我们都是俗人
记录至张法中老师的《张法中讲中国美术史》
喜马拉雅地址
最近在录人间艺术指南的时候，聊到了大卫的《里卡米耶夫人》，录完之后就有一个工作人员走来问我，说：张老师，我怎么觉得大卫的学生热拉尔那个画的好像更好看一点呢，是不是因为我太俗了。以前我们讲安格尔的时候其实我是提到过这个事的，听过的朋友应该还会记得，如果有一些听众只听过中国美术史，可以去西方艺术史听安格尔那几集 。
同样是夫人的肖像， 热拉尔和他的老师比灶肆纳起来画的更加甜美，更有女性性征。这些表象对于巴黎著名的交际花来说，这都是女性魅力的必须品。如果没有好身材，好样貌，没有甜蜜而且暧昧的的微笑，也许他的爱慕者就会少很多，那么作为沙龙女王就会失去自己的魅力。环境和定位决定了她的审美，她选择了热拉尔就是选择了自己的一种姿态，这个姿态是用于满足大多数男性心目中的那个优质女人形象。但是当你选择了一时的美，就要承担美离开你之后的后果。当里卡米耶夫人年华老去，曾经哪些围绕着他的男人们也就各自另寻新欢。大卫给他画的那副肖像自始至终她都没有接受，大卫画的太素了，他的确为夫人塑造了一个高贵的形象，但是摒弃的是一切作为修饰的外表。大卫以为他面对的这一位是一个和他有一样理想化的女性，但是在当时物质的欧洲哪有几个人能有他那样的觉悟呢。
前两天我又看到张曼玉了，已经很长时间也没有看到过她了。这次焗了一个火红的橙色头发一件披衣，举首之间还是有那么一点害羞，我们能看出来他的年龄，很明显老了； 但是仍然魅力十足，我并不了解张曼玉，但是我喜欢她年轻时候的美，现在也美，以后也一定会很美。在那层易逝的青春下面，我们可以看到那个不老的灵魂，相比之下了，她同时代的女明星们就会显得粗俗不堪。在东北我们经常会看到这样的一些姑娘，长得很漂亮，穿着貂皮，画着浓妆，低头吐痰，回头骂街，我们不会认为这样的姑娘长得不漂亮，但是会认为他很俗。
说到俗这个事，到底什么是俗，我想去简单的解释下，我们首先要确定一件事就是我们每一个人都是俗人，我也是。俗的意思就是沉溺在某种文化的模型中无法自知，并且主动的屏蔽此文化以外的其他文化。俗实际上是一种无知，一种蒙昧和虚假，但是没有任何一个人天生就是俗的，同样的道理也没有任何人天生就是丑的，即使他是一个畸形，我们认为他丑，也是因为我们的通俗文化认为畸形是丑的，在远古时期，今天的文化还没有出现的时候，畸形的人往往会被冠与某些神秘的信息从而会受到更多的人喜爱，所有的俗或者是丑，都是来源于文化认知。
前两天我去看卡普尔的展览，展览介绍里有一句话，他说我希望我的作品可以在文化之外找到共鸣，我觉得隐没这句话说的非常非常的好也非常的深刻。文化不是语文和数学，文化是人们共同构建的某一种秩序，比如说，我们经常提到的杀马特文化，那个就是由哪些低认知水平的青年人构建的，一种沉迷于受伤、边缘、小集体和幻想的文化，进入这种文化就要厌弃乐观，厌弃大众。小资也是一种文化，小资指的是由中产阶级构建的沉迷于优雅、抒情和精致的文化，信仰小资文化你就要厌弃粗糙厌弃冒险。不管是哪种文化，当你完全相信他的时候你就会不自觉的依照他的标准来改变自己并且自觉的去排斥其他的选择。杀马特们留着怪异的发型，可能喝两杯酒就会痛哭，然后他们在公共场合里面大声的放自己的音乐，这些其实都不是他们个人的爱好，而是他们的文化赋予他的标志。小资们到丽江或者到西藏旅行，带着墨镜拍出优雅的留念，他们的朋友圈里面偶尔会发一些鸡汤，喜欢什么的时候最常用的语言就是“感动的流下泪水”，所有这些也都不是他们的个人选择，而是小资文化替他们塑造的模型。
更大的文化比如儒家文化，基督教文化或者穆斯林文化，这些都一样，所有文化的终极目的就是为了同化人，通过约束自我来获得秩序。然而，每一个自我都是原始的、宏大的、充满了危险和创造力，就像一片动荡的大地，文化要在上面盖墙，厚的，薄的、石头的，或者是泥巴，然后再雹帆用他们围起一个又一个的屋子。
笃信一种文化就像进入其中一间屋子，从而你可以认识这一块地面，收获认同，收获意义，但是代价就会变得狭隘和目盲。俗就是无法透过这些墙壁看到更多的本质，无法透过文化的狭隘去寻找真正的价值，这些墙壁里面其实有一些很脆弱，大多数人都可以轻易的击碎其中一两道从而去扩大自我的认知扩大自由意志的领土，但是除了传说里面那些人物，没有任何一个人可以击碎所有的墙，这就是为什么说所有人都是俗人的原因。俗有好处也有坏处，好处就是俗可以帮助你获得简单的满足，让人不至于太早的去结束这个没有意义的人生，但是坏处就是即使你可以活出漫长的人生但他的质量仍然是轻飘飘的。
那反过来我们猜想中的雅，也有好处和坏处，好处就是他内心的丰盈，坏处呢？就是可能会陷入一些消极。所以绝对的雅也许并不怎么适合人类，而我们只是需要在俗的层级里面走的稍微高一点就可以了。俗肯定是有层级的，击碎更多的墙壁去获得更多的认知一定会变得更高级。现在我们再说回开头的里卡米耶夫人，当一个女人信仰物质文化信仰青春是他们的本钱，穿戴是他的武器，那么她就没有办法摆脱对于这些表面信息的迷恋，当然她也无法扭转当这些信息不在了之后那份失落，里卡米耶夫人就是这样，她信仰自己的美貌，信仰围绕他的甜言蜜语，所以她才会拒绝大卫为她画的那副肖像，对她来说大卫的境界她没有看过，她没有办法接收那个又素又丑的肖像。而对于大卫来说，他的文化是击碎了物质文化的那道墙，他知道物质是如何控制人的低级选择，所以他去唾弃光鲜的外表，意图用永恒和崇高来作为自己的信仰。可是大卫他就不俗吗，永恒和崇高同样不也是一种文化吗，同样也是约束自由意志的铜墙铁壁，也仅仅就是比里卡米耶夫人高出一点而已。我们放到更大的范围，在欧洲历史上，有的画家就会比大卫更加高级，比如说老勃鲁盖尔，永恒啊、崇高啊、物质啊，所有这些迷人眼的障碍，老勃鲁盖尔都不放在心上，他去画哪些粗俗的农民，内容虽然粗俗但是他的作品却非常高雅。他没有带着文化的傲慢去审判那些乡巴佬，而是朴实的挖掘那些可贵的真实。无论那些真实是美好的还是丑恶的，美好的就像热情憨厚乐观，丑恶的就像自私贪婪愚蠢。对于老勃鲁盖尔来说，他的很多墙是不存在的，所以他看到的世界更加宽阔，他看到的美也更加全面，他感受到生命本身也更加厚重。勃鲁盖尔的表达都是由衷的很少受到某种文化的影响变得扭曲和虚假，所以我可以确信他比大多数人都要雅。雅不是一种状态，而是探索的行动，是追求真实，不迷信某种文化的决心。
米兰昆德拉曾经描绘过一个词叫刻奇，这个词来自于德语的音译，我们很少有名字以外的外语词是用来音译的，绝大多数的外国词汇都可以在中文里面找到一个相同的词，但是刻奇没有，如果要翻译他的具体的意思的话我们至少需要一大段话才行。我们简单说刻奇是什么，刻奇是指被某种文化所裹挟的迎合。举个例子，当一个人哭不是因为他真的想要哭而是因为他觉得此时此刻他应该哭，这个就是刻奇。他信仰的文化在此刻就是要哭，这个时候他脑海里甚至都想起了背景音乐当他仰望天空的时候好像都可以看到萧瑟的雪花，他以一个丧失自我的状态沉浸在某种假象里面而无法自知。我相信我们大伙一定都见过类似选秀歌手唱歌的时候会发出一些哽咽的声音，摇滚歌手唱一些口水歌都可以砸吉他，还有一些十二三岁的孩子在大街上喊忘了你，我再也不爱了，所有这些都是刻奇，也就是俗。我们今天这个媒体时代让刻奇变得无处不在媒体他无时无刻不在输出文化，塑造某一种生活姿态，人们就不自觉的跟着模仿。越来越多的虚情假意，越来越多的廉价泪水，慢慢的我们就没有几个人想知道自己到底是谁了。
勃鲁盖尔有两个儿子，长子叫小彼得，小彼得继承了他父亲的风格，仍然去画乡间故事，但是已经没有了上一辈的真诚。他画的画就像假哭假笑一样令人反感。他的次子叫杨勃鲁盖尔选择离开农村来到城市，他和鲁本斯的关系很近，专门从事花鸟绘画。他的花鸟在当时非常受欢迎，但是离开农村也好，受欢迎也好，都不意味着他比他的父亲更加高雅，从画里面我们可以看出来，过于好看的外表之下，已经失去了那棵真正高贵的心，也不只是杨，当时大多数低级地区的画家都在从事漂亮的花鸟绘画，他们画的花都是长盛不衰的，像今天的塑料花一样精致、鲜艳，但是没有一丝花香，他们画的餐具晶莹剔透、质感十足，但是没有办法喂饱饥饿的灵魂。再这样的环境下居然出现了伦勃朗所以他是一个大师。
我们可以说在文艺复兴以后，西方艺术集体迷失了。在物质主义的裹挟之下，忘记了艺术的本意，醉倒在了旋转的物质迷惑当中。如果我们要分析他们堕落的原因的话，你会发现快速积累的财富和被打破的阶级壁垒都起了作用。当时所有人都被这种兴奋感驱使着，不停的索取，贪婪遍布整个社会，无论是人还是艺术。杨勃鲁盖尔的花卉很直白的反应了一种贪婪，他恨不得把每一种颜色的花都要插进花瓶里，恨不得把一切他看到的全部都表现出来，是不是有点像我们今天人们眼中闪着金光恶狠狠的要吞下世界的样子。
彼得·保罗·鲁本斯的人物生
彼得·保罗·鲁本斯1577年6月28范矿题手立和密日生于德国锡根，具体诞生日实著期仅见于其死后9药失满其七宣系助题形年出版的一幅铜版画，来源存疑，可能是因为6月29日是圣伯多禄和圣保禄的纪念日。
鲁本斯在拉丁文学校来自von Rumoldus Verdonck学习，能阅读古希腊罗马书籍原著。也曾在一个伯爵夫人家里做侍童，因此有机会接受正统的贵族式教360问答育，懂得了上流社会礼仪习俗，而且学会了为人处事，精通多种语言界宽。1592年开始在母亲的安排下学习绘画，先后从师风景画家维尔哈希特、多才多艺的画家阿达姆·凡·诺尔特以及Otto van Veen，在他们的门下学习了4年时间，打下了坚实的绘画基础，不久又成为从罗马归来的维尼乌斯的弟子，使鲁本斯受益很大，这使年轻画家对意大利，特别是罗马充满美好的向往。1598年结束学业，加入安特卫普圣路加公会，成为正式画家。
父亲扬·鲁本斯（1530～1587）是在意大利接受教育的安特卫普法学家和舍芬型陪审官，和妻子玛丽亚一共育有6子，改宗新教后为握如逃避迫害而流亡德国。全家暂居锡根，1578年移居科隆。
1587年扬·鲁本斯去世后，12岁的彼得·保罗·鲁本斯跟随母亲回到了西班牙统治下的家乡安特卫普，并在那里接受了天主教洗礼，此后终生未曾改变信仰，而宗教也出育成为画家生涯中十分重要的一个主题。 1600年鲁本斯前往意大利深造，未几就获得曼托瓦公爵Vincenzo Gonzaga青地睐，待诏宫廷，从而有缘得见密藏 。因为鲁本斯并不打算终老曼托瓦，所以他拨冗造访意大利各地，尤其是罗马、佛罗伦萨、热那亚。在罗马，鲁本斯以不懈的热情研习古罗马的雕塑和文艺复兴全盛期的绘画，特别是拉斐尔·桑西和米开朗基罗 。鉴于这两位大师的行制知卷验很多杰作都是湿壁画，故而这种经历是在任何地方都无法替代的，堪称其画家修业的完美结束。1601年至1602年住客困第一次旅居梵蒂冈期间为位于罗马的耶路撒冷圣十字圣殿绘制了3幅祭坛画 （现存格拉斯的医院）。
1603年公爵派遣鲁本斯出使西班牙，期间完成名作《莱尔马公爵骑马像》 ，现存普拉多博物馆 。画束耐委究热川家还籍此一睹西班牙皇室收藏，其中就包括提香·韦切利奥的大批油画 。
1605年底鲁本斯再访罗马，计划在此停留3年。他被委托为罗马的新堂（又名小谷圣母教堂）的主祭坛创作祭坛画，这对于外邦人是极高的荣誉。在其第一稿中容纳了圣母、圣子、圣额我略以及诸位圣黄村陈每低热得压烟权职人，然而细致的人物刻画因为教堂不佳的采光而失去了光彩，画家又以3幅石板绘画代替，原稿现存法国格勒诺布尔的博物馆。在1608年10月祭坛揭幕之前，传来母亲病重的噩耗，鲁本斯立即启程返回安特卫普，未料此后再也不曾踏上意大利的土地。 1609年，鲁本斯回到了佛兰德斯，并开始为大公爵阿尔贝托及其夫人伊莎贝尔·克拉拉·欧仁妮服务。大公爵及其夫人向他订画，绍钢钱频全识上府座钢会同时也给他提供了一些参加外交使团的机会。他自身所具备的文化知识、政治能力、以及作为艺术家所享有的声誉，都使他得以在一些微妙的场合下仍能表现自如。他分别于1603年和1628年两次迁居到西班牙，另外也曾定居过英国和法国。这些经历都有助于扩大他的知名度，更有利于推动他的作品广为流传，同时，也使他得以借机关书沙话司林原号查曾布欣赏到不同种类的绘画作品，更有助于他形成自己别具一格的巴洛克式风格并在作品中加以运用。收藏家们都争相抢购鲁本斯的作品，而这些作品也充斥于欧洲贵族和天主教教士们的生活中，并对当时的美学风格产生了深远的影响。无论是出自画家自己的笔下、还是由他的画室协助绘制的画作，尤其是版画作品，都充分展现了鲁本斯在艺术上的独具特色的艺术魅力，为他在遥远的国度地若此变叶食做送沉，包括美洲大陆，都赢得了广泛的声誉。
1608年他回到安特卫普，次年出任佛兰德斯的统治者伊萨贝拉的宫廷画家，不久便与兵报区人文主义者兼名律师的女儿布兰特结婚，画家为妻子画过不少著名的肖像，过着豪华安定的生活。这种安定的生活使祖联视件哪江连画家投入积极的创作，逐渐形成了自己独特的艺术风格。他特别注重带有旋转的运动感的结构来表现激动觉们半氧人心的场面，他善于运用对比的色调，强烈的明暗和流动的线条来加强材机城够远委诗反盾色这种画面的运动感。其间所作一批以宗教和神话为题材的油画《复活》 、 《爱之园》 、 《强劫留基伯的女儿》 、 《末日审判》等，笔法洒脱自如，整体感强，表明其艺术创作已进入鼎盛阶段。特点是将文艺复兴美术的高超技巧及人文主义思想和佛兰德斯古老的民族美术传统结合起来，形成了一种热情洋溢地赞美人生欢乐的气势宏伟，色彩丰富，运动感强的独特风格，成为巴洛克美术的代表人物。 【译名】上十字架、竖起十字架
【原名】De kruisoprichting（荷兰语），L’Erection de la Croix （法语）
【时间】1609-1610
【技法】木板油画
【尺寸】460×340厘米，两翼护板460×150厘米
【分类】祭坛画，三联画屏中央部分
【馆藏】比利时安特卫普圣母主教座堂
典出《圣经·新约·福音书》。为了强调冲突与运动，采用从左上角向右下角展开的对角线构图，又称死亡对角线，加深悲剧意味。强光来自右下方，行刑的兵丁出现在与强光相背的方向。耶稣被钉的十字架刑具是从画面的右下往左上方向竖起的。这支十字架显得很沉重。行刑的人物都很紧张，右边一个兵丁紧拽着绳索，左边的执行者托着十字架，身上的肌肉似都要绽开的样子。可是十字架上的耶稣却现出坚定的神态，脸上毫无痛苦的表情。他举目斜视着天际，突出了一种英雄般的精神力量。耶稣与下面一群执刑的暴徒，构成了力度上的对比。
画家受威尼斯画派影响，对历史细节弱化处理。人物衣着既不是传统的中世纪长袍，也不参考文物上的古代造型，而是简化成近乎包裹身体的布匹。
鲁本斯很善于在这类画上添上些很生动的风景细节。右上侧那棵大树，叶子似被狂风吹得翻卷乱颤，而与此相对，左下角画了一只张着嘴的卷毛狗。全画处在一种旋风般的激情中。这些形象使我们想起了丁托莱托的某些画面。意大利风格在这幅画上是以传统的色彩与笔法来映衬的，因此，虽然显露着威尼斯的情调，然已展现出鲁本斯的个性特征了。特别是在造型结构上，他用心于自己的塑造风格。 【译名】下十字架、卸下圣体
【原名】De kruisafneming(荷兰语)，La Descente de Croix (法语)
【时间】1611-1614
【技法】木板油画
【尺寸】421×311厘米，两侧各有421×153厘米的护板
【分类】祭坛画，三联画屏中央部分
【馆藏】比利时安特卫普圣母主教座堂
典出《圣经·新约·玛窦福音》：到了傍晚，来了一个阿黎玛特雅的富人，名叫若瑟，他也是耶稣的门徒。这人去见比拉多，请求耶稣的遗体；比拉多就下令交给他。若瑟领了耶稣的遗体，就用洁白的殓布将他包好，安放在为自己于岩石间所凿的新墓穴内；并把一块大石头滚到墓口，就走了。在那里还有玛利亚玛达肋纳和另外一个玛利亚，对着坟墓坐着。
基督的尸体处于中心的亮区顶端，那位老者用嘴含着布，托着基督的臂膀，他就是信徒若瑟。承受降下基督身体的穿红袍者是圣若望，对应的那位长胡子老人是圣伯多禄；抬手扑向基督痛不欲生的是圣母玛利亚，那位虔诚而多情地捧着基督脚的是玛利亚玛达肋纳。
鲁本斯在《上十字架》完成后，相继创作了同样的祭坛画《下十字架》，但是风格发生很大改变。画家以强烈的明暗对比，卡拉瓦乔式的聚光法布置画面，人物组合成对角线式安排。在这幅画中没有激烈的人物动势，没有强烈的激情，只有充满崇敬的爱和深沉的哀伤，画中人物被黑暗所包围，沉浸在无限的悲痛之中，好似山川大地也为基督的死而默哀抽泣。 【译名】老扬·勃鲁盖尔一家
【原名】Family of Jan Brueghel the Elder（英语）
【时间】1613-1615
【技法】木板油画
【尺寸】125.1×95.2厘米
【分类】肖像
【馆藏】英国伦敦考陶德画廊
老扬·勃鲁盖尔是画家的好友及合作伙伴，因此画得格外用心。勃鲁盖尔家庭成员衣着入时，2个孩子也身着正装，颇为华丽，表明他们属于安特卫普富裕阶层。勃鲁盖尔的第二任妻子凯瑟琳娜位于中心，把2个孩子彼得和伊丽莎白聚拢在身边。彼得在拨弄母亲的手镯，据推测可能是结婚时收到的聘礼。老扬·勃鲁盖尔站立于3人身后，呈护卫姿态，以温柔的目光注视着家人和观者。
鲁本斯甚至没有暗示老扬·勃鲁盖尔的画家身份，而是着力表现家庭成员的亲密联系。这种温暖的氛围在画家除了给自己家作画之外是非常罕见的。 【译名】阿玛戎之战
【原名】Die Amazonenschlacht（德语）
【时间】约1618
【技法】木板油画
【尺寸】121×165厘米
【分类】神话
【馆藏】德国慕尼黑老绘画陈列馆
典出普鲁塔克《希腊罗马名人传》：画家在这里描绘的是神话中一则由英雄忒修斯与阿玛戎女王希波吕忒发生爱情而引起的战争场面。两队人马在桥上狭路相逢，战斗异常激烈，前仆后继。
英雄忒修斯远行至亚细亚的克律姆诺伊，见到亚马逊女战士女王希波吕忒并向她求婚。婚后英雄携她回家。这引起了亚马逊女战士的不满，发兵攻打希腊，一路所向披靡。其时忒修斯正去克里特岛的迷宫中翦除牛怪，直至他得知后赶到雅典，阿玛戎女族即将进抵雅典。忒修斯立即率军迎敌。双方在特尔摩顿河桥头短兵相接，展开了一场血腥的战斗：阿玛戎人为保住自己的军旗正拼死地搏斗着，希腊军队从左侧桥头冲去，势不可当。桥边出现人仰马翻的惊险形象。画上色彩流动，线条飞旋，一切都处在一种惨烈的杀戮风暴中。画家通过敌我激战的情景，烘托了夺军旗的英勇行为。阿玛戎虽处劣势，仍显出不可动摇的战斗意志。右边已出现脱缰狂奔的战马，滚落河中的阿玛戎战士，给人以强烈的动感。全画气势激越，令人震颤。 画面总的动势好象一团旋风，紧紧朝向桥的右侧滚动着。人物的层次绵密，所有的造型服从于一种连续性的运动。色彩所表现的激情已达到了最高点。有的研究者认为这幅画是鲁本斯受到达芬奇的一幅《安加利之战》或提香的《开多尔之战》的影响，这是不确切的。鲁本斯没有见到过那两幅画，即使他当时能见到，也只能是这两幅画的摹本或素描稿，要说汲取前人的构思，至多只是桥上的夺旗战斗。就鲁本斯这幅画的总构思看，他没有摹仿前人的动作，画家是凭借自己娴熟的写实技巧，使线条与色彩取得生动的呼应，并且有他的独创性。 【译名】强劫留西帕斯的女儿
【原名】Raub der Töchter des Leukippos（德语）
【时间】约1618
【技法】布面油画
【尺寸】224×210.5厘米
【分类】神话
【馆藏】德国慕尼黑老绘画陈列馆
典出奥维德《变形记》：古希腊神话英雄卡斯托耳与波吕刻斯，传系廷达瑞俄斯和丽达的儿子，统称狄俄斯库里，意即一胎所生。其实波吕刻斯是丽达与宙斯所生的儿子，两人一个善骑，一个善战，英勇无敌。这幅描写的是传统的抢婚场面：卡斯托耳与波吕刻斯两个黝黑的壮汉把留西帕斯的两个女儿从睡梦中劫走，正准备强行拉上马背的情景。画面上人和马占据了整个空间，两匹马和两对男女的交错动势，给人以强烈的运动感。马头、人手、马脚、人脚，放射般地向四角展伸，这里既是暴力，又是一种充满喜悦的游戏。不管这种风俗是表现双方的心愿还是双方的敌对，对画家鲁本斯来说是并不重要的，他所注意的是肉体与马匹之间的色调对比，关心的是人仰马翻般的猛烈的场面。这种动势的色彩，线的运动与裸体的质感造成一种狂热的色彩交响。近乎方形的构图，本来是稳定的，但形象组成了X形，却又构成了极不稳定的动乱。画面左侧一角，画家又添画上一个长着翅膀的小爱神，它给整个画面作了一点暗示：这是一种爱情的暴力。 《玛丽·德·美第奇生涯》（法语：Cycle de Marie de Médicis）是鲁本斯从1622年开始为玛丽·德·美第奇创作的组画，为装饰卢森堡宫，包含多幅巨幅油画。
【译名】1600年11月3日王后驾临马赛
【原名】Le Débarquement de la reine à Marseille, le 3 novembre 1600（法语）
【时间】1622-1625
【技法】布面油画
【尺寸】394×295厘米
【分类】肖像、历史
【馆藏】法国巴黎卢浮宫
又名《玛丽·德·美第奇抵达马赛》，画家在这幅竖长画面上，描绘玛丽皇后的宫船刚刚进抵马赛港，她已盛装待迎，准备接受法国最高规格的礼仪。这时，立在船头上的一位象征法兰西的姑娘，头戴军盔，以古罗马的庄严装束，向皇后伸开双臂表示法兰西在欢迎她。豪华的宫船下面有许多海中女仙在尽力拽着绳缆，要让这条幻想的宫船靠近港岸。为使画面充溢着美感，画家除了刻意描绘船上的盛装皇后与法兰西姑娘以外，还在船下舷侧画了一些美丽的仙女。肉体的魅力加强了画面的神话色彩，同时还在天上画了许多迎客的天使。这些仙女叫涅端伊得斯。她们是海神涅莱斯与多里斯所生的五十多个女儿。这些仙女专门援救在航海中遇险的船只。此外，她们还象征乐观与载歌载舞的形象。这些穿着薄薄衣衫的仙女周围，还有几头海怪陪伴着。
【译名】1610年5月14日亨利四世封神及玛丽·德·美第奇宣布摄政
【原名】L'Apothéose de Henri IV et la proclamation de la régence de Marie de Médicis, le 14 mai 1610（法语）
【时间】1622-1625
【技法】布面油画
【尺寸】394×727厘米
【分类】肖像、历史
【馆藏】法国巴黎卢浮宫 【译名】美惠三女神、三美神
【原名】Las tres Gracias（西班牙语）
【时间】1630-1635
【技法】木板油画
【尺寸】220.5×182厘米
【分类】神话
【馆藏】西班牙马德里普拉多博物馆
此作品一直由画家本人持有至逝世，后来由菲利普四世获得，归入西班牙哈布斯堡王朝收藏。典出赫西奥德《神谱》：美惠三女神分别是代表光明的阿格莱雅、代表欢乐的欧弗洛希妮以及代表花卉的塔利雅。宙斯所生的这三位女神均为圣女，同诸神一起生活，伺候筵席，创造生活的乐趣。她们服侍爱情女神阿佛洛狄忒，从不厌烦。女神位于上方饰有花环喷泉旁边，面孔秀丽俊美，形体健壮丰满，充满生命力，体现了画家对女性美的理想。这几个人物形象均基于古典雕塑，从中可见艺术家着力在肉体中再现大理石的冰冷感。圆滑的节奏和优雅的波动是这位艺术家晚年在油画作品中的惯用手法，同时伴有夸大的外形和暖色，充溢着激情与艺术魅力。
左边人物的灵感直接源于他的妻子海伦娜。时值新婚，见证了他的幸福生活。这段生活也从那个时刻开始融入到了他的情欲作品中。由于右边裸体女神的模特是画家记忆中的前妻依莎贝拉，所以在鲁本斯死后，海伦娜要烧掉这幅作品以发泄她的醋意。最后，多亏法国红衣主教黎塞留的保护，他以高价购下了这幅作品才使此杰作免遭横祸。让两位妻子置于同一画面，后因嫉妒而几乎毁了一幅名画，这大概也算得上是模特儿史上的一件大事了。 【译名】自画像
【原名】Selbstbildnis（德语）
【时间】约1638
【技法】布面油画
【尺寸】110×85.5厘米
【分类】肖像
【馆藏】奥地利维也纳艺术史博物馆
晚年作品，代表1635年之后的艺术风格。左下角有署名P.P.Rubins。尽管仕途得意，鲁本斯始终对宫廷生活态度矛盾，晚年更是放下了绝大部分的外交俗务，专注于艺术探索，试图摆脱宫廷画家的习气，开始注意普通人的内心世界。自画像采用王室肖像常见的构图、布景和装扮：人物以45度左侧面示人，身倚塔斯干圆柱、左佩长剑、右手着皮手套。为了突出脸部，用强烈的明暗对比把其余细节埋藏在阴影中。以近乎自然主义的写实手法刻画面容，肖像上的画家年事已高，脸上布满着皱纹，但一双眼睛炯炯有神，尽管眼睑多了许多皱襞，但从眼神中仍可以发现他那尚未泯灭的艺术光辉。已不再是一个斡旋于政要之间的外交家，而是一位朴实、自然，富有思想，善于洞察世事的学者。肖像的色彩用得浑厚、仔细、刻画入微。这一明显变化标志着他从1635年起在艺术上的炉火纯青。堪称画家个人乃至整个肖像画历史上的杰作。
