充满活力的巴洛克艺术

——在英国牛津大学阿什莫林博物馆的探索与发现之九

因为对巴洛克时期的音乐有着浓厚的兴趣,特别喜爱聆听巴洛克时期的音乐家巴赫,所以爱屋及乌,在浏览阿什莫林的艺术画廊时也特别关注了巴洛克时期的绘画,在第二层楼46号展厅专门展示了这一时期的绘画艺术。

简单介绍一下——

法国巴洛克艺术照

巴洛克Baroque原意指形状不规则的珍珠,是一种艺术形式,由于这种艺术风格的盛行,后人称之为巴洛克时期。这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐。巴洛克时期是西方艺术史上的一个时代,大致为十七世纪。其最早的表现在意大利为十六世纪后期,十八世纪到达鼎盛。

巴洛克音乐的一些特点是:节奏强烈、跳跃,采用多旋律、复音音乐的复调法,比较强调曲子的起伏,所以很看重力度的变化,速度从始至终保持不变。

巴洛克时期的代表人物有:巴赫、维瓦尔第和亨德尔。巴赫是音乐之父,由此可见他的威望之高;维瓦尔第凭着他的《四季》一举成名天下知;亨德尔是旋律大师,他的作品有一种优雅;他们所留下来的东西是巴洛克时期的一大笔财富。

巴洛克艺术是欧洲十七世纪的一种艺术风格,运用夸张的运动性和清晰可辨的细节在雕塑、绘画、建筑、文学、舞蹈和音乐等领域来营造戏剧、紧张、繁琐、恢宏的效果。这种风格于1600年左右起源于意大利的罗马,随后便散布到欧洲的大部分地区。 巴洛克风格的流行与成功与罗马天主教会的鼓励有关。

绘画艺术的代表人物有:卡拉瓦乔、吉安·洛伦佐·贝尼尼、伦勃朗、彼得·保罗·鲁本斯、委拉斯开兹、扬·弗美尔,等等。

阿什莫林博物馆第二层楼46号展厅,巴洛克艺术,1600-1700。

巴洛克艺术充满了强烈的活力。

这种创新风格是在1600年左右的意大利发展起来的。安斯特Anists在绘画和雕塑中探索现实主义和表达模式。一些人倾向于一种基于对古董的研究的理想化的艺术类型。

罗马以其古典遗产吸引着艺术家和收藏家。意大利和北欧的艺术家,包括皮埃特罗·达·科尔托纳、尼古拉斯·普桑和克劳德·洛兰,都移居到这里。富有的赞助人竞相收藏精美的艺术品。

罗马是天主教会委任的主要中心。教会提倡一种新的虔诚,这种虔诚需要一种更直接、更有感情的艺术。

该画廊以w·f·r·韦尔登夫人的名字命名,她是一位长期的赞助人,在1936年将她的艺术收藏品遗赠给阿什莫尔人。

马蒂亚斯·斯通(/1600- 1652年后)《吹热,吹冷,大约1640年》~

从私人收藏者租借,2018。

《吹热,吹冷》讲述了伊索寓言《森林之神和旅行者》中的一个故事。在这个故事中,一个农人向森林之神赛特吹气,使他冰冷的手指变暖。当森林之神看到农夫用同样的方法冷却一碗热汤时,他更加惊讶了。这嫌键个主题在荷兰艺术中特别受欢迎,因为它巧妙地结合了古典神话和日常生活的元素。出生在荷兰的艺术家斯通搬到了握册意大利,在那里他以卡拉瓦乔的风格工作,喜欢戏剧性的灯光效果。在这里,夜间用餐的场景被一根蜡烛照亮。

乔治·彼得(Georg Petel,1601 / 2-1634年)象牙雕塑《维纳斯和丘比特》~

1932年购买。

佩特尔是一位象牙雕刻专家,他的工作受到高度赞扬。他曾在慕尼黑、荷兰南部、热那亚和奥格斯堡工作。这个小雕像是对梵蒂冈芹皮巧克尼多斯的古代阿芙罗狄蒂雕像的自由改编。彼得·保罗·鲁本斯收集了他的作品,彼得·保罗·鲁本斯是他的好朋友。他在1624年拜访画家时雕刻了这座雕像。

这可能是1635年白金汉第一公爵乔治·维利尔收藏的《维纳斯与丘比特》。

彼得·保罗·鲁本斯爵士(1577-1640)《日耳曼的荣耀》,布面油画~

被英国政府接受,属于克里斯托弗·诺里斯(Christopher Norris)遗产的部分遗产税。

鲁本斯的灵感来自于一个雕刻精美的古罗马浮雕。这是他的朋友尼科拉-克劳德·法布里·德·佩雷斯克于1620年在巴黎发现的。

这幅浮雕是一幅讽刺画,描绘了日耳曼人向他的父母、提比略皇帝和他的母亲利维娅以及其他过去和现在的家庭成员告别的情景。在这幅大幅放大的作品中,鲁本斯给冰冷的石头增添了生命和温暖。他还修复了两个丢失的头颅。1626年,他把这幅画作为送给佩雷斯克的礼物。

弗朗切斯科·布内里(Francesco Buoneri),名叫塞科·德尔·卡拉瓦乔(Cecco del Caravaggio,记载在1610年至1621年之间)《室内装饰着一幅静物画,一个年轻人拿着乐器》,布面油画~

1936年购买。

那人带着挑战的神情望着外面。他坐在厨房里,手拿陶笛,桌上有各种水果、面包和陶器。其他元素,如他的服装,小提琴,或昂贵的玻璃器皿表明,这不仅仅是一个日常场景。

塞科是卡拉瓦乔的一个亲密追随者,我们所知的他的画作寥寥无几。他喜欢灯光强烈、主题神秘的作品。虽然塞科的画中包含了现实主义元素,但他的画非常戏剧化。桌子不同寻常的角度是他个人风格的典型代表。

安东尼·范·戴克(1599-1641)《证词》,约1619年,布面油画~

由查尔斯·t·莫德(Charles T. Maude)于1869年提供。

死去的基督,血从他的伤口流出来,被从十字架上取下,圣母玛利亚、抹大拉的马利亚和传福音的约翰都为他哀悼。基督的献祭是指弥撒的圣餐或圣礼。由于它强调身体上的痛苦,这尊祭坛上的圣物可以作为一种悔改的召唤。

范·戴克大概是在1619年左右完成这幅画的,那时他还没有离开安特卫普去英国。其原址不详。深思熟虑的情感诉求是十七世纪宗教艺术的典型特征。

克劳德·洛兰(Claude Lorrain)(1604 / 05-1682)《阿斯卡纽斯射杀西尔维娅的雄鹿的情景》,布面油画~

1926年由w·f·r·韦尔登夫人赠送。

特洛伊首领埃涅阿斯的儿子阿斯卡涅斯正在罗马乡间打猎。可悲的是,他的行为将导致特洛伊人和拉丁人之间的战争。

银色调的风景和谐而宁静。聚集的云朵和微风在高大的树木间荡漾,唤起了即将来临的暴力。

这一富有诗意的场景来自维吉尔的《埃涅伊德》。克劳德在他生命的最后一年在罗马为洛伦佐·奥诺弗里奥·科隆纳王子画了这幅画。它原本是作为另一幅风景画《狄多和埃涅阿斯》(Dido and Aeneas before Carthage)的配套作品,这幅画是克劳德(Claude)在1675年至1676年创作的。

阿德里亚恩·德弗里斯(约1556-1626)《墨丘利和丘比特,约1626年》,青铜雕塑~

从私人收藏租借,2017年。

荷兰人阿德里安·德·弗里斯是他那一代人中最有才华的巴洛克雕刻家。在意大利与Giambologna一起工作后,他被任命为布拉格神圣罗马皇帝鲁道夫二世的宫廷雕刻家。这座充满活力的雕像是在这位雕刻家生命即将结束时,在皇家铸造厂铸造的。虽然灵感来自于吉安博洛尼亚闻名世界的水星,但它是德弗里斯后期风格的一个罕见的例子。墨丘利和丘比特是用柔软的蜡塑造的,有着近乎怪异的外形,同时保持着完美的解剖学比例。

尼古拉斯·普桑(Nicolas Poussin)(1593 / 94-1665)《摩西的论述》,布面油画~

由已故的爱德华·弗莱爵士的女儿们慷慨捐赠,并在艺术基金的资助下购买,1950年。

法老命令所有的希伯来人的儿子都淹死在尼罗河里(出埃及记2:2-4)。摩西的母亲把她的孩子放进了芦苇做的方舟里。法老的女儿来到河边,救了孩子,给他起名叫摩西,他的姐姐米利亚姆就在旁边观看。

普桑在1654年为他的朋友艺术家雅克·斯特拉画了这幅画。他选择描写一段悲伤和绝望的情节,而不是《寻找摩西》中流行的场景。故事发生在古罗马,基督教未来的故乡。狮身人面像和河神是尼罗河的象征。

阿什莫林博物馆第二层楼47号展厅,德国和弗兰德艺术(Flemish Art)1400–1650

这个房间里的艺术品是由德国、佛兰德和西班牙的艺术家在十五世纪晚期到十七世纪中期创作的。

在十五世纪的意大利艺术中,人们对古罗马雕塑和建筑的热情丝毫未减。到十六世纪早期,北方的艺术家们已经开始修改他们的地区传统,以回应意大利文艺复兴时期的艺术。这里的几位画家完成了他们在意大利的学业,把意大利绘画的最新潮流带回了他们的家乡。

汉斯·舍弗勒因(HansSchäufelein)(约1480 / 85-1539 / 40)《基督告别他的母亲》,木制油画~

有会徽的签名,日期为1514年。从私人收藏借来的,伦敦。

这幅画的题材不一般。这个故事讲述的是基督如何在最后的晚餐前夕与他的母亲分开,故事的来源并没有出现在圣经中,而是首次出现在中世纪的文本中。

阿尔布雷希特·丢勒(Albrecht Durer)在一幅木刻版画中阐述了这一主题,这幅版画成为他的几个德国同代人的模型。其中包括舍弗莱因(Schäufelein),他从杜勒(Dürer)的版画中选取了中间的一组,但在左边添加了使徒,在右边添加了一些额外的人物。它上面刻着这位艺术家的标志,一把铁锹(德语中是“schaufel”),这是对他名字的双关语。

彼得·保罗·鲁本斯爵士(1577-1640年)《马克西米利安一世皇帝》,油墨版画~

钱伯斯·霍尔提供,1855年。

1634年,鲁本斯受命设计了一系列的街道装饰,以庆祝新上任的西班牙荷兰总督费迪南德进入安特卫普。这是鲁本斯为实现其设计的艺术家和工匠所作的大量油画素描之一。

这幅素描是为马西米兰皇帝的雕像所作的研究,马西米兰皇帝是装饰在皇帝门廊上的十二个镀金的大雕像之一。

南德意志,十五世纪末期肖像,《一位手持鲜花的年轻女子的画像》~

威廉·w·斯普纳遗赠,1968年。

这幅精致的肖像画被认为是著名的版画家米尔·冯·兰德斯特所作,他死于1510年。人们对他作为画家的作品所知甚少,很难证明这幅画是他画的。

它可能与她未婚夫的相似画像形成一对。她左手拿着的粉红色或康乃馨与订婚的夫妇有关。

(上图)阿什莫林博物馆第二层楼48号展厅,荷兰和佛兰德的静物画(Flemish Still-life Paintings)。

静物画起源于十六世纪,当时艺术家们开始用无生命的物体,如水果或花朵,来创作独立的作品,而这些东西在宗教和历史作品中曾经出现过。它首先出现在意大利,但它是一种艺术形式,主要与十七世纪的荷兰和佛兰德斯艺术家有关,这些画家中的许多人专门从事静物画的一个分支——花卉、水果、鱼、宴会用具、炊具和其他物品。有时他们通过引用生命的短暂来赋予他们的绘画一种象征意义,但大多数可能主要是作为艺术家创造熟悉物体幻觉的技巧的例子来欣赏的。

1939年,西奥多·w·h·沃德(1879-1955)为纪念他的妻子黛西·琳达·沃德(黛西·琳达·沃德,原名特拉弗斯)(1883-1937)将所有的画作赠送给了博物馆。黛西·w·h·沃德本人也是一位画家和歌剧演唱家。(手册可供访客使用)

亨利·范汀·拉图(Henri Fantin-Latour)(1836-1904)《玻璃酒杯中的白玫瑰静物,1872年》,布面油画~

1936年由w·f·r·韦尔登夫人遗赠。

芳汀·拉图是一位法国艺术家,他最著名的作品是花卉画。在芳汀·拉图尔所绘的三十多种花卉中,玫瑰是最常见的。这幅静物画是他将透明玻璃和玫瑰结合在一起的绝妙范例。为了达到这个目的,他经常使用英国的雕花酒杯。芳汀-拉图所采用的宽广的笔触与周围的荷兰和佛兰德的静物画形成了鲜明的对比,这些静物画在几个世纪前才被描绘得更加精致。

十八~十九世纪早期的英国吉他~

艾尔伯特·库普(Aelbert Cuyp,1620–1691年)《鸭子西杰根特,1647-1650》,油墨版画~

2018年,从私人收藏处租借。

西杰根特鸭是一只非凡的鸟。在她的一生中,她每年产一百多个蛋。西杰特根的主人特别喜欢她,并于1647年20岁时委托别人为她画了这幅画。所附的荷兰诗看起来好像是西杰特根的自述。第二个铭文悲伤地记录了她三年后的死亡。这一不寻常的事实是,西杰特根在一幅画中不朽,其中包括一首专门为她写的诗,这表明她一定是十七世纪最珍贵的动物之一。

以上介绍了阿什莫林博物馆第二层楼的46、47、48号展厅。

46号展厅是巴洛克艺术(1600-1700),充满了强烈的活力。其艺术特点是:运用夸张的运动和清晰可辨的细节来营造戏剧、紧张、繁琐、恢宏的效果。

47号展厅是德国和佛兰德艺术(Flamish Art)1400-1650。在十五世纪的意大利,人们对古罗马雕塑和建筑热情未减。十六世纪早期北方的艺术家开始回应意大利文艺复兴时期的艺术,把意大利绘画的最新潮流带回了他们的家乡。

48号展厅是荷兰和佛兰德的静物画(Flemish Still-life Paintings)。静物画起源于十六世纪,首先出现在意大利,主要与十七世纪的荷兰和佛兰德艺术家有关。静物画可能大多数是艺术家用来创造熟悉物体幻觉的技巧。

巴洛克艺

西方都市计划的历史是从巴洛克时期开始的,那时最醒目的建筑物是教堂与宫殿。建筑师认为建筑物是根据许多要求塑造成形的一个独立的总体,所以巴洛克建筑通常看来就像一尊大型雕塑。
把文艺复兴时期的建筑画间配引专吃除宪诗斗位波成平面图,其共同特点是发场括到关才于势后正方形、圆形和十字坏走右给型岩致的察袁纸形;而巴洛克建筑的典型特征是椭圆形、橄榄形以及从复杂的几何图形中变化而来的更为复杂的图形。
用规则的波浪状曲线和反曲线的形式赋予建筑元素以动感的理念,口甲愿是所有巴洛克艺术最若重要的特征。文艺复兴建筑如同现代建筑一样,是以简单的、基本的比例和相互关系为基鲁础;而巴洛克建筑不再崇尚那种含蓄的逻辑性,而是追求令人感到意外的、如戏剧般的效果。例如:
米开兰基罗助手维纽拉(Vignola,1507-1673)和戴拉?伯达(***.dell过始注职今负问十a porta C.1537~1602)在1568~1584年间完成的罗马《耶稣教堂》,被公认为是千众活吧从样式主义转向巴铁技车洛克的代表作。这座教堂内部突出了主厅和中央圆顶扮裂耐,加强了中央大门的作用,以其结构的脚练严密和中心效果的强烈而显示了新的特色。因此,耶稣教堂的内部和京始备座末影滑广门面,后来都成为巴洛克建筑的模式,又可称为「前巴洛克风格」。
十七世于而在岩给货绿纪早期巴洛克建筑代表是马德诺(***.maderno,1556~1629),在160酒据决向波7~15年完成米开兰基怎完的价当顾庆罗未完成的《圣彼得教堂》(1607-15,罗马梵谛冈,另有专属网站详细图片解析错门听语脚),他用戏剧性的方式强调正门,例如由扁平的方柱变为半圆柱,再变为四分之三圆柱,使建筑的立体塑形复杂多变,动态强烈。他所设计凸出的门面或深凹的门面,都使得教堂和前面怀东决参设且任转升川第广场上的空间能更正呢互话希活高进一步的连接起来。
十七世纪盛期巴洛克建筑最伟大的大师是贝尼尼(g.***.bernini,1598~1680),以雕刻家而兼精建筑,在1624~33年间完成置于圣彼得大教堂内的青铜华盖,是一座高达二十九公尺的巨型幕棚,以四根螺旋形雕花大柱支撑盖顶,雄伟而又华丽(很像布景装饰)。又为圣彼得大教堂设计了门前双臂环拱形的广场和柱廊(1657),使它成为西方最的广场建筑之一。
波罗米尼(***.borromini, 1599~1667)是盛期巴洛克另一位建筑大师,喜用凹凸源烂多变的曲线和多种几何形体的复杂交错,从整体布局到细部安排,都能独出心裁,代表作如四泉的《圣卡罗(***.carlo)教堂》(1665~67,罗马),被誉为巴洛克建筑的典范。
除以上罗马地区外,意大利北部的杜林(Turin)地区也有相当发展,瓜里尼(***.***uarini,1624~83)建的《圣布小教堂》(1668~94)圆顶,表现天堂的穹窿,给人一种飘渺无尽永恒的幽思。
西欧诸国的巴洛克建筑又结合各地的特点而各有所长,如英、法等国带有较严谨的色彩,例如巴黎凡尔赛宫(1669~85,鼠标点选可看到360度外观旋转图),德国南部则华丽辉煌达于极致,西班牙及其统治下的拉丁美洲也是巴洛克的沃土之一。 巴洛克雕刻有时是建筑的一部份,艺术家表现真实人间的技法臻于成熟完美,例如根据主体的男女老幼来表现人的皮肤外观,卷发、衣饰、织物的质感都很逼真。动势的展现是其最重要的特点,人物不再被雕成静止或休息的姿厅春态,而总是处于运动之中。
最著名的是贝尼尼(Gian Lorenzo Bernini,1598~1680)的名作《圣泰雷莎(***.theresa)之幻觉》(1645~52,罗马圣马利亚教堂),是宗教性和官能性的结合,欣赏这类雕像要搭配建筑、绘画一起观看,以产生视觉上的幻觉。这种风格也影响西欧各地。其它名作如《四河喷泉》(局部图,1648-51,罗马Navona广场)、《大卫》(David,1623-24,大理石, 高170 cm,Galleria Borghese, Rome)。
法国巴洛克雕刻大师有:
普杰(***.***uget,1620-94)的《克罗托那的米罗》(1671~83,巴黎罗浮宫)。
柯塞沃克(***.coysevox,1640~1720)的《勒布兰半身像》(1676)、《路易十四半身像》(1680,凡尔赛宫)。 宏伟壮观,充满动感,精湛的透视变奏(如前缩法),戏剧性的构图,起伏波动,体现无限的空间,加以理想光的对比,使画面产生统一协调如舞台布景的效果是巴洛克绘画的特色。
意大利卡拉瓦乔(Caravaggio,1573~1610),是巴洛克绘画的先驱,作品的特色是利用光线以获得画面戏剧性的效果,也利用明暗表现法以衬托真实的空间感,并舍弃细节的描写。他对自然的态度是直观的,以粗野或纯朴的市民为模特儿作肖像画。他更在静物画上另辟蹊径。代表作有《在以马杵斯吃晚餐》(1601,,伦敦国家画廊)、《埋葬基督》(1604,梵谛冈美术馆)、《水果篮》(静物, 1596,46×64.5cm,米兰,谙布罗西阿纳美术馆)、《酒神》(1597,佛罗伦斯乌菲兹美术馆)。个性狂野、暴躁、易怒,命短,他要脱离陈规,重新思考艺术,风格上被称为「自然主义者」。
卡拉契(Carracci,1560~1609),勤练古典美,代表作祭坛画——《圣母哀悼基督之死》(1603,92,8 x 103,2 cm,伦敦国家画廊),画中光线照耀在救主形体上,与整体引发观者情感的手法,都属巴洛克式的,构图简单和谐,有点感伤性,但避免提醒人们有关死亡的恐怖和受难的痛苦。 除了建筑和雕塑和绘画之外,巴洛克家具无疑是巴洛克艺术最市民化的一种表现形式了。法国国王路易十四号称太阳王',他对凡尔赛宫的奢华装修造成了大量巴洛克风格家具的诞生。宫廷艺术的发展造就了一大批巴洛克艺术大师。复杂的雕刻,名贵材料如柚木,黄金,象牙,紫檀木的大量使用,使得巴洛克家具成为了世界三大家具的代表之首,屹立在世界家具的顶尖位置上,数百年不倒。
扶手椅—椅腿可以使”倒方锥“或者”栏杆柱“式,上面出现了日益复杂的椭圆形缘饰,凹槽饰,叶饰。从路易十三继承的H型连杆,逐渐演变为X型。礼仪的需要促使大量折叠椅和凳子问世,上面时有华丽的雕刻。
双体家具–衣柜面板的线条也变得更柔和,下不和两端成弧形,并向图中那样由于凸出部分或者转角处呈新月形而变得复杂。 以裹胸收腰作为开场白,以巴洛克时代如贵族般缀满蕾丝花边的夸张袖子作为情节发展的高潮,这部有关古典主义戏剧的“脚本”充满着华贵的气氛。短俏的波浪状衣摆使得上衣在硬朗性感中透出高雅,歌特式袖型在复古细节中渗透出摩登,色彩上也采用了鲜艳明快的颜色,让人犹如置身于一场盛大的宫廷舞会中。
具有巴洛克风格的时装最看重下半身的剪裁,力求多变。略微蓬松的及膝窄裙结合精致的褶皱,加上漫不经心的花边,一齐散发着温柔甜蜜的浪漫气息。面料虽然不是典型的浮花锦缎,却采用光滑轻盈的纱绸,彰显别具一格的奢侈感。色彩上,香槟色、米白色都不再独领风骚,取而代之的是艳丽的桃红色,配以荷叶边领口的奶白色针织外套,优雅矜持又不失俏丽可爱。
束腰是巴洛克风格时装的主要特点之一,也将成为新一季时尚舞台上的最佳主角。绸缎衬衫充满怀旧气息,纷繁多样的花纹表达出新古典主义时代的艺术风格,鲜红明亮的宽版束腰成为点睛之笔,不仅在色彩上形成强烈对比,而且别致的缎带蝴蝶结更是突出了在那段逝去的岁月中曾一度疯狂流行的大红大紫的时髦风尚。黑、白、橙、红四种颜色形成视觉上强烈反差,打造高雅矜贵的淑女形象。
古典主义韵味大行其道,使得充满 复古情怀的浪漫婚纱也呈现出一派奢华风格。仿巴洛克的提胸和束腰,层层叠叠的裙摆,在细节上将繁复且精细的做工体现得淋漓尽致,再融合现代流行剪裁与时尚元素,像蝴蝶结、褶皱等,创造出亦古亦今的别样风格。 通常来说,巴洛克音乐有如下一些特色——它的节奏特别强烈、活跃,短促而律动;旋律精致、跳跃且持续不断;采用多旋律、复音音乐的复调法;作曲家普遍强调作品的情感起伏,以至于音乐的速度、力度变化在当时相当被看重;曲目的调性也从文艺复兴时期单一而保守的教会调式发展为采用大小调形式。同时西洋管弦乐器也在巴洛克时期得到了迅速的发展,小提琴的出现、拨弦古钢琴的成形都为巴洛克音乐提供了更丰富的表现力;其他乐器的发展也使得某些特定风格的巴洛克音乐其配器得以朝着多元化、大规模的方向发展。不过诸如管风琴、羽管健琴、维奥尔琴这类颇具历史的古乐器依然被广泛使用。
在音乐表现形式方面,巴洛克时期要比文艺复兴时期的体裁丰富的多。皇室以及贵族对音乐的需求,促使许多巴洛克音乐家开拓出很多新的音乐表现形式,歌剧的兴起(并不是起源,歌剧的起源要追述到更久之前)便是最为突出的一点。虽然巴洛克时期的歌剧曾被一些专家批评为“矫揉造作”,但却是此后歌剧发展的一个基础。声乐领域的其他表现形式还有神剧、经文歌、清唱剧、受难曲和弥撒曲等,这些都是带有强烈宗教色彩的。由此可见在巴洛克时期,宗教音乐在西洋音乐中依然占有很大的分量。巴洛克时期的器乐曲发展很迅速,出现了大协奏曲、独奏协奏曲、管弦乐组曲、各种舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、赋格和奏鸣曲等诸多表现形式。其中很大一部分通过发展、演变,从而成为了后来更为成熟的形式。 意大利文艺复兴晚期著名建筑师和建筑理论家维尼奥拉设计的罗马耶稣会教堂是由手法主义向巴洛克风格过渡的代表作,也有人称之为第一座巴洛克建筑。手法主义是16世纪晚期欧洲的一种艺术风格。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果,如以变形和不协调的方式表现空间,以夸张的细长比例表现人物等 。
建筑史中则用以指1530~1600年间意大利某些建筑师的作品中体现前期巴洛克风格的倾向。罗马耶稣会教堂平面为长方形,端部突出一个圣龛,由哥特式教堂惯用的拉丁十字形演变而来,中厅宽阔,拱顶满布雕像和装饰。两侧用两排小祈祷室代替原来的侧廊。十字正中升起一座穹窿顶。教堂的圣坛装饰富丽而自由,上面的山花突破了古典法式,作圣像和装饰光芒。教堂立面借鉴早期文艺复兴建筑大师阿尔伯蒂设计的佛罗伦萨圣玛丽亚小教堂的处理手法。正门上面分层檐部和山花做成重叠的弧形和三角形,大门两侧采用了倚柱和扁壁柱。立面上部两侧作了两对大涡卷。这些处理手法别开生面,后来被广泛仿效。 巴洛克建筑风格也在中欧一些国家流行,尤其是德国和奥地利。17世纪下半叶,德国不少建筑师留学意大利归来后,把意大利巴洛克建筑风格同德国的民族建筑风格结合起来。到18世纪上半叶,德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上一朵奇花。德国巴洛克风格教堂建筑外观简洁雅致,造型柔和装饰不多,外墙干坦,同自然环境相协调。教堂内部装饰则十分华丽,造成内外的强烈对比。著名实例是班贝格郊区的十四圣徒朝圣教堂、罗赫尔的修道院教堂。十四圣徒朝圣教堂平面布置非常新奇,正厅和圣龛做成三个连续的椭圆形,拱形天花也与此呼应,教堂内部上下布满用灰泥塑成的各种植物形状装饰图案,金碧辉煌。教堂外观比较平淡,正面有一对塔楼,装饰有柔和的曲线,富有亲切感。罗赫尔修道院教堂也是外观简洁,内部装修精致,尤其是圣龛上部天花,布满用白大理石雕刻的飞翔天使,圣龛正中是由圣母和两个天使组成的群雕;圣龛下面是一组表情各异的圣徒雕像。
奥地利的巴洛克建筑风格主要是从德国传入的。18世纪上半叶,奥地利许多著名建筑都是德国建筑师设计的。如维也纳的舒伯鲁恩宫,外表是严肃的古典主义建筑形式,内部大厅则具有意大利巴洛克风格,大厅所有的柱子都雕刻成人像,柱顶和拱顶满布浮雕装饰,是巴洛克风格和古典主义风格相结合的产物。兴起于17世纪中叶,它的风格自由奔放,造型繁复,富于变化,只是有的建筑装饰堆砌过分。西班牙圣地亚哥大教堂为这一时期建筑的典型实例。

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