，故后人以徐熙野逸称之。徐氏的笔墨技巧，对于后世影响很大，至徐熙之孙徐崇嗣出，徐熙画派名声渐振。后经张仲、王若水，到明代沈周、陈道复、文征明、徐渭等人加以发展，成定型的水墨写意花鸟画，从而与黄筌的花鸟画派，两者互相竞争，影响了宋、元、明、清千余年的花鸟画坛。
北方山水画派
中国画流派之一,亦称“北宗山水画派”。 中国山水画至北宋初,始分北方派系和江南派系。郭若虚《图画见闻志》说:“唯营丘李成，长安关仝、华原范宽，智妙入神，才高出类，三家鼎峙，百代标程。”又说 ：“夫气象萧疏，烟林清旷，毫锋颖脱，墨法精微者，营丘之制也；石体坚凝，杂木丰茂，台阁古雅，人物幽闲者，关氏之风也”,李、关、范的画风，风靡齐、鲁，影响关、陕，实为北方山水画派之宗师。
南方山水画派
南方山水画派亦称“江南山水画派”或“南宗山水画派”。中国画流派之一,北宋沈括《梦溪笔谈》说：“董源工秋岚远景,多写江南真山，不为奇峭之气；建业僧巨然祖述董法，皆臻妙理。”米芾《画史》也 说 ：“董源平淡天真多，唐无此品。”此派以董源和巨然为一代宗师，世称 ：“董巨”。惠崇和赵令穰的小景，为此派支流。米芾父子的“米派云山”，画京口一带景色，显出此派新貌 。南宋末法常（牧溪）和若芬（玉涧）等，属南画体系，至元代而大盛。
湖州竹派
中国画流派之一。此派以竹为表现对象，以宋文同、苏试为代表，尤以文同画竹最著称。明莲儒曾作《湖州竹派》，述自北宋至明代画家共有25人之多。因文同曾于湖州（今浙江吴兴）任太守，故称。元代张退之认为墨竹始于唐玄宗李隆基，吴道子、王维、李昂、萧悦等也善画竹。白居易曾作《画竹歇》赞萧。而至文同竹艺大进，文氏毕生画竹。
吴门画派
简称“吴门派”。中国画流派之一。明代沈周与学生文徵明,画山水崇尚北宋和元代,与取法南宋的浙派风格不同，盛行于明代中期，从学者甚众，著名的有文伯仁、文嘉、陈道复、陆治等，他们均为苏州府人，苏州别名“吴门”，因称。在当时画坛占有重要地位。 自元朝以后，江南苏州一带，成为文人荟萃之地。许多著名画家云集苏州，史料记载，当时苏州有150余人，占明代画家总数的五分之一。他们形成一个强大的画派。苏州史称“吴门”，作为有共同地区特征的画家群形成了吴门画派。吴门画派的领袖沈周同他的学生文征明、唐寅，再加上仇英，合称“吴门四家”。 沈周(1427—1509)，字启南，号石田，湖南长沙人。他出身出书香门第，家境优裕。他为人宽厚，长于诗文而富于学养。四十岁前多画小幅，画面充满、细密，以后喜画大幅，长林巨壑，一气呵成，如《泸州趣园》，《庐山高图》，他还长于花鸟，是继林良之后向写意花鸟的过渡，如《枯木鹳鹆图》 。他融汇宋元传统，形成雄伟清新、粗放雅逸的风格。 文征明(1470—1559)，原名璧，征明为其字，长沙人。他是沈周的弟子，传统功力深厚，笔墨精到。他一生过着舒适的士大夫生活，创作视野较窄。他的作品有两类：一类是苍郁茂盛，氤氲淋漓的小墨山水，风格粗放，如《山雨图》、《古木寒泉图》等；另一类是秀丽工整，典雅细密的青绿山水，章法严谨、疏密有致，颇具书卷气，如《万壑争流图》、《兵赏斋图》等。他活到九十多岁，老年时，求画的每天车马盈门。有不少人靠造他的假画为生。 唐寅(1470—1523)，字子畏、伯虎，号六如居士，吴县人。唐寅也是沈周的学生。他多才多艺，疏狂放任，一生坎坷多舛，晚年生活潦倒，五十多岁就去世了。他游历过许多名山大川，师承南宋画风，但不墨守陈规，山水、花鸟、人物皆精，工笔写意俱佳。他画的民俗题材作品有一定生活气息。他的作品笔墨灵逸，畅快淋漓，劲健繁茂、沉郁秀雅，既延续了传统，又开创了新意。他留下的作品较多，如《山路松声》、《抱琴归去》、《孟蜀宫妓图》、《桐阴清梦图》等。 仇英(约1493—1560)，字实父，号十洲，江苏太仓人。他的山水画以青绿山水见长，笔墨细润，风骨劲峭，色彩浓丽，如《剑阁图》。他的工笔人物造型准确，形神兼备，色彩明艳绚烂，并且，还工于界画。他比较熟悉民间生活，吸收了灯画、扇画、版画等民间美术中的营养。同时，他还是一个临摹古画的能手。 明代隆庆、万历及崇祯(1567—1644)时期，是吴门画派最盛的时期。吴门画派虽然因受生活范围的限制，题材面狭窄，立意比较单调，作品的重复性较大，但是，他们重视继承前人的笔墨传统，关注作品中的气韵神采，把对风格的追求作为艺术的重要目的。而且，由于他们具有深厚的文化修养，有各自的美学追求，从而也具有一定的创造性。他们的笔墨技巧和表现手法，以及对意境的创造，对后世有很大影响
