中外象征主义诗歌有何不同
象360问答征主义
在欧洲绘画史上，19世纪下半叶的一个重要特色是，诗歌向着绘画靠拢，绘画向着诗歌飞跃。象征主义就是这一特色的代表。法国象征主义诗人卡恩在188天很读衣高安宜话6年的一篇文章中深刻地阐述了它的特性:"我们艺术的根本目的是使主观事物客令斤作静试跟观化(理念的外化日和金包伟协黑)，而不是使客观事物主观化(通过有个性的眼睛看到的自然)。"通常人们有一种错觉，宽评绿大肥认为19世纪下半期艺术的主流是印象主义绘画，把印象主义画家视为现代主义的先驱。虽然印象主义绘画与象征主义绘画差不多同时出现，但前者是"模仿自然"的绘画传统的最后阶段，而后者的主要特征则表明它属于印象主义之后的发展，它的出现标志着欧洲艺术从传统主义向现代主义过渡的起点。象征主义对绘画的煤海川势推陈装便影响，无论在持续时间的长度和波及地域层素杀规强拿想头沉的广度上，都超过了印象主义。象征主义的革命意义在于它产生了一种新的更接近现代的艺术哲学。评论家奥里埃在一篇评论高更的文章中概括了象征主义的艺术哲学。他指出，艺术作品"第反县座含一，是观念形态的，因为它唯一的理想是理念的表现;第二，是象征主义的，因为它用各干越种形式表达这种理念;第三，是综合主义的，因为它黑洋之断孙龙价度到烧用一种普遍理解的方法表现这些形式和符号;第四，是主观的，因为客体不再被生认为是一个客体，而是被认为是主体所领悟的思想的符号;第五，因而是装饰性的，因为严格地说，正如埃及人，或许更如希腊人和文艺复兴早期的人所理解的那样，装饰画只不过同时是一种主观的、综合的、象征的和观念形态的艺术表现形式而已。"由制素支权务示联此亦可见出，综合主义与象征主威品活坚无执述率玉底苏义是相互渗透的。
象征主义绘画活跃于1885年至1900年之间，与19世纪80年代中脸于笔场视哥叶法国文学，特别是诗坛的象征主义运动有密切关系。
象征主义绘画发病吃信湖样于法国，被认为是象征主义主尼气兵思速充要代表的画家有夏对凡纳、莫罗和雷东。
皮维·德·夏凡纳(Puvis de Chavannes,1824-晚却屋圆掉-1898)的艺细费术活动主要是给许多公共建筑作装饰壁画，因此他的油画也具有湿壁画的特点。他创造了一种淡色平涂、简练单纯、气氛恬静、节奏分明的装饰风格，描绘寓意性的情节和源自古代的题材，表现出学院派的特点。他的画面总是带有一种稍显粉气的色彩，无论是内体还是衣袍，泥土还是树叶，好像都是同一材料做成的，这种考古发现般非真实的处理方法，强调了画面理性的抽象和统一。正是这种特性吸引了当时许多青年画家。
夏凡纳在壁画中大多采用象征手法来传达对生活的寓意。如他为里昂艺术宫所作的《文艺女神们在圣杯中》(1884–1889)就是一例。整幅画给人以一种梦幻的、充满诗意的意境。同他的其它作品一样，这幅画的和平宁静的气氛中也带有一丝忧郁，这是典型的世纪未情调。夏凡纳的作品还影响到高更、凡·高、修拉、德尼、毕加索等人的创作。就对画面统一性的关心而言，他是塞尚真正的先驱。
与夏凡纳分享殊荣的是居斯塔夫·莫罗(Gustave Moreau，1826–1898)，他是象征主义绘画的中心人物，比夏凡纳更大胆地使用象征符号，而且不怕触及最怪诞的题材。他以描写神话和宗教题材的充满情欲的绘画著称，笔下的女性形象大多妖艳而邪恶，画中充满了异性的冲突、生与死的谜语、善与恶的寓意。他的创作揉合了意大利的古典艺术和异国情趣的东方艺术，这在很大程度上得益于文学，尤其是诗。他的作品也引起了文学家的关注。莫罗作的《在希律王面前跳舞的莎乐美》(1876)展于沙龙时，吸引了50多万名观众。这幅画有着宝石般的明亮色彩和梦幻般的神秘情调。
奥迪隆·雷东(0dilon Redon,1840–1916)被德尼比作"画坛的乌拉梅"。雷东在美学上主张发挥想象而不依靠视觉印象。19世纪70年代末他开始创作石版画，共创作了近200幅，总标题为《在梦中》。法国作家于斯曼称雷东的画是"病和狂的梦幻曲"。他献给诗人艾伦·波的组画(1882)可以说是视觉造型的诗篇，展现了诗人痛苦的内心世界，这也是一个没有光照、没有时间的黑夜王国。由于雷东差不多完全以单色作素描和版画，所以他后来的色彩画能达到非常简练的程度，甚至几乎没有真实的背景。
19世纪未，英国文学的唯美主义运动也对象征主义绘画产生了重要影响，这个运动的学说是，艺术只为本身之美而存在，也就是说，主张"为艺术而艺术"。唯美主义的哲学基础是康德的审美不涉及功利的学说。80年代后期，英国的唯美主义进入了最旺盛时期，其标志为王尔德的颓废主义小说《道林·格雷的肖像》(1891)和剧本《莎乐美》(1893)的出现，以及画家奥布里·比尔兹利(Aubrey Beardsley,1872–1898)为《莎乐美》作的插图的发表。唯美主义运动中最突出的美术家除了比尔兹利外，还有乔治·瓦茨(George Watts,1817–1904)和伯恩–琼斯(Bume-Jones,1833–98)。法国画家图卢兹–劳特累克(Henri de Toulouse-Lautrec,1864–1901)也明显地受到英国唯美主义的影响。
法国和英国的象征主义美术成就最突出，但在欧洲其它各国也涌现出一些著名的团体和杰出的画家，他们对象征主义绘画作出了重要的贡献。例如，比利时的二十大团，巴黎的玫瑰十字，德奥的分离派等等。杰出的画家有比利时的费尔南·赫诺普夫(Fernand Khnopff,1858–1921)，詹姆斯·思索尔
(James Ensor,1860–1949)，挪威的爱德华·蒙克(爱德华·蒙克,1863–1944)，荷兰的扬·托岁普(Jan Toorop,1858–1928)，德语国家的阿诺尔德·勃克林(Arnold BocMin,1827–1901)、古斯塔去·克利姆特(Gustav Klimt,1862–1918)等等。他们的作品大多流露出一种忧郁、颓废、苦闷、孤独、彷徨的情绪，这就是所谓的世纪末情调。
概而言之，象征主义的哲学基础是神秘主义，信仰那种理想的彼岸世界。对象征主义来说，重要的是反映个人的主观感觉，使个人从现实中超脱出来，把他引向虚无飘渺的"理念"世界。所以在象征主义作品中所能感受到的只是形象的抽象性和不稳定性，是那种强烈的主观色彩和含义的朦陇晦涩。
象征主义是个啥
“象征主义”应该算得上是大家最熟悉的一个文学批评的流派了，从小时候做阅读理解到背诵分析古诗，大家都不可避免地会使用象征分析。
那么究竟在文学批评史上的象征主义是什么呢？它是从哪些理论来的呢？
象征主义的兴起其实和浪漫主义文学弊和滚创作与直觉主义的哲学流派盛行是分不开的。19世纪兴起的浪漫主义文学主张文学应该再现作者的内心世界、不需要修饰和理性的压抑，所以浪漫主义文学一般想象力丰富、语言奔放激烈。而没有任何一种体裁能比诗歌更能体现人内心的怪诞、无序、热烈追求美的感受了，所以浪漫主义的代表作家一般都是诗人，比如：雪莱、柯勒律治、骚塞等等。
假如说现实主义追求“模仿”，那么浪漫主义力求的就是“表现”。而当一个文学作品要以表现作者内心为目的时，它往往就会与“直觉”密不可分。
什么叫做直觉呢？克罗齐认为，直觉是一种直接的形象而理性主义所推崇的逻辑则是一种概念。人人都拥有直觉，只是有些人灵敏就会拥有更多的直觉，有些人迟钝就只能拥有少量的直觉。
而所谓的艺术家，就是将现实转化为自己内心的某种印象后，内化为表现再以直觉的形式传达出来。所以这就表示，直觉的艺术并不是片面和个人的，它拥有一定的普遍性。
而直觉的艺术，比如诗，它在向人们传达它的直觉时不可避免的必须用到“象征”（即意象的使用）。
意象可以引起某种人类共有的直租余觉的回忆，从而引发共鸣。而这种“共有回忆”与我们上次讲的“原型”有一定关系。
意象的作用还不止于此。
瓦莱里认为，象征的意象具有超越现实局限的能力，也就是说意象有着更旺盛的生命力，在一定程度上它不仅仅可以创造表达艺术，还可以创造读者、引发潜在的读者记忆。同时，为了巩固他的学说，他提出了“音乐化诗论”：当一首诗的语言使用意象且具有一定韵律时，它就会与读者（包括潜在的读者）内心产生共鸣，从而引发读者的情感。更有甚者，可能会将读者的思想引导至一个诗情世界，使读者的内心世界与诗情世界和谐地契合。
英国另一大诗人叶芝延续了这种观点。叶芝认为，所谓的“意象”不过是要连接现实与人的直觉，所以“意象”作为一种连接符号可以分为“玄想符号”与“隐喻符号”。“隐喻”既是一种保留能指但异化于约定俗成所指的同时又切合直觉的语言符号棚毁的新所指，叶芝觉得这是“意象符号”的基本作用。而所谓“玄想符号”则要更上一层楼：隐喻符号可以是单一的，但玄想符号必须是完整的。
另外叶芝重新定义了“音乐化语言”的功能，不同于瓦莱里与心灵合拍的理论，叶芝认为音韵的目的在于延长思考和感受的时间、提高人们想象力的敏感度。
值得注意的是，无论是直觉主义还是象征主义，几乎所有的文论家都要求直觉的“理性化和精确化”，这与一般认为的直觉和想象是无标准、大范围、天马行空的固有观念不同。
瓦莱里要求作家在创作时虽然要回溯记忆、提高精神、扩大想象，但是从纯粹观审状态中出来之后要对自己刚刚得到的感受（即直觉）进行沉思和辩证。叶芝又提出创作诗歌要结合理性和感性得到“微妙联想”，只有“微妙联想”才能引起感悟。
实际上，象征主义和直觉主义，以及后来发展的“意象论诗派”都是想要从意象和直觉上得到人类共有的一些本质，在各个诗人不同的感受和表达中找到普遍规律。
