有关美术鉴赏论文范文
学校通过美术鉴赏程的设置来潜移默化的培养和提升学生的艺术素养，这门课程的设置对于提高学生的综合素质的重要性不言而喻。下文是我为大家整理的美术鉴赏论文 范文 的内容，欢迎大家阅读参考!
美术鉴赏论文范文篇1
浅谈美术鉴赏《大宫女》
《大宫女》这幅油画创作于 1814 年，它的作者是法 国画 家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔。安格尔创作的这一幅《大宫女》和其所创作的其他宫女题材的油画有着明显的不同，这一点从安格尔刻意将这幅作品命名为《大宫女》这点可以看出来。《大宫女》这一幅作品充满着独特的格逗袭举调，安格尔在《大宫女》当中的用色更体现出浓厚的异国风韵，以及装饰性的美学考量。这一点也促使安格尔的《大宫女》和古典主义的油画美学之间产生一定的差别，无论是颜色，还有其腰身的比例，都和传统的西方古典主义油画艺术规则有所冲突，也正是如此，《大宫女》才能够很好地将观赏者震慑住，使观山碧赏者受到这种美学的吸引，从而构建出独特的美学空间。
安格尔创作的《大宫女》在当时就已经有很大的争议，因为安格尔创作的《大宫女》之中，宫女的体型是如同平面几何一般，并没有充分和现实当中的女性身材比例进行衔接，这一点和西方油画一向来追求精益求精的写实风格之间就产生了一定的冲突。但是，这种夸张的比例，却能够很快地造成视觉上的关注，而且蓝色的背景与宫女的身体颜色之间的冲突不和谐，也造成了非常大的视觉冲击，这种颜色的对撞、人体基本身体结构出现的错位，代表着一种属于安格尔风格的审美。
安格尔创作的《大宫女》首先是一个明亮颜色和冷暗颜色之间的撞击对比。西方古典主义的油画创作过程当中，强调油画画面之中颜色与颜色之间的自然过渡，只有进行恰到好处的过渡，才能够更好地让整个画面进行融合。不过安格尔创作的《大宫女》则不然，整个宫女的背景采用的是冷色调的蓝色，而宫女是裸着身子的，宫女的身体肌肤却是使用明亮的浅黄色，这两种颜色之间，安格尔并没有采用其他的颜色作为过渡。这样一幅《大宫女》的颜色之间就形成了激烈的冲突，这种冲突虽然和古典主义的绘画风格差异甚大，但是却能够给观赏这一幅画作的观赏者留下深刻的影响。
安格尔创作的《大宫女》第二方面的美学特征就是他与众不同的人类身体结构设置。从整幅《大宫女》看，大宫女这个人物形象身体各个基本结构之间的比例是失调的，仿佛是几何堆砌一般，安格尔创作的《大宫女》，其身体躯干的比例远远大于其他身体结构的比例，因此，安格尔的这一幅《大宫女》违背了古典主义油画创作过程里的追求写实的风格，而呈现出一种追求艺术进一步采取夸张的手法，让《大宫女》当中的大宫女形象，以这种看似畸形的几何式夸张，展现出一种独特的美学艺术上的张力。
而且安格尔所创作的《大宫女》还蕴含着一种欲望的美学。因为当时的法国军队和奥斯曼土耳其帝国展开战争，当时最终被奥斯曼土耳其帝国所击败，所以在安格尔所在的时代里，法国在相当长的一段时间创作了许多熟练的奥斯曼土耳其内宫宫女画像，这些目的在于从艺术的角度满足法国人内心的征服欲望。而安格尔创作的《大宫女》，目的就在于以一个奇特的宫女的形象隐喻着奥斯曼土耳其帝国，必然会被法国人所征服，裸体的奥斯曼土耳其帝国内宫中的宫女形象，欲盖弥彰的欲望，通过安格尔以新式的艺术手法，加以渲染和雕琢。同时裸女并没有完全露出自己全部的隐私处，这一点又体现了一种克制和理性，安格尔在这一幅《大宫女禅卖》之中，表现了冷静克制与欲望张狂两个方面的精神内涵，并且在绘画作品之中，给这二者找到了最为合适的均衡点，从而将观赏者的欲望以及视觉都进行了恰如其分的安置。
究竟是采用 素描 的方式，还是更注重色彩，这一点在安格尔的艺术创作过程当中，特别是在《大宫女》的创作里，更多注意到了结构上的素描运用。但是，这并不意味着安格尔在《大宫女》这幅作品当中完全就没有关注色彩，与此相反，安格尔在《大宫女》中的色彩搭配以及应用是非常鲜明以及大胆的。
冷色调作为这幅《大宫女》的背景色彩。在大宫女欧达丽丝克的背后是一幅半垂着的帘幕，这个帘幕实际上起到了点缀的作用。一般欧洲古典主义的绘画色彩艺术，主要是注重色彩的过渡和衔接，然而安格尔刻意使用这种冷峻的颜色作为衬底，目的在于表达出一种寂静、理性，这和狂热的女性躯体的暖色调形成了对比，从而演化成为一种对比下的艺术张力。
红色作为另一个重要的颜色，却在对于《大宫女》的色彩美学鉴赏之中，容易被忽略。实际上这种色彩美学是非常独特的，因为安格尔采用了红色作为点缀，让红颜色点缀在大宫女手中的孔雀羽毛扇子的扇柄中。而在欧达丽丝克的脚部，也有一段红色的点缀，那时旁边小桌子的椅脚。这两点都分别对检查在冷峻的背景颜色和柔和的躯干颜色之间，从而形成了一种炽热似火的美感，让人们看到欲望膨胀的顶端，从而与冷峻以及柔和形成了三种不同的色彩艺术话语。安格尔并不刻意去处理这三种颜色的冲突，而是将这三种冲突结合到一起，形成了互相撞击的状态，给观赏者带来很强烈的视觉震撼。
安格尔创作的《大宫女》虽然经历了两百年的时间，但是这幅作品至今仍然是美术界的杰作。安格尔创作的《大宫女》运用了充满冲突和撞击的颜色比对，以及超乎想象的非写实结构，从而让安格尔的《大宫女》给人们带来非常大的视觉冲击，进一步让这一幅画作所表达的欲望与理智更为突出地展现出来。而安格尔在处理《大宫女》画作过程当中所形成的艺术风格，也对后来新古典主义绘画艺术的崛起，提供了重要而宝贵的艺术实践。
美术鉴赏论文范文篇2
试谈鉴赏富春山居图
富春山居图是元朝书画，画家为其师弟郑樗(chū)所绘，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名画”之一。明朝末年传到 收藏 家吴洪裕手中，吴洪裕极为喜爱此画，甚至在临死前下令将此画焚烧殉葬，被吴洪裕的侄子从火中抢救出，但此时画已被烧成一大一小两段。较长的后段称《无用师卷》(无用是郑樗的字)，现藏台北故宫博物院;前段称《剩山图》，现收藏于浙江省博物馆。北京故宫博物院也藏有此画的仿本。
画的作者黄公望，擅长画山水，多描写江南自然景物，以水墨，浅绛风格为主，与吴镇，王蒙，倪瓒zàn并称元四家。存世作品有《富春山居图》、《九峰雪霁图》、《丹崖玉树图》《天池石壁图》等。
据记载，黄公望三十一岁开始作画，由于际遇的坎坷，到五十岁左右，也就是出狱后才专心从事 山水画 创作。《富春山居图》是黄公望七十九岁高龄时开始创作的。这幅纵33厘米，横636.9厘米的长卷，是他生活在富阳，又以富春江为题材推出的力作。为了画好这幅画，他终日不辞辛劳'奔波于富春江两岸，观察烟云变幻之奇，领略江山钓滩之胜，并身带纸笔，遇到好景，随时写生，富春江边的许多山村都留下他的足迹。这件宏幅巨制直到他谢世前不久才告完成，前后倾注了大约七年的心血，(也有说82岁创作，历时四年的)这是画家与富春山水情景交融的结晶。被后世誉为“画中之兰亭”。故而历代都有著名画家模仿。
这卷宝图既备受赞颂，也历尽沧桑。在辗转流传过程中，曾引发出乾隆年间有趣的“富春疑案”，弄得皇帝神魂颠倒，误判真伪;也曾因收藏家的酷爱而遭焚烧毁容之灾。乾隆年间，一幅富春山居图被征入宫，乾隆皇帝爱不释手，但在隔年又一幅富春山居图进入清宫。前者称“子明卷”是后人伪造;后者是“无用师卷”，这才是黄公望的真迹。但乾隆皇帝认定“子明卷”为真，并在假画上加盖玉玺，并和大臣在留白处赋诗题词，将真迹当赝品处理。直到近代学者翻案，认为是乾隆皇帝搞错了。从而保住了一个完整的无用师卷。
对美术及美术鉴赏的认识：美术及其作品，是人造物的一种，美术是人类运用一些物质和材料工具，通过点、线、面等各种要素通过一定的造型性、构成性、空间性的表现手段，在平面或立体的空间中塑造出具体直观的可视形象。美术作品是由艺术家按照美的规律创作出来的，它创造美的形象，抒发美的情感。美术包括绘画、雕塑、工艺美术、现代设计、建筑艺术及影像艺术等主要艺术形式。另外，我也觉得美术是一种 爱好 ，直接贴近人们的生活。于美术鉴赏而言，就是对一件艺术品的欣赏，你从心底大量一件东西，觉得它漂亮与否，这就是鉴赏。读者对一件艺术品进行审美，不是消极、被动的地去看一个东西，而是积极主动的进行着审美再创造活动。一件物品被创作出来，必然会有人去评判，评判时融入自己的品味与感情，再将自己的艺术理想与理解、艺术观念经过若干个环节的变通、换位、异化，通过重 组词 汇与语法将自己要表达的内容表述出来，这就是鉴赏。
美术鉴赏论文范文篇3
浅谈高中美术鉴赏教学
摘要：高中美术鉴赏教学，是帮助学生通过对美术作品进行分析归类，从而达到能够体味感受、欣赏美术作品。下面就我平时的教学过程中的感想 总结 出来，以供同行讨论。
关键词：鉴赏;教学;思考
一、美术鉴赏过程中学生情感因素的调动
美术新课标提出“情感态度与价值观”的概念，目的是强调通过学生的亲身经历来体验和感受美术作品，形成自己的艺术价值观念。美术鉴赏本身就是一种最直接的审美活动，需要通过自己的思维活动来感悟美术作品，这种活动强调个人的审美感受和情感体验，情感是审美活动的基础。比如站在天安门前面，人们会自觉产生一种民族自豪感;欣赏罗中立的《父亲》让我们感受到一种强烈的亲情和感伤的乡土情怀;而看到达利《内战的预感》则会让人感受到战争给人类所造成的无可估量和无法弥补的伤害。
因此，情感因素是鉴赏作品的关键，学生在鉴赏作品时体味到了某种情感，他的情绪就会激动，就会表现出浓厚的学习兴趣。在美术鉴赏教学中，如果忽视学生的心理感受和情感的参与，那就根本谈不上真正的鉴赏。然而，问题在于中学生由于知识基础和生活阅历的限制，很难体味到这一点。这就要求教师教学中要对学生进行一定的引导与启发，帮助学生分析体味美术作品的精神内涵，尤其是作品最精彩的部分。通过生动恰当的语言描述来激发学生的兴趣，比如，委拉斯凯兹的《教皇英诺森十世》阴险狡诈狠毒的神情等。
二、在美术鉴赏中体味 文化 情境
2.1新课程的基本理念之一就是“要在广泛的文化情境中认识美术”。任何美术作品都不是孤立存在的，是在一定的文化环境中创作出来的，不可避免地受到所在环境的影响，这就是美术作品的地域性特征。所以，在美术鉴赏教学过程中，首先要把美术作品放在一定的地域文化环境和时代背景中去学习。
如鉴赏达芬奇的《蒙娜丽莎》，就必须让学生了解文艺复兴运动的历史及其所倡导的人文主义精神;鉴赏米开朗基罗的《大卫》，要让学生了解米开朗基罗创作这件作品的时代背景及大卫的历史史料;如达维特的《马拉之死》，如果不了法国大革命时期的历史和作为资产阶级雅各宾党领导人的马拉真实资料，就无法理解这一作品所表现的内容精神及为什么要这样画。
2.2这些，一方面老师要能够烂熟于心，在教学中做到信手拈来，更要巧妙的穿插到对作品的鉴赏过程中，不能生硬的告诉学生。当然，最好是让学生课前自己进行搜集了解，带到课堂与同学们分享。其次，在鉴赏过程中要营造教学情境，以帮助学生形成丰富的鉴赏体验。
在鉴赏蒋兆和的《流民图》时，我让学生观看一些抗战时期中国民众的苦难生活的影片片段，让学生有如亲身体验日本侵略者给中华民族带来的深重灾难，才能感受到当时中国人民的苦难生活，也才能真正感受到作品本身的悲剧性给人的巨大震撼;在鉴赏蒙德里安的《百老汇的爵士乐》时，播放一段爵士乐，让学生在聆听爵士音乐的同时体味作品的内涵。艺术源于生活。在美术鉴赏教学时，我让课堂内外相结合，课堂与生活相结合，以扩大学生视野，增强他们的感性认识，创造一个更为广阔的文化情境。
2.3为此，我建议学校利用教学楼走廊、橱窗等场所展示学生或教师作品，既美化校园，营造艺术氛围，也给学生提供一个艺术环境，有助于提高学生鉴赏、评述美术作品的能力;在鉴赏现代建筑艺术时，直接让学生到校园、湖心公园中走走，要求他们自己分析、评论校园和公园建筑的布局和特色。
为了让学生对当地的人文和乡土文化有深入了解，我带学生参观了当地的美术馆、博物馆，文化遗产，如清真大寺、中山公园以及南门、玉皇阁等古建筑。美术鉴赏涵盖了人们生活的各个方面，渗透了各门学科的知识，所以一定要在广泛的文化情境中去鉴赏美术作品。
三、强调学生多元化 思维方式
在高中美术的第一节课上，我告诉学生，美术鉴赏过程其实也是一次创作过程，我们必须要用自己的方式进行鉴赏和评价作品，反对人云亦云。“有一千个读者，就有一千个《哈姆雷特》”，美术作品一旦产生就会脱离创作者而独立存在，不同的人，在不同的情境下鉴赏，会有不同的感受，这也正是美术鉴赏的魅力所在，也是现代美术 教育 的基本观念，即强调多元化、崇尚差异、主张开放、去掉本质和必然。
事实上，课本中大部分文字叙述只能代表一家之言和某一时代的观点，并不是唯一的。美术鉴赏教学应该注意培养学生的创造性思维，教师不能搞独断专行，不能像数学物理那样只有唯一的标准答案，而应该鼓励差异，容忍和接受学生的各种见解。在教学中，教师要对学生的看法、观点持有正确的态度，让学生尝到成功的体验和喜悦，才能激起学生更大的兴趣，才能引发学生继续学习，有利于学生进行积极思维，使学生学会研究问题的 方法 ，锻炼独创思维的能力，增强美术鉴赏的兴趣，提高学习效率。
总之，美术鉴赏主要通过鉴赏活动来培养学生的审美能力，而不是掌握多少美术史论和多少美术技法理论。其目的不是培养专业美术家，而是通过美术教育让学生掌握美术知识，培养美术能力，帮助学生完善自己的道德品格，形成正确的审美观、世界观、人生观。
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论自然美的显现
摘要]自然美就是自然事物、自然现象自身的美，也是美好的人造环境所呈现的美。这种美是“美是自美，因人更犯似彰”；这种美是一种聚集、显现和不断生成。自然美既历时地展现为田园、山水、整个自她然界，也共时地展示为环境、景观和生态。人类要持守护、维护的态度对待自然，从而促进人与自然的和谐。
关键相介奏客务词： 自然 自然美 显现
一、自然美的研究历史
自然美与社会美、艺术美、形式美等一起构成了美的领域美的种类。自然美指自然事物的美，是自然界呈现出来的形态和神韵；自然美也包括人造环境所呈现的美，因他儿民为美好的人工环境是和谐且的，符合大自然自然而然的同都明钢发子本性。显然，自然美是我们最能直观、大范围感受到的天然世界和属人世界的美，并且“就人类的文明和发展史来看，人类所创造的一切美，直接或间接地以自然美为摹本用月洲医句主”。
然而，自然美在历史上受到的重视并不够，关于人与自然的审美交流一直为理论家们所普请继视费脸督遍冷落。在西方，如同阿多诺所说，“从谢林开始，美学几乎只关心艺术作品，中断了对‘自然美’的系统研究”。当黑格尔将美学的学科性质明确为“艺术哲学”后，自然美就被打入了另册。黑格尔“艺术美高于自然美”的理论直接导致的局面是，“总而言之，美学理论并不是关于美的理论，而是关于艺术的理论”讲威医挥副多民长烈阳。朱光潜说：“其实‘自然美’三个字，从美学观点看，是自相矛盾的，是‘美’就不再‘自然’，只是‘自然’就还没有成为‘美’。”李泽厚也认为，“就美的本质说，树蒸自然美是美学的难题抓弦所孩物菜批车备活”。但是，“如果我们能够停下来听一听我们脚下这块疏松的多把政收皮屋肉土地所发出的意愿，我们就会理解自然与美是何等紧密地融为一体。自然的伟大和美在我们的身边周而复始地呈现，并在我们的自面划供林黄阿鲁冲身体现出来。神圣的、令人赞节协次青右单美的、瑰丽缤纷的和旖旎多姿的景象在生活中比视比皆是，无所不在”。那么，古今中外重视或肯定自然美的观点或论述又有哪一些呢?
中国古代道家倾心于自然的理想化，冯友兰认为：“农民时时跟自然打交道，所以他们赞美自然，热爱自然。这种赞美和热爱都被道家的人发挥到极致……道家的人主张，圣人的精神修养，最高的成就在于将他自己跟整个自然即宇宙同一起来……”在古希腊，虽然柏拉图认为人类感官所接触的自然只是“理式世界”的摹本，但他的学生亚里士多德却能够看到这世界的现象不是幻影，肯定了现实世界的真实性。在当代，李泽厚认为自然美的本质是“自然的人化”。柏林特认为，人类只是环境的一部分，人类应和外部环境融为一体，环境美学就是要在这一整体中去考虑问题，我们要与周围环境相互容纳、接受并和谐共处。卡尔松持“自然全美”说。陈望衡认为“自然至美”。彭锋认为，“美是不可定义的，只有我们透过概念理解的硬壳，才能发现事物的美。这种美是如此的丰富多彩，以至于我们不可能给它一个有确定内涵的概念。自然就呈现出这种无言大美，这是一种众美，一种多元之美，一种天籁之美”。这即《庄子·知北游》所谓的“天地有大美而不言”的“天地之美”，这种美即美在道的自然美。
二、自然美的历时显现
自然有两个概念：一是指由矿物、动植物构成的物理世界，即自然界，因此自然美具有其客观性；二是指自然而然的本性，因此自然美又具有其自然性，即具有美的属性的自然物，本身所固有的内在生长、发展、运动规律。从历史上看，人类对于自然有一个从畏惧到遵从，从遵从到征服，再到现在友爱的过程，也就是在这个与自然友爱或至少认识到应该友爱的时代，我们才真正认识了自然美的意义，才真正能够与自然为友，自然也才真正向人彰显它的美。正是在人与自然关系的历史中，自然美显现了。
自然美首先显现为田园。人在遵从自然时，既保留了对于天地的敬畏，也发展了对于自然山水的依恋，产生了对于田园风情的向往。在中国六朝时代，田园诗人陶渊明达到了与自然合为_体的境界，在自然之美中摆脱了官场的污浊。陶渊明眼中的山水田园，不是如魏晋名士心目中的玄学化的山水自然，而是参与其中的田园山水，田园风光不仅仅是诗人陶渊明生存劳作的对象，而且成了与诗人交融一体的审美对象。在与这种田园风光的交融中，诗人去掉了世俗的羁绊，而获得了真实淳美的人生感受。其田园诗如“采菊东篱下，悠然见南山”、“平畴交远风，良苗亦怀新”均创造了情味极浓的冲淡之美，其诗作的境界韵味，是一种平和淡泊，于世事无所争、无所求，心与自然泯一的人生境界的自然流露，表现了宁静平淡的境界，表现了“田园美”，表明了人与自然相融的乐趣，也表明了诗人自然率真的情怀。
自然美又显现为山水。“山因水而媚，水因山而姣”，“知者乐水，仁者乐山”，说明了山水相依以及山水与人的性情同形同构。中国古代哲人认为天地自然与人格建设之间可以相通，就是认为天人之间异质而同构，可以互相感应，这也是阿恩海姆格式塔心理学的基本理论。从人的审美心理过程来说，当人们面对秀丽的山水进行观赏时，主客体就会融为一体，从而也就超越了生活中的许多欲念与功名的束缚，而得到了一种畅心悦神的美感，这种美感不是康德所说的依存美，而是一种无功利的纯粹美。自然美对人格美的陶冶，在这一点上较诸“比德说”更富于美学与人文含义。山水对人的美感作用，不仅具有一般的情性修养意义，而且在礼法专制社会中，还具有反抗世俗、坚持独立人格的意义。但在中国，“直到魏晋，自然山水独立的美学价值方才得到人们充分的认识”。尽管如此，西方在这个时候自然风景还处于很低的地位。普列汉诺夫说：“米开兰基罗和他的同时代人是轻视风景的。它在意大利的兴盛只是在文艺复兴的末期，即在衰落时期。同样地，对于17世纪以至18世纪的美术家，风景也没有独立的意义。在19世纪，情况急剧地改变了。人们开始为风景而珍视风景……”魏晋时期，政治黑暗，许多文人不满于当时的执政者，他们从传统的修身齐家治国平天下的成长道路中获得了独立，追求更为自由的生活方式，这便是在饮酒、服食、养生与诗歌、山水中实现自己的人生价值。另有许多人士游放于山水之中，形成了山水文学创作的高潮，如谢灵运开创了山水诗，山水诗后经王维的继承和发扬而达到了高峰。
在人与自然友爱的现时代，自然美更显现为整个自然界。其实中国古代就传承了倾心欣赏自然的传统，如“道法自然”、“天人合一”等思想。在中国古代的艺术家与美学家心目中，自然与山水不是如西方人那样，是主客体相对峙的对象，而是人格与情感气质都可以互相沟通的对象，自然以其风韵感染人，人反过来也可以将其拟人化，从而形成一种自然的人化关系与移情功能。在这种天人相感的思维基础上，古人将自然之美与人格的养成相贯通，“比德说”就是最早的一种以自然物比方人格道德的范畴学说。“‘比德’审美观最早集中见之于孔子的学说中。脍炙人口的有‘知者乐水，仁者乐山’，‘岁寒然后知松柏之后凋也’、‘为政以德，譬如北辰，居其所而众星拱之’等。”自然界作为人们生活于其中的环境，它不仅给人们带来必要的生活必需品，而且也使人们享受到了一种自由自在的快乐。对自然的回归，也就意味着对人生自由的回归，这种回归使人格从功利社会中解放出来，独立出来，升华为一种人生的大境界。 三、自然美的共时显现
自然美的共时显现呈现为三个维度，这就是环境、景观和生态。环境是指周边的地方、周围的情况和条件，这周边和周围当然是相对于人而言的；景观是指自然和人工的可供观赏的风景、景物，一个观字体现了它与人的关系；生态简言之就是“生存状态”，是指生物在一定的自然环境下生存和发展的状态，以及生物的生理特性和生活习性，人也直接属于生态之中。可以认为，环境主要是供人利用的，景观主要是供人欣赏的，生态主要是讲自然本性以及与人协调的。
其一，环境。环境即环绕人的周边所在，因此它既是自然的一部分，也是人类生活世界的一部分。我们研究环境的目的就在于更好地认识和改造环境，从而让环境为人类服务。但我们也不能忘记环境有其自在自为的一面，我们不能为了短暂的利益去破坏环境。人类在环境问题上所受到的教训已经很多，如水土流失、沙漠扩散、臭氧层破坏、海啸等带来的损失和问题。我们必须克服人类中心主义思想，对待环境正确的态度应是让环境如其所是、是其所是，去守护它、维护它。美学的新兴学科之一——环境美学的中心范畴就是环境美。环境美学要求人们生存和发展的环境，首先满足人们的物质实用需要，同时又满足人们的审美鉴赏需要，两者密切联系，达到实用、经济和美观的统一。在以人为本、生态和谐等理念深入人心的今天，人居环境愈发受到高度重视。理想的人居环境着重于人与环境的关系，强调把人类聚居作为一个整体，是自然、经济、政治、社会、文化、技术等方面的聚合物。理想的人居环境应达到促成类似“……人诗意地居住……”的存在境界。
其二，景观。景观是大地所呈现的风景，又是为人所观看的。景观可分为自然景观与人文景观，大自然赐给了我们人间美景，更赐给了我们创造人间美景的才能。由于人类对于美好生活环境的不断追求，也伴随着人文景观的规划设计史，人类历史实现了从理想自然到现实自然的转化。工业化和城市化进一步催生了人文景观，使其日益走上了街头巷尾，走进了人们的日常生活。景观美化了环境、点缀了自然、提升了我们生活的品位。在人们生活审美化和审美生活化的今天，景观功不可没，其中有代表性的景观有人文景观建筑、雕塑以及公园绿地。其中，建筑的美体现在多样化统一、调和对比、对称均衡、韵律节奏，谢林认为建筑是“凝固的音乐”，其美学意味由此可见；与一般建筑不同，雕塑不是以实用为目的的，而是更突出其点缀和装扮环境和自然的功能；公园绿地景观则是为了满足人的需要，是一种“以人为本”的带有“功利”的美。自然景观与人文景观都是自然中美丽的风景，尤其是人文景观的建设应与自然景观相协调，才能“虽由人工，宛白天开”，这也说明人所创造的美的最高境界仍然应该是自然美——自自然然的美。
其三，生态。生态是自然的生命状态，它直接地呈现了自然的本性，并为自然美提供了本质规定。源于希腊文的“生态”一词，其原意是“人和住所”，或曰“人类与其生存环境的关系”，说明了人与自然的相依相亲性。生态学认为，一定空间中的生物群落与其环境相互依赖、相互作用，形成一个有组织的功能复合体，即生态系统。系统中各种生物因素和环境因素按一定规律相联系，形成有机的自然整体。正是这种作为有机自然整体的生态系统，构成了生态学的特殊研究对象。生态学关于世界是“人—社会—自然”复合生态系统的观点，构成了生态学的整体论的世界观，生态美学按照生态学世界观，把人与自然、人与环境的关系作为一个生态系统和有机整体来研究，既不是脱离自然与环境去研究孤立的人，也不是脱离人去研究纯客观的自然与环境。生态美学的基本原则就是要突破传统的人类中心主义观，在西方，德格尔晚期提出了具有生态思想的天地人神四元聚集的思想，他认为天地人神是彼此独立又相互联系的四元，他们既有差别性，又具有整体上的统一性，也即“和而不同”。在这个意义上，天地人神四元聚集的思想就不仅是存在论的，而且是生态论的。在中国，道家也有“道法自然”、“元为不争”、“万物齐一”、“大美无言”、“心斋坐忘”等生态哲学、美学思想。如何在自然的维度上重新认识、把握这种哲学、美学观，进而结合西方相关思想做一些比较、重构的研究，将有利于对自然美或生态美的深入研究，也会有利于哲学、美学学科的发展。
