水粉的发展
了解水彩画的发展史，能帮助我们理解怎样发展水彩艺术，对自己告镇水彩艺术风格的形成起着重要的作用；能开拓青少年的眼界，提高青少年水彩艺术爱好者的理论修养，是青少年水彩艺术爱好者的必修课。
从水彩画概念——“水彩画是用水调合颜色绘制的图画”这样的理解出发，我们可以说水彩画是人类绘画史上最古老的画法。古代埃及人在他们绘制冥途指南（名称叫《死者之书》或《死书》）时运用了熟练的水彩画方法。
又如在古代印度和希腊等民族中，水彩画法也早被应用。“水彩画”也早有出现。
中国的国画与水彩画也有类似之处，用水调和墨彩作画，是中国古老的传统，中国画的山水、风景画到了明末清初，与国外当时的水彩风景画差别已不大了。
拜占庭的画家早就开始了制作树胶质“水彩画”。另外欧洲中世纪手抄本里的装饰画，大多是用水彩画成，这种“水彩插图”是水彩画在另一个领域的新成就。
虽然，用水调和颜色的画种，有如此悠久的历史，但是，古代用水调色的画和现代水彩画却不是一回事，很难肯定的说现代的水彩画就是由古代水调颜色的画发展而来的。因为现代水彩画的工具以及技法，在历史的发展过程中经过了许多复杂的变化。稿友穗而且，现代水彩画的特点，在古代水调色的绘画中很难找到一点痕迹了。现代水彩画的特点，很难使人们相信它是从古代水调颜色的绘画中发展过来的结果。但是，如果把古代水调颜色的绘画，同当代水彩画截然一刀两断，认为两者之间毫不联系，毫不相通的说法也是不对的，只怕也是很不全面的。因为任何绘画形式都是有关连的，任何绘画形式的发展都是呈穿插式交流发展的，与其他艺术形式毫无关连，独自发展的封闭式艺术形式是不存在、也是不可能的。 在国外，最早绘制水彩风景画的是德国巨匠丢勒（1471～1528），他在学画时代就经常用水彩画风景画和动、植物画，他严肃地观察大自然，崇拜、赞叹大自然的千姿百态，他的许多作品都成了视觉艺术的典范。他的主要水彩作品有：《风景》《小白兔》《大草坪》《阿尔卑斯山风景》等。丢勒的动物、植物写 生，十分注意局部和细节，使艺术家在动物和植物中表现的魅力得到充分展示。他的风景画也同样十分真实，山脉的安排和结构都具有透视感，而且同时又富有诗意。
在18世纪以前的水彩画，还有一种淡彩作业，色彩也不是十分丰富。当时，描绘野外氛围的微妙变化还是十分成功的。在水彩肖像画、充满诗意的风景画和刻画精致的细密画中，我们可以看到色彩的发展，它为现代水彩画奠定了基础。
到了18世纪和19世纪，英国的艺术家们感觉到，水彩画似乎特别适宜于描绘英国的自然环境、生活趣味和民族特色，水彩画在英国得到了飞速的发展，这朵艺术之花，在滋润的英国土壤中盛开怒放。18世纪和19世纪的英国成为现代水彩画的发源地。 水彩画中，风景画是它中间的主流，处于水彩发展的重要位置。因此，了解水彩风景画的形成与发展，对于了解水彩艺术的形成与发展有着重大的意义。18世纪是英国风景画建立的世纪，也是水彩画形成的世纪。其中地形画通过进一步艺术处理逐渐发展为风景画，淡彩画进一步成为水彩画，两种早期处理手法互相联系，互相渗透，紧密地结合在一起，逐步完成了水彩风景画形成的全面过程。
被誉为水彩艺术之父的保罗·桑德比（1725～1809）以勤奋不懈的工作和出色的才能，在社会上赢得了荣誉和地位。他是宫廷的宠儿，他的周围聚集着一批随学之工，其中有许多当时极负盛名的艺术家和业余艺术爱好者。在那个时代，桑德比被同行们看做是绘画技术的权威，并被他的一些追随者们广为传播，成为一个具有很大影响的人。
老科曾斯，在水彩发展史上被称之为风景画的建立者之一。他是俄罗斯彼得大帝和他英国情妇的私生子，成年后被送往意大利留学，专攻古典派的风景画。他键卜经常在作画技法上大胆创新，他可以随意地在纸上涂抹一些黑、棕、蓝、灰等颜色的团团点点，让颜色化开后转印到另一张纸上去，然后根据他的丰富的想象，点上几笔，纸上就会出现富有浪漫色彩的岩石、丛林、高塔、楼房、屋舍、河流、田野和瀑布等，他还专门介绍这种画种，他一生的大部分时间都花在图画教学的工作上，成为受人尊敬的一代大师，著名的水彩巨子约翰·罗伯特科曾斯就是他的儿子。 抒情水彩风景画的兴起有它的深刻历史背景，18世纪英国的工业革命开始了，工业革命使生产力得到了提高，发展了生产，但同时造成工人大量失业，人们对于生活现实表现了越来越多的不满，反映到艺术中来，批判人文中过去的怀古倾向，否定了怀古主义的冷静的处世态度，强调生活中的感情，对艺术也提出了这样的要求，由此产生了艺术上的抒情主义。有几位大师为水彩画的发展做出了巨大的贡献，起到了领导先驱的作用。
盖思斯巴勒（1727～1788）早在大自然还没有被一般艺术家认真理解和精心描绘的时候，他已经在风景画方面很有自己的见地了，他对大自然充满着热爱之心，是欧洲第一流的风景画家。他一生创作虽以油画为主，但他绘制了许多淡彩风景，给后来的许多的画家以启示。
被誉为一代水彩巨子的小科曾斯（约翰·罗伯特·科曾斯1753～1799）是老科曾斯的独生子和学生，他是英国最富有想象力和独创性的艺术家之一，他是新时代水彩画的先驱者中最伟大的一个，人们称他是“用水彩画作诗的人。” 工业革命新时期的社会变革到来了，抒情主义者只是默默无闻地注视着这一切的到来，赞赏着与这个时代相背逆的东西。这种不言的抗议隐晦地发泄了内心世界的不满，因此在社会上取得了不少的成功，但是他们的弱点是始终不曾正面去表示一下自己的意见。
在资本主义开始发展的时代里，资本主义所暴露出来的恶劣品质，逃脱不过敏感的艺术家的眼睛，在他们富有滑稽幽默风格的思想中，开始被淋漓尽致地揭露出来，并很快地博得了市民阶级的赞赏。
16世纪以来，水彩一直作为风景艺术的一门语言，从工业革命开始，人物、故事、历史题材开始闯入了水彩的世界，水彩艺术的新时期到来了。这一时期的代表主要是罗兰森。
托马斯·罗兰森是一个商人的儿子，早在皇家美术学院学习时，便充分显露出他超人的想象力和滑稽的幽默感，并成为他艺术道路的基石，幽默是其一生艺术的特点。 罗兰森不仅是一位漫画家，而且是一位描绘世界感觉和周围生活事件的评论家，他用无声的说教让读者自己去体会深思，并用幽默的笔调打击资产阶级的尊严。 约翰·康斯特布尔（1776～1837）是一位真正的田园画家。他描绘大自然，不加丝毫虚饰，也不追随任何人，因此成为写实主义风景的开创人，他是第一个描绘英国潮湿空气的画家，是最早描绘穿过叶簇，照射在草地上，点点阳光，和云彩的艺术家。他大量描绘了大自然的形状和素质，以及前人从未尝试过的平凡的景色。康斯特布尔为以后的印象主义的发展开创了道路。
康斯特布尔出生于一个磨坊主的家庭，1799年进入皇家美术学院学习。他对自己的信念从不怀疑，不过是想把自己异常了解和热爱的事物画得出色一点。他说：“我想象自己在敲板钉子，已经敲了一下，只要坚持，一定能敲得很深，如果停下来去效仿别人，即使能借此自慰，也不会因此有所进步，并且这板钉子就会留在原处，一动未动。”他在前期由于得不到人们的认识与首肯，只有靠绘制肖像的临摹糊口，尽管他的《白马》和《干草车》分别在1824年和1825年获奖，但这并没有改变他贫困的生活，以及生活中所受到的冷遇，可是他依旧顽强向前直到1837年逝世。他是一位完全尽忠于自己理想的艺术家。
布莱恩说康斯特布尔的速写：“这不是画，而是灵感。”富塞利也评价说：“使我想起披上外衣，带好雨伞。”
康斯特布尔的水彩画，是他生活和自然印象的直接体现，他总是画得很快，很精，很有力量，他的作品是为他个人需要而画，因而被人们所忽视；然而，他作品的启示性是英国绘画史上的重要财富之一。
而今，康斯特布尔被称为开创英国风景画新时代的巨人，并且也是开创世界水彩风景画的先驱，对后世的艺术家影响广泛而深远。 19世纪的艺术，也称“维多利亚时代”的艺术，这一时期的艺术内容庸俗，形式空洞，为改变这一状态，拉斐尔前派运动开始兴起，是向维多利亚时代沉腐的艺术形式的挑战。这一运动分为前后两阶段，前一阶段以米莱为代表。后一时期以莫里斯为代表。
米莱是19世纪英国最伟大的画家之一，他比同时代的画家更多地将一种新的，健康的生命力灌注于英国艺术。他有力而真实地描绘了所见到的一切，在写实这一点上，他是非常卓越的。米莱晚年所画的水彩画，忽视了水彩的透明性和其他特性，画出的水彩画常常与油画很相似。
莫里斯是一位多才多艺的画家，他不断寻求艺术表现的新形式、新手法，他认为真正的艺术离不开生活，艺术实践本来逃不出道德、社会和政治信仰的范畴，他把后期拉斐尔前派的思想活动更向前推进了一步。 印象主义在法国的发展，带动了其在英国的传播，最早把印象主义带到英国的是惠斯勒，他被誉为是19世纪末欧洲最杰出的画家之一。
他在巴黎时，对印象主义极感兴趣，他依赖于实际观察，而他先入为主的和谐色调，又完全压倒了对自然的模仿，印象主义重在表现客观世界的色彩变化，惠斯勒却倾向于理想的色彩和谐。惠斯勒同时是一位优秀的水彩画家和版画家。他的版画被誉为伦勃朗以来最杰出的版画，他的水彩和他的油画相仿佛，素静淡雅，情调迷人，虽着笔不多，却意趣无穷。
与惠斯勒同时代的萨金特是写实主义肖像画家。他绘制了大量上层社会的人物肖像，构成了那一时代的缩影，萨金特的水彩风景画，带有浓厚的即兴速写的情致，水份淋漓，色彩悦目，光的处理令人惊叹，他是皇家水彩画家协会会员，皇家苏格兰美术院学生。
19世纪末，20世纪初，苏格兰画派中水彩名家辈出，他们继承英国水彩艺术的优秀传统，又吸收当代世界艺术潮流的营养，把水彩画推向了一个更新的高度，其中最优秀的代表人物有威廉·罗塞尔·弗林特，他的每幅水彩作品都是欢乐印象的记录，色调明快、清新，用笔流畅，其最大长处是画面的真实性和动情性。 欧洲大陆对英国艺术的影响，远超出印象主义的范围，1909年成立的现代艺术协会成员的创作，表现方法为后印象主义的风格。1914年开始萌芽的漩涡主义，都分别源于欧洲大陆的立体主义和未来主义。1933年，保罗·纳什组织的“第一单位”是超现实主义的团体。
这一时期的代表人物有温得姆·刘易斯，第一次世界大战期间，他在法国创作士兵生活题材的图画，发展了立体派的几何形风格，表现了对战争的厌恶，他的形式和风格在当时画坛上引起了争论。
弗朗西斯·霍奇金斯（1869～1947）也是其中重要的一位。她是被邀请到巴黎任教的第一位英国女画家，她的画在色彩和色调上受到马蒂斯和日本绘画的影响，形式美妙和谐，具有高度的独创性和丰富的感情，它不断地启发了工艺美术家们的灵感。
16-17世纪风景画,静物画的相关文字资料.
、肖像画家哈继尔斯 在为当时的荷兰人留下他们生动的形象方面，荷兰绘画三大师中最年连酒争屋长的哈尔斯(Fr系千执限屋深劳ans Hals,约/1585–1666)取得了重大成就。他在哈莱姆城度过了一生，专门从事深受荷兰人欢迎的肖像画创作。 《微笑的酒徒》 (1628–1630) 哈尔斯喜欢生动活泼的效果，力求在动来自态中自然地展示人物的特征，捕捉他们瞬间的神态，为此他运用了在当时极其大胆奔放的笔法，即迅速有力摆上画面的笔触塑造出一个个如生的形象。《吉卜赛女郎》(约1628)是他的画法和风格的鲜明例证。与文艺复兴盛行的庄重的肖像画不360问答同，他选取富于表现力的刹那间嬉笑神茶牛情来描绘，速写式的轻快笔程触，活灵活现地点染出一位性格爽朗、欢快俏皮的吉卜赛女人形象，观众仿佛能听到她的笑声。他自由的画法，可以与二多年后的印象主义者相比美。 群像画在荷兰特别流行，哈尔斯在确立这种肖像画样式上做出了巨大的贡献。民团是荷兰的一种武装力量，各复找甚几旧音起阿怀电验个城市的民团往往请画家描绘成员集体的形象。哈尔斯为哈莱姆城民团画过三幅群像画，《圣乔治民团的宴会》(1616)是其中的第一幅。在这件歌颂性作负考品中，人物组合得较为自然，随意而又不乏庄重，体现出他们集体的风貌。哈尔斯运用光席永门算深重的黑色和明亮的白色来增加画面的力度，使作品显得相当明快。 2、伦勃朗 与专精肖像画的哈尔斯不同，也与众多局限在其一狭窄范围内的荷兰画家不同，伦勃朗(Van Rijn RembrandtHarmense,1609–69)在各类绘画体裁上都有惊人的贡献，从创作的广度和深度来看，他是当之无愧的最伟大的荷远副黑落天兰画家。 伦勃朗在故乡莱顿城度过最初的艺术生涯，通过老师拉斯特曼，之跑院规神假烧宪他认识了意大利美术扬季，而卡拉瓦乔的明暗对照法，则大大有助于他找到自己独特的造型语言。 《浪子回头》 1669 《耶稣治愈病人》 1648-16历集罗买硫粒50 17世纪30年代，他移居荷兰最重要的城市阿姆斯特丹后，绘制了群像画《杜普教授的解剖学课》(1632)。画面上，一群人正听着这位本名皮特松的著名解剖学家讲课，明亮的击陆额值短光线落在杜普教授的面孔和双手上，也落在每个人物的面孔和那具尸体上，而次要的一切则被投人在一片昏暗中。这种表现手法有力突出了塑造得十院升分真实生动的人物形象，它源于卡拉瓦乔，欢天态对往跑刑但更自然，更具表现力。 这幅画使伦勃朗一举成名，定件源源而来。1634年他娶了富家女莎士基姬。这一时期，伦勃朗享受着一位深受欢迎的画家所能获得的快乐和舒适。 《夜巡》(1642) 十年后，不断探索的伦勃朗，创作了另一幅斤研群像画《夜巡》(1642)，把富于戏剧性的历史画因素引人其中，对荷兰群像画的程式进行了大胆改造。与看得清每个人物面孔的《圣乔治民团的宴会》和《杜普教授的解剖学课》不同，这幅画丝毫没有”照相”的意味，其中所有人物部从属于集体的一次活动并受艺术效果的支配。伦勃朗特有的运用光线的手法，在这儿得到更充分的发挥，成为渲染气氛、创造空间、强调重点、刻画人物、塑造形体的有力手段。 传说这幅画的新颖之处带给他不幸，虽不无夸张，但此后伦勃朗不再时髦，却是事实。从他后来的创作成果看，似乎证实着我国古代流行的一种观念–诗穷而后工。摆脱掉成功带来的束缚，伦勃朗转向了自己的内心世界，专注于营造自己的艺术天地。 在孤独中，伦勃朗以自己和亲友为模特儿，创作了一系列感人至深的肖像画。伦勃朗克服掉早期有时难免的浮华气息，不再考虑外在效果，一心一意捕捉人物的精神气质，挖掘他们内在的美。正是这种追求更深刻更永恒事物的作法，使伦勃朗肖像画具有了不朽生命力。把萨金特笔法潇洒的名媛贵妇肖像摆在他的《自画像》(约1665)旁边比较一下，就更能让人们体味到这一点。17世纪的肖像画大家，各有其动人风采，但在展示人物丰富的内心世界方面，却都不如伦勃朗。 ←《自画像》(1660) 注重表现人物内心世界的特色，也能够在伦勃朗大量的宗教画上看到。我们知道，在新教徒心目中，《圣经》是真正的精神之源，作为新教徒的伦勃朗是个宗教感情深厚的画家，他反复研读过这本圣书，他的真诚体验和仁爱胸怀，使他笔下的宗教世界显得格外挚朴、深沉、耐人寻味。在意大利的众多宗教画中，是找不到《基督在以马件斯》(1648)、《浪子归家》(约1669)这样的作品的。 体现在他油画作品中的关怀普通人的爱心，也流露在铜版画《基督救治病人》(约1648–1650)上。伦勃朗是丢勒之后又一位版画大师，但同丢勒相比，他的铜版画显得更简括、更灵活。在某种程度上，它们与他那些极富表现力的素描有共同之处。这两者也是他艺术遗产中极为珍贵的一部分。 3、风俗画家和维米尔 在意大利那样的国家里，风俗画可以说是不存在的;但在荷兰，这种描绘日常生活场面的绘画非常受人喜爱，不少城市都有自己的风俗画家，其中以德尔夫特城的风俗画家成就最为突出。尽管风俗画再现了不同的生活场景，但它最偏爱的题材还是宁静的家庭生活。 霍赫(Pieter de Hooch或Hoogh，1629–1684)生于鹿特丹，可他最著名的作品却是在德尔夫特创作的。《庭院》(1658)这幅画，以精确细腻的刻画展示了荷兰妇女的家庭生活。在整洁的庭院一角，一位母亲拉着孩子走下台阶，与此相反，过道中站立着另一位背向观众的妇女，这一明一暗、一动一静的处理，在生动传达令荷兰人迷恋的和平舒适的生活理想方面发挥了不小作用。 ←《衣橱》(1663) 特尔鲍赫(Gerard Terborch,1617–81)也是再现安逸室内生活的能手。特尔鲍赫的最佳作品，主要是在他定居代芬特尔后绘制的。他特别擅长描绘丝绸等织物，表现它们特殊的光泽和质感。他以精细的笔法，津津有味地描绘室内农饰华丽的妇女和陪伴着她们的男子，为后人留下富裕荷兰人生活一个侧面的写照。 另一些风俗画家，如在法兰德斯安特卫普工作的布鲁威尔(Adrian Brouwer,/1606–1638)，以及哈莱姆的奥斯塔德(Adrian van Ostade,1610–1685)，则把精力放在描绘那些洋溢着豪放、粗俗的欢乐气息的底层人生活图景上，他们的创作道路，继承了布吕盖尔在16世纪确立的传统。 伦勃朗的同乡、奥斯塔德的弟子扬·斯丁(Jam Steen,1626–1679)是位创造力极为旺盛的画家。为了维持生计，他经营了一个小酒店，这给他提供了丰富的创作素材。扬·斯丁精于叙事，这个特点不难在他大量表现热闹欢快的民俗场面的绘画中发现。 面对这批荷兰”小名家”的作品，尽管我们会钦佩他们生动再现生活场景、如实描绘物质世界的才能和功力，但总不免有种遗憾的感觉:他们的热情是浅薄的、他们的世界是平庸的。当我们转向维米尔(Jan Velmeer，1632–1675)描绘同样场面的风俗画时，就会清楚意识到，对一件艺术作品来说，题材并不怎么重要，关键在于如何表现，在于从中显示出的格调和境界。 维米尔生活和工作在德尔夫特，在荷兰绘画三大师中，他是仅次于伦勃朗的人物。维米尔留传下来的作品只有40幅左右，其中多数都是绘画精品。 维米尔描绘的室内生活场景极其单纯，一两个人物(往往是年轻妇女)静静呆在整洁的室内，光线从侧面的窗子透射进来，将人物笼罩在均匀弥漫的透明空气氛围中。平凡的现实，仿佛得到净化和升华，一切都显得不同凡响，静态的构图、简括的造型、明晰的空间、优美的色调、匀净的光线，组成一个和谐静谣的世界，从中散发出一种超然的、古希腊艺术般的清新气息。 《画室》 (约1665–1670) 与大多数风俗画家不同，维米尔并不着力描绘情节和讲述故事，他更关注形式，借助它来创造一种诗的境界。他的画笔仿佛具有神奇的魔力，画面一经点染，就焕发出独特的动人光彩，普通的生活变成了形与色的美妙组合。同伦勃朗一样，维米尔也是用光的大师，但他并不追求戏剧的效果，而是要用光创造出一个结构明确，条理清晰的天地。他把一些鲜艳娇嫩的亮色编织在这个天地中，从而给它添加了儿分妖媚的风致。《倒奶的厨娘》(约1663)、《称珍珠的妇人》(约1665)、《拿水罐的少妇》(约1665)、《画室》(约1665–1670)等作品，都反映了维米尔的特色。 维米尔和伦勃朗，都非专门化的风景画家，但他们都创作过美妙的风景画。维米尔的《德尔夫特景色》(约1660)放在任何一位荷兰风景画家的佳作旁边，决不会显得逊色，在这幅以水平和垂直线构成的作品中，他以平和的态度传达出这座荷兰城市宁静的美。 4、风景画家 争得自由和独立的荷兰人，热爱他们生活的国土，喜欢描绘祖国风貌的绘画作品。在这种形势下，一大批风景画家应运而生，通过他们的努力，荷兰风景画得到蓬勃发展。像其它体裁的画家一样，这些画家各有其擅长的领域，每个人往往守住他那受欢迎的题材，在这个范围内反复挖掘。我们知道，在17世纪从事理想风景画创作的法国画家和意大利画家，都是在画室中凭记忆或速写稿绘制风景画的。荷兰的风景画家，尽管更忠实地表现自然的本来面目，但也是在画室中从事创作的，真正面对实景写生创作，那是很久以后的事。 戈延(Jan van Goyen,l596–1656)是第一代风景画家中的佼佼者，他擅长表现江河景色。他的名作《乡村景色》(约1645)，真实地再现了荷兰的自然风貌。云天占据着大部分画面，压得很低的视平线把观众与河边景象拉近了，这种构图方式，成为荷兰风景画中常见的手法。 与戈延同属一代的萨恩列达姆(Pieter Saenredam,l597–1665)是一位很特殊的画家。绝大多数风景画家描绘的都是露天的自然景色，当他们表现建筑物时，往往也是描绘它们的外观。萨恩列达姆却与此不同，他喜欢表现建筑物内部。一看他那四壁洁白的《圣巴沃教堂》(1660)等作品，就会对崇尚简朴的荷兰新教精神有所体味。在这样的环境中，无法产生意大利那样的美术。萨恩列达姆精于再现建筑空间的才能，在他一系列描绘教堂内景的作品上得到了充分发挥。 荷兰风景画全盛时期的代表人物，首推勒依斯达尔(Jacobvan Ruisdael,/1629–1682)和他的学生霍贝玛(Meyndert Hobbema,1638–1709)。 勒依斯达尔生在哈莱姆城，1657年移居阿姆斯特丹，在那里，他收了一批弟子，其中就包括霍贝玛。勒依斯达尔描绘的题材较为多样，在那些运用并不算怎么丰富的色彩描绘的风景画中，他生动地传达出变化中的自然形态、光线、氛围，并把主观感受融入客观景物。《哈莱姆风光》(约1670)以开阔的构图展现出这个城市郊外的景致，高远的天空上移动着层层云片，阳光从云隙间投射下来，使地上的景色具有了强烈对比，整个作品于生动中洋溢着一种戏剧性感觉。 ←《韦克的风车》(1665) 跟著名的老师相比，霍贝玛的绘画显得更加平和。他的代表作《米德尔哈尼斯林荫道》(1689)具有古典式的均衡和明晰，构图处理有力地表现出空间的推移，使人获得身临其境的感受，成为运用透视法的典范。 ←《米德尔哈尼斯林荫道》(1689) 5、静物画家 作为独立的绘画品种，静物画是在17世纪才确立和流行起来的。虽然早在古罗马出现过静物画，但继承古典传统的文艺复兴时期的意大利画家，从没把它当作一回事。在这种态度影响之下，17世纪的许多画家仍然很少从事静物创作，只有荷兰情况不同。由于热爱家庭生活的荷兰人对与此相关的物品感 兴趣，促使不少荷兰画家投人静物画创作，从而使这个绘画体裁在美术史上占有了一席之地。 在哈莱姆工作的克莱茨(Pieter Claesz，/1598–1661)和海达(Willem Claesz Heda,/1682)是描绘餐桌物品的名家，他们以精细的笔法表现出玻璃酒杯、金属盘盏、餐刀及各种食物的形状和质感。前者的《早餐用品》(1637)和后者的《静物》(约1648)，能让人看到他们的共同特色。 比他们略为年轻一些的黑姆(Jan Davidsz de Heem,/1684)，也是位著名静物画家。同前述两位画家相比，他描绘的题材比较广泛，构图处理上更为轻松。 生于鹿特丹的卡夫(Willem Kaif,l619–1693)或许是荷兰静物画家中最杰出的人物。他主要是在阿姆斯特丹从事创作活动的。卡夫的作品以善于用光布色著称，整体上更加概括单纯，从某种程度上，仿佛综合了伦勃朗和维米尔的一些特点。 顺便说一句，伦勃朗并非静物画家，但他笔法道劲的《剥皮的牛》(1655)却是静物画的杰作，从中流溢出来的戏剧性激情和纪念性气势，都是上述静物画专家无法企及的。
