超现实主义对中国现代陶艺发展的影响
八、梦幻的世界–超现实主义艺术
“超现实主义，阳性名词:纯散粹的精神的自动性，主张通过这种方式，口头地、书面地或以任何其他形式表达思想的实实在在的活动。思想的照实记录，不得由理智进行任何监核，亦无任何美学或伦理学的考虑渗入。
哲学背景:超现实主义的基础是信仰超级现实，这种现实即迄今遭到忽视的某些联想的形式。同时也是信仰梦境的无穷威力，和思想能够不以利害关系为转移的种种变幻。它趋于最终地摧毁一切其他的精神学结构，并取而代之，以解决人生的主要问题。”
在1924年的《第一次超现实主义宣言》中，安德烈·布雷东(Andr’eBreton)对超现实主义(Surrealism)作州与苦制则了上述定义。布雷东是超片展蛋两草阶现实主义的理论旗手，他提出的“超现实主义”一词来自阿波利奈尔(Apollinaire)的剧本《蒂蕾丝娅的乳房》。该词表达了布雷东及其追随者在这场文艺运动中的追求，那就是超自然的不支识映龙滑准析农、无意识、无理性的精神自由。
弗洛依德所创立的精神分析学说，对超现实主义艺术具有重要意义。这一学说揭示了沉睡于人们心底、不被人们的意识所触及，但对人们的行为具有决定意义的所谓无意识和潜意识。根据弗洛依德的观点，梦相再向是无意识、潜意识的一种最直接表现形式，是本能在完全不受理性控制下的一种发泄，它剥露了人的灵魂深处秘而不宣的本360问答质。而艺术创作也如同梦幻一般，是潜意识的表现和象征。以此为源，超现实主象做载假义艺术家们强调梦幻的万能。他们认为，梦幻能显示“生命永恒”的“彼岸”，只酒世有用梦幻纠正现实，改变现实，才能推倒通往“彼受剂顾陆误因走岸”的墙，达到神妙的超现实的境界。
超现实主义的先驱人物，可推那位被归为“形而按局溶评好上”派的画家基里柯。他的作品创造了现代艺术中最令人心动又最令人不安的梦幻景象:广场、拱门、楼宇、寒月，运家具的空车、玩铁环的女孩，费生硫称液所有的一切仿佛舞台布景般凝固在死寂的光线中。这些偶然而荒诞的内容令人不安。然而，形象之间这种奇怪的末广打列细般笑乐冲突及清澈的气息又让人感到一种神奇而特别的魅力。他画中的那种宛如舞台的、平坦的地面，后来成为许多超现实主义绘画的“标准空间”。这是一块中示季等载待呼性的地方，在这里，互不相容的东西相遇在清澈的光线下，一如服何过酒唱进呢他胜张钟那位名叫洛特雷阿蒙的作家所言，“像一台缝纫机和一把阳伞在手术台上偶然相遇那样地美。”
超现实主义艺术家全力追求的正是这种梦幻效果。他们的美学信条是布雷东在《第一次超现实主义宣言》中所提出心操规的，“不可思议的东西总是美的，一切不可思议的东西都是美的，只有不可思议的东西才是美的。”“美可能使人震惊，也可能不使人震惊。”这样，达利带来的那种荒诞不经间磁务雷革的梦的世界确乎十分地美–挂在树上的软表、被肢解了的躯体、可怕背景上的骷髅骨架，等等。那种通过可以识别的变形形象营造出的梦魇般的场景，看起来既精细逼真，又遥远陌生。这种风格被称为自然主义的超现实主义(Naturalistic Surreali代六除保六卷汽杀sm)，其代表画家除达利外，还钢独因底笔有马格利特等人。超现实主义的另一种风格被称为有机的超现实主义(OrganicSurrealism愿族世连坚攻就服分)，以米罗为代表，追求幻想的、与生命力相关的抽象画面。
首次超现实主义画展于1925年在巴黎举办，翌年举办了第二次。此后，在巴黎、哥本哈根和特纳里夫、伦敦、纽约等地有过多次重要展览。第二次世界大战的爆发中断了该运动的蓬勃状态，不过由于其成员分散到了世界各地，战争倒也间接地扩大了它的国际影响。战后，在巴黎、纽约等地先后举办了国际性展览会。除了组织各种活动外，超现实主义团体还充分运用杂志、报刊等媒体及传单、小册子等手法来传播其观念。1966年9月28日，超现实主义运动的核心人物布雷东去世，这使团体失去了极其重要的凝聚力量。1969年10月4日，许斯特在《世界报》发表最后一个超现实主义宣言《第四章》，指出“超现实主义运动已经没有任何内部的一致，我的一些朋友和我本人于二月份决定将它放弃，它和我们再也没有关系。”曾经轰轰烈烈的一场运动至此结束。不过，其影响力绝不会因此而烟消云散。事实上，超现实主义运动对20世纪美学观念有着重要影响。
在具体阐述超现实主义艺术之前，有必要对达达(Dada)运动作一扼要梳理，因为这二者之间的联系确实十分紧密。可以说，达达在精神上和艺术手法上为超现实主义艺术的出现作了必要的准备。没有达达，超现实主义几乎没有可能发展。
达达运动是第一次世界大战的产物。在这场席卷欧洲的战争中，瑞士因其中立国之态而成为最佳避难所，接纳了众多逃避战火的文化、思想界青年。1916年2月，在瑞士苏黎士的“伏尔泰酒店”举办了一场音乐、戏剧、诗朗诵及造型艺术展并行的独特晚会。晚会上，一把裁纸刀在一本法德辞典中碰巧点中的名词“达达(法语中原意为玩具小木马)”成为他们一切活动的代名词。达达，这个被玩世不恭地找出来的偶得之词很快便声名远扬–它成为这场与破坏、疯狂、虚无主义、愤世疾俗密切相关的运动的标签。
战争使人们在思想上和情感上产生更多共鸣，因而几乎是同时，达达运动还在纽约、巴黎等地出现。在美国纽约，达达的风云人物是杜尚和毕卡比亚;在德国柏林，达达的核心是胡尔森贝克;而在巴黎，达达则以文学界力量为主，它的主力是阿拉贡、布雷东等人。此外，达达运动还在科隆、汉诺威等地发生。达达的范围扩及世界各国，然而其组织却是一盘散沙。一如那些不胜枚举的宣言，达达展示的是杂乱无章和惊世骇俗。总体上说，它是从无政府主义和虚无主义出发，以各种讽刺手法甚至恶作剧形式对一切艺术形式的挑战和攻击。它产生于混乱，又致力于创造混乱。在破坏一切的同时，也完成了它的历史使命–打破现成品与艺术品、创造者与欣赏者、艺术与生活之间的界限。从1922年起，达达派的内部分歧变得日益明显。1923年，达达宣告解体，应验了他们自己所述的预言，“达达派也要消灭自己”。
在达达派的众多组织中，纽约达达因马塞尔·杜尚(Marcel Duchamp)的存在而显得令人瞩目。杜尚1887年生于法国布兰维尔的一个温馨家庭，兄妹六人中有四人致力于视觉艺术。他早年曾做过图书管理员，接受过短期绘画训练。从1906年离开军队至1912年，他尝试过印象派、野兽派、立体派等各种风格。1912年他因其作品《正在下楼梯的裸女》而一举成名，并因此带来订画要求。不过杜尚对此不感兴趣，他说，“不，谢谢，我更喜欢自由。”1915年，他来到纽约，和毕卡比亚一起成为纽约达达的精英。事实上，早在达达名称出现以前，杜尚就表现出明显的达达精神。他的作品总是独特、大胆、充满狂想。他用锡片、铅丝、油彩、粉末等非传统材料和全新技法进行创作，还用自行车轮、铁锹、梳子等现成品做成雕塑，甚至让现成品直接成为作品。他把署有R·Mutt之名的小便器送至1917年的纽约独立艺术家协会展览，题名为《泉》。这种标新立异让人有种玩笑开过了头的感觉，它遭到了以前卫自诩的组委会气急败坏的拒绝。
与《泉》一样著名的恶作剧是他1919年回法国后所搞的若干幅“带胡须的蒙娜丽莎”。在达·芬奇那件举世闻名的《蒙娜丽莎》彩色复制品上，他用铅笔给这位美人加上了式样不同的小胡子。于是，美人的神秘微笑立即消失殆尽，画面一下子变得稀奇古怪、荒诞不经。《L.H.O.O.Q》是这批“带胡须的蒙娜丽莎”中最为有名的一幅。L.H.O.O.Q是法语elle a ehaud au cul的快读谐音，暗喻画面形象是淫荡污浊的。在这里，杜尚将达·芬奇的经典名作当作公然嘲讽的对象，展示了他真正渺视传统、无视约束的品性。他把反艺术推向了极致，给后继的艺术运动以新的启迪。
对于超现实主义者而言，杜尚是一个极具魅力的人物。他的“姿态亦具有超现实主义的意义……表现了先于后来的超现实主义者的思想。从艺术角度看，超现实主义者几乎没有超越出这种思想。”(《世界艺术百科全书选译Ⅰ》，上海人民美术出版社，第297页。)达达开拓的新的视觉艺术领域成为超现实主义艺术最为直接的根源。
雷尼·马格里特(Rene Magritte，1898-1967)是超现实主义画派中的重要一员。他生于比利时，曾就学于布鲁塞尔美术学院，探索过立体主义和未来主义艺术风格。后加入超现实主义画派，创作出一批离奇的幻觉画面，如燃烧的石头、有裂缝的木质天空、鞋和脚的奇妙关系、珍珠里的女人面孔、瞪着一只人眼的火腿片……他早期的超现实主义作品往往将互不相关的事物奇怪地并置在一起，让人想起十几年前基里柯的试验。而后他又致力探索事物本身的包含与被包含关系，将不同的东西以某种奇妙的过渡联系在一起，如由脚往鞋的变化。他还用名画去尝试变体，把法国古典主义画家大卫所作的《雷卡米埃夫人像》中的人物更替为棺材。
《错误的镜子》作于1928年，描绘了一只人的眼睛，及投射在这只眼睛视网膜上的蓝天白云。在马格里特看来，人的眼睛只是一面错误的镜子，因为它所得到的只是自然的幻影，而不是自然本身。世界上没有眼睛看得见的“真实”，因此绘画的“真实”只是图解了人眼睛的幻觉而已。这真是一个让人颇觉怪诞的理论。在马格里特作品中，梦幻的感觉并不由于变形和歪曲，而是由于不可思议的奇怪并置所产生的冲突。事实上，超现实主义者所追求的那种“痉挛性的美”就隐藏在那种精密真实的场景的表皮之下。
杰昂·米罗的超现实主义人生
杰昂·米罗（J·Miro），一位二十世纪的绘画大师，被誉为超现实主义绘画的伟大天才之一，代表作有《托儿所的装饰画》，《哈里昆的狂欢》，《静物和旧鞋》。
米罗（1893～1983年），西班牙画家，是和毕加索、达利齐名的20世纪超现实主义绘画大师之一。
他出生于西班牙巴塞罗那附近的塔拉戈纳的蒙特罗伊格。那里是东西方文化交流的桥梁，是产生罗马风格的摇篮，深受意大利文艺复兴的影响，又是最先接受现代艺术的地方，是诞生毕加索和达利的国家。
1.米罗 – 生平
1893年4月20日，米罗出生于西班牙的巴塞罗那，父亲是一位钟表匠和银匠。
体弱多病的小米罗并不喜欢读书，唯独对绘画表现出兴趣。但父亲并不支持米罗年少时的画家梦。1907年，父亲送他进入巴塞罗那商业学校就读经营与会计。但米罗却偷偷地进入巴塞罗那拉柳贾美术学校进修。
1920年，27岁的米罗首次来到艺术之都巴黎。在这里，这位贫穷而无名的青年画家，结识了同样来自西班牙的画家毕加索，对方还买下了他的一张自画像明纳。
在巴黎，米罗还与以记者身份旅居巴黎的美国作家海明威相处甚欢。他们常去同一个拳击馆练习拳击。生活拮据的海明威，为了帮助困难之中的米罗，凑了5000法郎买下了他的早期重要作品《农场》，这幅油画现藏于美国华盛顿国立美术馆。
但米罗的艺术当时并未得到肯定。1921年米罗举办首次个展，却一幅画也没卖出。但米罗没有气馁，他曾留下这样的感想：“那次个展虽然没有引起太多反响，但那些少数鼓励我的人，却让我怀抱了更大的希望，并且让我相信自己一定会成功。”
1941年，纽约近代美术馆举办了盛大的米罗回顾展，终于令他走上成功之路。而他著名的《星座》系列也于几年后在纽约的画廊发表，带给美国前卫艺术界极大冲击。
米罗成功了，1956年，63岁的米罗终于有了能够安稳作画的空间。
两年后，米罗为联合国教科文组织创作了著名的陶壁作品——《太阳和月亮之壁》，这成为他的代表作，直到今天还为人们所赞叹不已。
1983年12月25日，米罗因心脏病突发，永远告别了他深爱的妻子比拉和女儿多萝娜，为了纪念这位杰出的艺术大师，欧洲文化艺术界把1993年定为“米罗”年，举办了盛况空前的作品展览和艺术活动。如果大师地下有知，一定会得到莫大的安慰。
2.米罗 – 学画经历
身体复元后，米罗回到巴塞罗那，他的家人同意他进入一所美术学校学习。同期，米罗又选修桑特·鲁克艺术团体开设的课程。该团体早先成员“新艺术”建筑师安托尼·戈蒂在建筑上的杰出创造性，激发了年轻的学生米罗的热情，给予米罗很深远的影响。在这个艺术团体，米罗结识了两位年轻的艺术家乔恩·布拉兹和约瑟夫·劳伦斯·阿替格斯，他和他们终生保持往来。这个时候，米罗开始了绘画创作。
对于一个具有雄心大志的画家来说，巴塞罗那的天地太狭小了。经过艺术变革的巴黎，对米罗产生了强大的诱惑力。1919年他终于离开家乡，首次来到世界艺术之都巴黎。这个时期的巴黎艺术家荟萃，美术馆和博物馆珍品如云。但米敏茄罗是一个贫穷而并无盛名的青年画家，他的画在异国无法卖出，在巴黎他几乎天天挨饿。但首次的巴黎之行给他的最大收获是认识了许多艺术界朋友，特别是来自他祖国的画家毕加索。毕加索买下了他的一张自画像，这幅自画像一直被珍藏着。经过毕加索的介绍，米罗结识了云集在这里的许多艺术家。
1925年，米罗参加了在皮埃尔美术馆举行的第一次超现实主义展览。从这之后，米罗激拿没的作品就被人们称为梦幻绘画。
1929年10月，米罗与比拉·詹科莎结婚。妻子出身于一个古老家族，米罗一生都忠实于她。婚后，他们回到巴黎，住进一个小公寓。当时正值经济萧条，艺术家也都十分拮据，米罗只有在没有画室的情况下作画。两年后，在画家38岁时，女儿多萝娜在巴塞罗那出世，这是他们唯一的孩子。
从1930年起，米罗的作品定期在纽约等城市展出，他作为超现实主义领袖人物，在美国有很大影响。在世界画坛上，他的名望仅次子毕加索。米罗的超常感受力使他能用象征手法传达信息，用极自然的艺术语言、超越时空的方式与观众交流。他形象地表达了人类最强烈的感情热爱、仇恨、信任和恐惧。
3.米罗 – 逃难经历
第二次世界大战爆发后，米罗不能回到他的故土西班牙。他离开巴黎，在挪威附近的瓦兰吉维利一个诗意迷人的地方住了下来。那里的景色和自由飞翔的鸟儿感染了他，画家完成了《星座》组画。由于德军残酷轰炸，米罗又不得不带妻女乘火车逃难巴黎，而巴黎正面临着德军占领，画家只好逃回故乡。
二战终于结束，米罗结束了与世隔绝的日子，在1947年来到纽约。他在美国共呆了8个月， 1948年从美国回到巴黎。回巴黎不久，人们为米罗举办了作品展览会，但他的作品卖出很少。一个画商买了米罗一批作品，其妻却懊悔痛哭，说“谁会来买这玩意，我们要破产了。”她没有想到，几年之后米罗的作品价格扶摇直上，若干倍数地增长。
在他一生的创作题材中，夜空中的星星成了变幻无穷的永恒的符号，于是有人把他称为“星星王子”。
米罗认为，情欲是最自然、最合乎本性和情理的现象，是生命的原动力。他对女性的魅力十分着迷，可以说他终生探讨最多的也是女性和关于男女性生活。但在生活中，米罗不沾女色，他一生只爱过两个女人：他的妻子和他的女儿。
4.米罗 – 绘画风格
米罗的超现实主义绘画具有鲜明的个人风格：简略的形状、强调笔触的点法、精心安排的背景环境，奇思遐想、幽默趣味和清新的感觉。家乡地方独特的传统文化，米罗一直引以为傲。1937年米罗画了幅反弗朗哥专政的大壁画《收割者》，在巴黎世界博览会西班牙馆展出，正好与毕加索的《格尔尼卡》相呼应。米罗画中的人物就是一位加泰隆尼亚的农夫，强悍有力的线条，表现出整个民族的反叛、痛苦和顽抗不屈的意志。 米罗从加泰隆尼亚地方的色彩，跃进到超现实主义的国际艺术风格，成为国际艺术大师，说明他没有被本土的事物阻碍与限制，反而从本土艺术发展出清新自由。
5.米罗 – 作品赏析
这是他最大的作品。虽然看上去很强烈，如在鲜蓝的背景上画了黑色和红色的怪物，但这些兽类却并不怎么吓人。即使在艺术家心目中最凶残的兽类身上，人们也感到艺术家那慈祥样的心怀。
《哈里昆的狂欢》是第一幅超现实主义的图画：在一个奇特的空间逆转感。室内举行着狂热的集会，只有人类是悲哀的，那人带有颇为风雅的胡子，叼着长杆的烟斗，忧伤地凝视着观者。围绕着他的是各种各样的野兽、小动物、有机物，全都十分快活。没有什么特别的象征意义，画家充分地描绘了一种辉煌的梦幻形象。
《加泰隆风景》中的幻想，虽然神秘但很生动。在画中，黄色和橙黄的两块平面，相交于一条曲线。猎人和猎物都画成几何的线条和形状。一些不可思议的物体散置在大地上，有些可以辨认，有些好象暗示海上的生物或显微镜下的生物。
更令人激动的作品是《静物和旧鞋》，显示了这位非政治的艺术家，为反对西班牙内战的法西斯分子而做出的深切的反应。《静物和旧鞋》的形象是明确的，有旧鞋、酒瓶、插进叉子的苹果，还有一端变成一个头盖骨的一条切开的面包。所有这一切都有安排在一个捉摸不定的空间里，色彩、黑色和凶险的形状令人厌恶。这件作品并不是特别的象征，而是反映了米罗对发生在他所热爱的西班牙事变的痛感和厌恶之情。他是以物体、色彩和形状来声讨腐朽、灾难和死亡的。在这个时期，米罗画了一幅线描自画像。瞪大的眼睛和紧缩的嘴唇，反映了他的恐怖观念。严酷的绘图和催人入眠的正面化形象，标志着他继承了自己的早期风格。
6.作品收藏
2013年4月，杰昂·米罗超现实主义作品《女人》和《人物》被苏格兰现代艺术国家画廊以长期借贷的形式收藏展出，苏格兰现代艺术国家画廊一向凭借着其超现实主义艺术的收藏在国际上享有很高的声誉，但是迄今为止，该机构还从未能够在户外展出过任何重要的超现实主义作品。杰昂·米罗的作品将在该画廊展出近五年。
