月亮和
《月亮和六便士》是英国作家威廉·萨默塞特·毛姆的三大长篇力作之一，完成于1919年。作品以法国印象摄画家保罗·高更的360问答生平为素材．描述了一个原本平凡的伦敦证券经纪人思特里克兰德，突然着了艺术的魔，抛妻弃子，绝弃了旁人看来优裕美满的生活，奔赴南太平础林后洋的塔希提岛，用圆笔谱写出价温只移船迅息呼喜自己光解灿烂的生命，把行字物生命的价值全部注入绚烂的画布的手谓质故事。贫穷的纠缠，病魔的折磨他毫不在意，只是后悔从来没有光顾过他的意识。作品表现了天才、个性与物质文明以及现代婚姻、家庭生活之间的矛盾，有着广阔的生命视角，用散发着消毒水味道的手术刀对皮囊包裹下的人性进行了犀利地解剖，混合着看客讪笑的幽默和残忍的目酸热省首标久找她优光。
毛姆在小说中深入探讨了生活和艺术两者的矛盾和相互作用。小说所揭示的逃避现实的主题，与西方许多人的追求相吻合，成为20世纪的流行小说。
“毛姆以高更为灵感所促写的小说《月亮和六便士》，毫无疑问杜撰超过事实。”“在接下来的十年里，高更认为他最终能够享受成功的果实，让一家人团圆。”对比小说与现实可以发现，高特冷种更对绘画的追求有其因果关系和过程发展，而斯特里克兰德的出走刘烈械亚小房海坐则非常突冗和过于激烈，再加上作者利用虚构的情节和叙事手段上的技巧，就塑造了一位不通人情世故和不食人间烟火的所谓纯粹意义上的艺术家。比起厚受树木语立手成高更的出走，主人公斯特里克兰德的出走完全不符合现实的逻辑，对于读者来说更是不可理解。其实这里有更深层次的原因可以说明毛姆如此写作的目的。即兰顾调执毛姆自我欲望的虚拟满足。
六便士是当时英国货币的最小单位，有个朋友跟毛姆开玩笑说，人们在仰望月亮时常常忘了脚下的六便士，毛姆觉得这说法挺有意思，就起了这个书名，甚是开玩笑的语气。月亮代表高高在上的理想，六便士则是现实的代表。 《月亮和六便士》的现代性首先表现在它的观念性上，在《月》中，毛姆表面上描写了主人公的命运和遭遇，实际上表现了自己对艺术与生活关系的思考。紧紧缠绕着主人公思特夫克兰德头脑的问题是艺术的本质究竟是什么，如何处理艺术和经验的关系，传统表达手段是否可靠以及对驾驭现易农里短排命慢生玉代思维的崭新形式的探索等问题，在经历了不断的波折后，克兰德终于醒悟艺术是谈认段东具有极大的自主性独立性的东西，变换不同的叙述角度，就会得到不同的结局。现实生活是真实丑陋残酷无情的，因此表面上优美看评热征度皮施圆议大范高雅的艺术只是对现实的粉饰黄，艺术的本质是虚假的。在小说中思特夫克兰德还表现出了对传统艺术手段的极度不信任感，这种感觉使他在绘画表现上困难重重，一度陷入沉默仿惶无所作为的困境，不得不寻找适合自己表达的新途径，毛姆在小说中加入对艺术问题的思考使小说具有很强的观念性，这种观念性使小说具有了丰富复杂的多重含义，通过表层和深层、叙述和观念的对抗，使小说具有广阔的张力和内涵，表现出浓厚的现代小说的特征。
《月亮和六便士》的现代性还表现在人物的虚化上，它的人物既不注重鲜明的个性化特征，也不是某种类型人物的代表足证朝突煤，而往往是一种情欲一种精神的象征，人物形象模糊不红等犯情，像水墨画上远山背景一样被淡淡地做了虚化处理，往往给人以脂肪的捉摸不定感，读者需要根据作者布置的悬念，暗示、细节、启发以及某种可感的总体氛围去猜测推断，然后才能逐渐发现隐含在人物背后的象征意义。这在思特夫克兰德身上突出体现出来，他在行为上总是具有不循常规的神秘性，不胜预防的突兀性，有着接连不断的不同寻常之举。在言语上沉默寡言，属于拙于交际的哑牛形象，他说起话来总是半吞半吐欲言又止；假限名或是短小零碎，简炼如电报；或者干脆躲开同读者直接的正面接触，而通过别的见证人进行旁敲侧击的侧面暗示，这往往给人以雾里观花隐约含混的印象，思特夫克兰德的这种表现一方面显示了他对既定语言的不信任感，在他看来，由于丑陋不堪的现实生活的侵蚀，语言和它所指的事物之间的关联己被打破，语言己成为渗透着资产阶级功利观念的意识之网，成了“干瘪的物质”，己不能表现自己内心对事物真实意义的探索，因此自己说话不能不为寻找准确达意的词语而思寻搜索，迟疑不决。另一方面，他的行为也显示了他对暴露真实自我的恐惧和忧虑。每次涉及自我的主题，他或者闪烁其辞，叉开话题，借以掩饰真实的内心；或者装聋作哑，闭口不谈，陷入长时间的沉思默想之中。即使被迫勉强应答，也是一问一答，极其简短，无丝毫交谈的热情和表露的欲望，在小说结尾，他干脆逃离了欧洲文明社会，躲避到人迹罕至的蛮荒海岛，想以此掩藏真实的自我。思特夫克兰德的这两种情况，不论是对言语的极度不信任感抑或是对坦露真实自我的恐惧都显示出了很强的现代意味，这使得毛姆的小说具有了现代主义小说的某些特征。
《月亮和六便士》的现代性还表现在对人类非理性意识特别是原始野性力量在文明社会作用的探索上。整个l9世纪都认为健康的生活离不开对形式、秩序、条理性和模式的尊崇顺服，寻找秩序条理、某种时间模式以超越纷杂的偶然事件成为当时作家追求的一种时尚。《月亮和六便士》中的思特夫克兰德开始也在刻板规矩的理性节奏中生活了多年，然而他不久发现在这种平静的生活秩序中他渐渐耗尽了自己的才华，精神上也丧失了活力，创造性日益萎缩。于是他走向了生活的另一个极端，放任非理性意识的泛滥，用野蛮、原始、毫不留情的生命力量冲击着生活表层的理性秩序，他变成了一个阴郁傲慢、目空一切拥有无情的巨大力量的怪物，成了“从永恒黑暗的门槛那边发出的声音”，他的整个生活都处在罪孽与邪恶之中。在文中最后经过不断探索，他终于醒悟了极端的理性与非理性都不是健康生活，健康的生活是两者间一种有节奏的振荡和惯性摆动，是这种不断变动的生活中瞬息的平衡点，人应当抱有真诚的勇气，对生活的忠恳态度，以此来抵御黑暗无情、庞大阴郁的原始自然力量。
毛姆对叙述者“我”的应用也使他的小说在叙述方式上独具一格别有新意。叙述人一方面在结构上对主人公经历的几个板块有串线作用，把它们或明或暗有意无意地串接成结构上的一个整体，“我”作为事件的目击者，同书中人物直接发生关系，起着推动情节发展的作用。另一方面“我”这个叙述者同作者和读者也有复杂微妙的关系，可说是二者之间发生联系的一个媒介。叙述考既可能是作者向读者传达思想表明态度的一个道具，也可能是毛姆为了使读者向其思想靠拢而在中造故意施放的诱人进入误区的烟幕。在《月亮和六便士》中，当思特夫克兰德的妻子得知丈夫离家出走，一时表现得异常悲痛时，“这时的我并未显现出应有的同情加以劝解安慰，反而漠然详细地观察起屋里摆设的家具来。”结合后来妻子对丈夫克兰德的刻薄恶毒和无情谩骂，读者自然会从“我”这个观察者的态度中分辨出她的悲痛只不过是一幅假面具。
然而，叙述人的态度是那样飘渺隐约，只具有模糊的暗示，因此谁也不敢断定他的态度里是否掩盖着深层的含义，也许观察家具的动作真是为了掩盖自己发自内心的同情。因为事实上叙述者“我”将自己发展成为一个名副其实的局外人，一个真正的观察者，他也成为了自己一手制造的模糊含混的受骗者，和读者一样丧失了对所表现的生活的解释权。叙述者的态度就是这样既有真又有假，既可信又不可信，体现了复杂的生活的本色。接着，叙述人“我”突然间又就得糊涂和无知起来，他担负着起劝说克兰德回心转意同家人团圆的任务。他充满浅薄的好奇心，絮絮不休地盘问克兰德，想打听出更多的奇闻异事，并且把这种规劝当成一种善事，企图把克兰德拉回到他不屑的现世生活中，叙述者越是犯傻、无知，就越显得滑稽不堪，当读者终于破译了作者的圈套，从情节中解读出“自由”二字时，才发现装疯卖傻的叙述者仅是作者促使读者进行思考的工具。毛姆就是这样运用叙述者的方式灵活调节着读者、作者、人物的关系，在不损坏读者的独立自信的前提下使读者不知不觉接受其引导，调整自己的观念、认识并最终同作者趋向一致，直至最后全部接受作者的思想。
如何欣赏和评价儿童绘画作品
每节课后，总会听到家长对孩子的绘画作品进行好与不好的评价，其中评价中最常见的就是画的像不像,颜色涂得均匀不均匀。抛去孩子对家长评论后的感受不讲，在大部分家长心中像不像与好不好一直是画“等号”的。其实欣赏和评价儿童绘画，无论对成人或是孩子都应该加以重视。对于家长来讲，要评价、欣赏儿童绘画首先应该了解、理解儿童的各个方面的特点。不要用成人画的审美观来要求儿童画，以成人画的标准评价儿童画，要站在孩子的立场来看待儿童画。成人的态度和评价对孩子会有相当的影响。如果评价不好，可能会打击、挫伤儿童绘画的积极性。 儿童画，是一个与我们日常生活不同的神奇的世界。那一幅幅充满稚拙、天真无邪、构思独特、造型夸张、色彩斑斓的儿童画作品，不仅体现了孩子对世间事物的认识和理解，也流露了儿童纯真的思想感情。 成人在看儿童画的时候，最大的偏见就是认为儿童画画得不像，乱七八糟。其实，作为绘画艺术中描写记录现实物象的功能，已经在历史上被摄影替代，写实只是绘画中的一种艺术形式而已，那么儿童画最显著的特征是什么呢？其实是稚拙的童趣！不合乎比例、透视，却合乎表达的需要。天真无邪，歪歪扭扭，粗粗细细，曲曲直直，这正是任何成人作品无法比拟、无法替代的。也正是儿童画特有的美感。 儿童画不同于成人的绘画，其审美价值的最大特点是天真幼稚，自由浪漫，不天真就不会幼稚，不幼稚也不会看到童心的可爱。儿童画自由自在，不自由就会死板僵化。那种片面追求画“画得像”的写实期的教学方法，不适于儿童学习，尤其是幼儿学画。只有鼓励他们大胆自由自在的画，运用符合式的造型语言画出儿童自己的感受和天性，才会显示出儿童画的美。 儿童画的美又是全方位多层次的。完整是一种美，残缺也是一种美；成熟是一种美，幼稚也是一种美；清晰是一种美，朦胧也是一种美；整齐是一种美，潇洒也是一种美；规范是一种美，自由更是一种美，这样我们就可以看到儿童画是那样的可爱。 一旦把绘画这层“窗户纸”看破了，就知道“世界不缺少美，而是缺少发现”。 总之：多一份耐心，多一份理解，多一份鼓励，您眼中的儿童画就会成为打开一扇通往儿童心理的大门，那里是一个妙不可言的神奇的世界。 1．以“像不像”来评价儿童画。 人们赞扬一幅画时，常常用“画得真像！”“简直和真的一样”之类的话，以为是对画作者的最高褒奖。许多人在看到儿童绘画时同样以“像不像”来评价，画得比较“像”的自然是好的，不太“像”的自然是不好的了。其实，用像”与“不像”来评价一件作品的好坏是片面的，无法全面、深入地诠释作品的含义，如西方的“立体主义”“达达派”的作品，显然无法用“像不像”来评价。 2．以“合理不合理”评价儿童画。 “合理不合理”是指儿童画中的事物是否符合客观现实和客观规律。儿童由于自身知识、经验不足，认识水平不高，他们描绘的事物往往与客观现实并不相符。他们会把人的头画得很大，手却画得很小；上山的人的身体垂直于山的坡面；人在太空与外星人游戏；在森林里与动物们联欢……如果要找一找儿童画中不合理的地方，几乎是俯拾即是。于是大人们“热心”地为儿童寻找画中的错误，用自己的知识、经验深入浅出地解释什么是合理的、什么是不合理的，直到儿童的画符合自己的意愿。 3．片面以“拙”来评价儿童画。 儿童画中的“拙”是在无意中产生的，是因为儿童的生理、心理还没有发育成熟时无意识的行为，或者受自身技能的限制，还不能如实再现客观事物的缘故，并非是其有意追求的结果。随着年龄的增长，这“拙”的味道也将慢慢消失。而艺术家的“拙”是历经数十年的追求和艰苦练习才达到的境界，是大巧若拙，两者有着本质的区别。如果因此欣赏儿童画，其实不得要领，就算你给小孩评了个金奖，可能连他自己也莫名其妙。这样的评价，仍旧脱不了技法的框框。 儿童学画不是一定要将其培养成大画家、大师、对于大多数学画的孩子来说，其成为专业画家的可能性非常小，但学画对于开发孩子智力的意义要远远大于学画本身。科学资料表明，儿童早期绘画教育可将孩子的智商提高30%，儿童学画重在培养审美情趣，陶冶情操，美化人格，塑造一个具有创造性思维，创造性品格适应社会发展的高素质人才。儿童画教育不是培养专业画家的教育，而是全面开发孩子想象力、创造力、观察力、记忆力、注意力、表达力的教育。重在启迪智慧，而非传授技能。 在众多儿童绘画作品中，不同年龄的儿童，绘画表现也不同。并不是很小的孩子能画出成人所画的形象就是水平高。因为绘画水平的高低标准并不完全是看谁临摹的像。儿童绘画让我们发现另一个美妙的世界。我们应该始终以欣赏的目光注视着孩子，用积极的态度激励孩子。正确欣赏、评价儿童绘画，对孩子绘画的发展将会有很大的帮助。他们情感的变化，反映着他的经验和感受，体现着他与周围事物的情感关系.
现实主义绘画作品
问题一：现实主义油画的代表作品 现实主义的代表人物为库尔贝、卢梭、柯罗、米勒、杜米埃等，他们的艺术实践及旷世之作撑起了现实主义的文化星空。写实主义提出的要反映当代真实生活，可以回溯到被称为新古典主义的大卫，如果追溯得更远，可以定格在西班牙画派（以委拉斯开兹为代表）和荷兰画派（以伦勃朗为代表），当然，那只是就“写实”而言，其中没有继承关系。在宗教无力解决社会问题和科学技术在社会实践中放出异彩的新社会大背景下，库尔贝顺应了人们企盼进步信念、渴望在艺术中看到自己生活的愿望，成为现实主义的代表人物。1855年的巴黎世界博览会美术展，库尔贝的《画室》和《奥尔南的葬礼》落选，他把已经入选的11件作品全部撤回，在蒙太奈街的棚室里以对抗性的个展相回应，在展厅门口的牌子上赫然写上：“现实主义，库尔贝，他40件作品展览”，并在画展目录上公开宣扬自己的艺术主张，这就是有名的《写实主义宣言》。库尔贝的《画室》和《奥尔南的葬礼》无疑是他的重要作品。 表现了掘墓工、死者的亲朋好友、维持治安者、法官、公证人、教士、市长等，引人入胜地揭示了各个人物心理，毫不留情地刻画了奸诈、贪婪和虚伪。库尔贝鲜明地亮出了与新古典主义的“理想美”和浪漫主义的“夸张美”分庭抗礼的现实主义旗帜。影响深远的巴比松画派是19世纪30-40年代出现于法国的一个风景画派，他们主张直观自然、对景写生，对大自然深怀敬意，被认为是“现实主义之始”。其主将卢梭以诗人的气质抒发大自然的生气，令观赏者与他一起感受大自然的生命。他的《巴比松附近的橡树》袒露深沉和博大，《树正型缺边的牧场》尽显深邃和生机，《河畔风景》以沉郁浑穆而感人，《冬季森林的日落》以练达纯熟而醒人。柯罗忠诚于大自然，直言“我的一生只对她忠诚，永不变心”。他和巴比松的年轻画家一起响亮提出“走向自然，举辩对景写生”。他的《林间起舞的仙女》并不渲染却生机盎然，《摩特枫丹的回忆》并不浓烈却扣人心弦，《沐浴中的戴安娜与同伴》并不造作却令人迷恋，《和小爱神嬉戏的林中仙女》并不夸张却妙趣横生。米勒出身于农民家族，善于从农民的真实生活中发租旁现美，在他的笔下经常出现的是疲惫穷困、终日辛劳的劳动者。他的《播种者》形象坚实，具有动态美；《晚钟》从田野深处传来教堂钟声，具有庄严美；《母与子》反映农家的日常生活，具有亲情美；《倚锄的农夫》表现“大地的呼喊”，具有悲壮美。杜米埃是现实主义讽刺画大师，他抨击资产阶级的庸俗，描写人民大众的苦难，讴歌了劳动者的纯洁。他的《洗衣妇》（图示）客观地反映了劳动者气喘吁吁；《三等车厢》洗练地勾勒出当时中下层人民的生活；《街头的卖艺人》画出生活的无奈与潦倒；《恶主和奸奴》刻画了奸诈和邪恶……现实主义立足写实，入木三分，爱憎分明，一路锐气，反映了19世纪中叶的社会现实、艺术家对社会矛盾的关注和对新的创作原则的执著追求。
问题二：名词解释：欧洲现实主义绘画，并麻烦列举5位画家和其代表作。谢谢！ 现实主义绘画(Reali *** Painting):出现于19世纪40年代的法国。这个流派是使用现实主义艺术创作方法的，现实主义艺术家赞美自然，歌颂劳动，深刻而全面地展现了现实生活的广阔画面，尤其描绘了普通劳动者的生活和斗争，此时劳动者真正成为绘画中的主体形象，大自然也作为独立的题材受到现实主义画家青睐。
代表画家：柯罗(Camille Corot),代表作：《蒙特封丹的回忆》、《戴珍珠的少女》、弹曼陀铃的女郎》
卢梭（Theodore Rousseau),代表作：《橡树》、《春》、《枫丹白露森林的入口》
米勒（Jean Francois Millet),代表作：《播种者》、《拾穗者》、《饥钟》
库尔贝（Gustave Courbet),代表作：《石工》、《筛麦女子》、《奥尔南的葬礼》、《画室》
杜米埃（Honore Daumier),代表作：《高康大》、《七月英雄》、《出版自由》
希望以上回答对你有所帮助：）
问题三：超现实主义绘画的代表作品 达利的《记忆的永恒》西班牙画家达利（1904―1989），是20世纪最负盛名的画家之一。他利用反向思维，自由拼合想象的画面，通过对以往经验的倒置和回放，构建出一个意象新奇、陌生化的超现实主义场景。其代表作《记忆的永恒》创作于1931年，典型地体现了他早期的超现实主义画风。画面展现的是一片空旷的海滩，海滩上躺着一只似马非马的怪物，它的前部又像是一个只有眼睫毛、鼻子和舌头荒诞地组合在一起的人头残部；怪物的一旁有一个平台，平台上长着一棵枯死的树；最令人惊奇的是出现在这幅画中的几只钟表都变成了柔软的有延展性的物体，或挂在树枝上，或搭在平台上，或披在怪物的背上，好像这些用金属、玻璃等坚硬物质制成的钟表在太久的时间中已经疲惫不堪了，于是都松垮下来。那种对时间疯狂流逝的独特表现手法，暗示了个人情感在物质世界挤压之下迸发出的无法回避的力量。《记忆的永恒》是20世纪具有典型意义的视觉形象之一。达利承认自己在《记忆的永恒》这幅画中表现了一种“弗洛伊德所揭示的个人梦境与幻觉”，是自己不加选择的。他尽可能精确地记下自己的潜意识，以及自己梦中每一个意念的结果 。马格利特的《天降》比利时画家马格利特，是超现实主义风潮的另一代表者。马格利特认为要打破理性秩序的视觉习惯，还要借用理 性手段，以原来熟悉的事物质询这个熟悉的系统，使画中物体具有相当的肖似性。因此马格利特喜欢选用冷调的色彩、稀薄的平涂、界线明确的绘画方式。马格利特的作品中有一种黑色幽默，就像达利及恩斯特，但是马格利特在处理手法上，似乎营造出平静的气氛，不像前两者具有恶梦般光怪陆离的形象。他喜欢将平凡的事物，赋予新的面貌，使人在静默中屏息以对，有时会在超官能情境中，突如其来地产生一种飘浮的诗意，让人的情绪飞跃自如，心灵获得解放。他的代表作品《天降》描绘了一些神情古怪、头戴圆顶高帽的人物从天而降，如同弥天的雪花飘扬在城市上空。画面的形象异常清晰，看似高度写实，体现了超现实主义画家对于“反常”视觉形象的酷爱。许多物品看似正常，实际上却处在矛盾状态。《天降》具有一种怪诞的合理性 。
问题四：现实主义美术的内容及其影响？ 现实主义
20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮，又称现代派。
发展状况 现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础,所以,法国后印象主义画家P.塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。
较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。以H.马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”,由此“野兽主义”得名。1908年,另一群年轻画家以P.毕加索、G.布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。与此同时，在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的 *** 下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。
上述思潮和运动,特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。未来主义的画家和雕塑家U.博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言,并把未来主义的原则运用到自己的作品中，代表作为《在空间连续的形》(1913)。 相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。
抽象主义的美术作品最早于1910年前后产生。首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家W.康定斯基。他用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)等奠定了抽象主义的理论基础。作为实践家，他主要从事抒情抽象绘画的创造，但同时也在几何抽象方面有所探索。俄国的画家K.C.马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何抽象的范畴。至上主义在平面构成上的努力，在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试，应该说是有意义的。真正奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P.蒙德里安创建的风格派（或称新造型主义）。在整个20世纪，抽象主义基本上遵循着抒情的抽象和几何的抽象两个方面发展，只是在各个阶段有所变化而已。
康定斯基：《第一抽象水彩画》
第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达主义社团，影响波及欧美各国。在法国、德国都有达达美术社团。达达主义反对战争，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，作为社团它必然要走到自我否定的境地。达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面的绘画中采用拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达对现代美术的贡献。
超现实主义的社团是从达达内……>>
问题五：超现实主义绘画的作品特点 在超现实主义绘画中，画家们开始探索自己非理性的一面，以找到新的创作自由。虽然超现实主义绘画作品情景奇异怪诞，与现实格格不入，体现了“反常”的特征，却具有超越时间和空间的永恒感，给人以灵验、虚无的感觉。这是一个被抑制的日常世界，这些作品隐喻着人和宇宙破裂却又相互联系的矛盾，充分体现了“反常合道”的艺术魅力。超现实主义绘画显示出不同于以往的最能体现绘画本质的语言特征和艺术技巧。这种创作方法是对以往以理性、现实为特征的现实主义绘画的反动，目的在于对真实的深层次探索和表现。超现实主义绘画多半依靠具象表现形式与抽象画面情景的巧妙嵌合，即有意将抽象意境与具象实体搭配，构成一种既具体又模糊的虚实相交的境界，从而给读者提供了追寻艺术家个体感受的信息。这与中国古人强调“超以象外，得其圜中”的境界吻合，超现实主义绘画的艺术效果就在于抽象与具象的适当调配，在这两者之间取得恰到妙处的平衡。在“虚”与“实”的处理中，“虚”的部分更是艺术家想象力飞翔驰骋之处，即是绘画的超现实性 。
问题六：浪漫主义美术和现实主义作品的区别 浪漫主义美术是一种强调个性表现、主张创作自由、重视想像和感情的美术.
现实主义美术却是通过把身边发生的社会现象或景物的描绘,寄托他们民族的情感和向往自由的理想,用自己的作品揭示社会的矛盾和不公.
问题七：中国有哪些现实主义作品，文学或图画 中国的现实主义文学以《诗经》为源头，历经春秋战国时期的历史散文和诸子散文，再到秦汉时期司马迁的《史记》，汉乐府的民歌，建安文学三曹七子的诗歌，东晋陶渊明的诗歌，唐代杜甫白居易的诗歌，元代关汉卿的杂剧，到明清四大古典小说，《红楼梦》是中国古典现实主义文学的最高峰。
问题八：现实主义画派的介绍 现实主义作为一场艺术运动，是与法国1848年革命同时出现的。画家库尔贝和理论家尚弗勒里是其精神领袖。现实主义坚决如是的表现画家所处时代的风格、思想和面貌，其中至关重要的是真诚。“现实主义”（reali *** )在西方语言中也可指艺术写实的手法。因此，“现实主义”也可称为“写实主义”。
问题九：哪些画家和代表作品能代表西方绘画从古典主义到现实主义的发 19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。法国画家库尔贝是现实主义的倡导者，他的代表作《奥南的葬礼》堪称绘画中的“人间喜剧”，而《石工》则深刻揭示了社会的矛盾，表现了作者对劳动人民的同情。勤劳朴实的农民画家米勒，以醇厚真挚的感情，歌颂了辛勤劳作的农民。政治讽刺画家杜米埃创作了大量思想深刻而形象夸张的石版画和油画。德国女版画家柯勒惠支，以社会民主主义思想和鲜明的个人风格创作了反映工人运动和农民革命的系列铜版画和石版画。俄罗斯的批判现实主义产生了列宾、苏里科夫等杰出画家。法国雕塑大师罗丹的作品也具有一定的现实主义品质。
19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现，它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中表现光的效果。代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱等。继印象派之后还出现了新印象派（代表画家是修拉和西涅克）和后印象派（代表画家是塞尚、梵高和高更）。而实际上后印象派与印象派在艺术主张并不相同甚至完全相反。其中凡高的绘画着力于表现自己强烈的情感，色彩明亮，线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。法国画家塞尚（1839-1906）是后印象派的代表人物。他毕生追求表现形式，对运用色彩、造型都有新的创造，他的绘画则追求几何性的形体结构，他因而被尊称为“现代艺术之父”。他的绘画源泉是自然、人和他生活在其中的现实世界的事物，而不是昔日的故事和神话。
