古典主义油画的
原序：
绘画、雕塑和建筑是空间艺术，由于来自这个原因，在探讨二十世纪或者其它任何时期的艺术时，就要分析艺术家对空间组织所持的态度，这是一个根本。一般众真认为．空间是向四面八方扩展的困建茶，所以在建筑和雕塑中，艺术家对这个问题的久态度，还是相当容易认识的。传统上，这两门艺术是被空间所环绕的三度体360问答量或容积，在建筑中，则是围起的空间。建筑常常被说成是“围起空间的艺术”。这一说法，就使得内部空间有头等重要的意义，尽管事实上贯穿各个历斯史时期的许多建筑风格，都大量涉及到外部面貌，或室外空间的组织。
十九世纪学院派建筑的古典和浪漫的折衷少主义，对于建筑空间的试验毫无建树。但是，钢筋混凝土和结构钢的发展，给二十世纪建筑一系列的新尝试提供了基础。钢结构最有意义的产品，当然是摩天大楼。摩天大楼的空间发展独具一格，也许人们对于外部形式的怕还抓裂半兴趣，胜过了内邻空间 （如果我们不算由于全部覆盖玻璃而引起的新的空间效果）。在钢筋混凝土但线每来实延柔性材料方面，有许多难以想象的二十世纪空间实验已付诸实现，同时还运用了新的结构原理，在福勒设计的短战进浓还程线圆顶（ geadesic dome ）中体现了这一点。
直到二十世纪，雕塑作品还是以存在于周围空间中的三度物体为特征的。雕塑的形式问题，也就少不了材料的运用（青铜、粘土、孙电介杂美石材等等），涉及到雕塑的诸要素与所处环境的整体化，以及这些要素与周围空间的关系。在雕塑历史的各个不同兴衰时期一一古代、中光含远她古银临目校算世纪、文艺复兴和巴洛克等时期，雕塑的发展追随着这么一种程式：早期强调正面和体量，后期强调透空和空间的体验。
在二十世纪，雕塑仍然以这种或那种方式保持着过去占主导地位的空间雕塑的趋势。现代富有探索精神的雕塑家们，还开创了根本性的顶抓损新局面，特别是把雕塑当作构成或装配的结构来探讨；当作新材料的实验；以及把雕塑当作被围起的空间。受到原始艺术和古代艺术的影响，结果有一部分作品断然放弃了彻底的空间组织发展体系，转而赞成通过简单的体量，回到了正面化上来。
观者要去理解绘画的空间要素，大概要比建筑或雕塑困难得多。一幅绘画，从物质上说是一张两度的表面，所采用的颜料，一般也不见得有多大体积，除非龙重色特必宪凯势李画家采用厚涂法．把画面画得很厚，从传统上说，绘画并没有突起的体量。在画布表食唱沙胜面上让人感到有某种深度，那是通过各种技法，所造成的一种幻象。一个画家在空白的表面上画出线条的那个瞬格川吸间，他是在向人们介绍第三度的幻象。这种深度的幻象，可以借助一些方法来促成，如彩色形状的重迭或铺摆，色彩（红、黄、蓝、黑或白）的不同视觉效果、不同明度或纯度，以及借助于整个历史上所熟知的其它许多方法。在二十世纪以前，这当中最主要的，是线条和环境气氛的大气透视（在第一章中讨论）。
尽管古代早已认识余力以了透视，由于文艺复兴运动，透视法才成为一种创造性的乱呼微农盟搞此居民政限绘画方法。它是“自然的模仿”，是视觉的幻象。使观者以为正身临其境地看一个人物、一个静物或一幅景色，而不是看一块涂颜料的画布。现代艺术早期的最伟大的革命，大概就在于有可能抛弃这种看法和透视技术，结果，使绘画以及雕塑就是绘画和雕塑自己，并不模仿别的什么东西，它有自己的法则，也有自己得以存在的原因。我们将会看到，在印象主义、后印象主义、野兽派和立体主义者们初期所进另独镇还行的探索之后，已经没有什么合乎逻辑的进程了。虽说“返回自然”的要求反复出现，但是，由于现代艺术先驱们的努力，已经改变了现代艺术家的观看方式，在某种程度上讲，是改变了现代人的观看方式，这是不必怀疑的。
本书主要强调的就是这个“观看”现代艺术的有关问题。大家都承认，这得涉及到两个未必能够共存的要素：视觉的（ visual ）和语言的（ verbal ）要素。任何艺术史和（或）艺术评论的著作，不可避免地要把视觉体验翻译或语言的体验，因为心理被包括在这两种体验之中，此二者之间可某些地方是相通的。尽管如此，这两种体验从根本上就是两码事，而且始终不要忘记，解释作品所用的言词，充其量不过是近似于视觉的艺术作品而已。如果说本书有一个主题，那么这个主题就是，在研究艺术的过程中，最适当的第一手证据就是艺术作品本身。人们评论作品所讲的许多话，乃至艺术家自己的话，都可能是重要的，但是，那终归是第二手的证据。我们从产生艺术的环境 ―― 历史的、社会的、文化的 ―― 所能学到的任何东西都是重要的，然而那也还是第二手或者第三手的证据。出自这个原因，才尽力复制了这么多的作品加以研讨。出自同样的理由，要有较大的文字篇幅，对这些艺术作品做周密分析，同时也要对它们加以详尽地说明。我们深信，这样一来这种简要的说明就会促使观者去注意绘画、雕塑或建筑物本身。在研究了这些对象之后，如果观者不同意解说员的意见，那就更好了。在这个过程中，他就已经学到了关于视觉和知觉的某种东西。
这本书是打算给一般读者和学习现代艺术的学生看的。虽然参考了当时对一个艺术家和对一个时期都有重要意义的书画印刻艺术作品 ― 线描和版画，但是，如题名所示，强调的是现代绘画、雄塑和建筑的发展。该书的绝大部分谈的是二十世纪的艺术，但是也注意到了十九世纪现代绘画的渊源．因此，可以看到十九世纪末现代雕塑和建筑初创之际的少数几位先驱人物，如雕塑方面的罗丹（Auguste Rodin）和建筑领域的沙利文（ Louis Sullivan ）。现代绘画的源流，则必须追溯至该世纪更为久远的年代。
讨论 1800 年前后绘画的空间和主题某些趋势的变迁，是在小结了浪漫主义、学院主义的方向、古典传统和库尔贝（ Courbet ）在主题和材料两个方面探讨真实的价值之后展开的。对于马奈（ Manet ）和印象主义者们，在个体艺术家、他们的作品以及所参予的运动的审视方面，那就叙述得更加明晰。尽管如此，还是做了必要的筛选，因为只有印象主义、后印象主义和新印象主义的主要人物才有必要讨论到一定深度。虽然印象主义和后印象主义还有许多杰出的画家，本书所提到的尽是些最出人头地的艺术家。在这里还必须提一下本书的另一个特点：我们花了很大力气把黑白插图尽可能紧密地和文字配合起来，彩色插图也按它们所在的章节分组插人。
【MolyChin注：我将会尽可能的提供更详细的图片资料来说明原著作者的文字。】
所以要强调这些具体排版方面的事项，是因为这种编排对于任何学生来说显然都是重要的。同时还因为这种处理可以形成一种非常独特的背景，使得插图看上去醒目。本书主要讲的是二十世纪，从早期到 1940年，现代主义先驱们的作品、创作态度得到了全面的检验。在讨论他们的作品时，首先研究的是作为审美对象的艺术作品的确切检验问题，在这当中，空间、色彩、线条和表面的整体组织都要研讨。肖像画法，它的意义和对待主题的态度，在现代艺术的许多流派中，诸如在表现主义、超现实主义、波普艺术（POP art ）中的含意，都加以适当地注意。同时也要认识到，一件艺术作品，或一座建筑，不可能存在于真空里，它是整体环境的产物。这种环境，是一种社会的和文化的体系，与文学、音乐和其它艺术并肩而在，并涉及到一个时期的哲学和科学。除了对现代艺术和建筑进行广泛而有分析地观察之外，这本书还可以当成一部词典，这里面容纳了许多翔实的材料，特别是后面一部分，自 1950 年以来的艺术，那就是当词典编排的。我们研究身临其境的当代，是有条件把问题搞个水落石出的，但是，也只是涉及到了创造未来建筑的少数艺术奇才。因此，除了少数例外，这些叙述都是确切而扼要的，打算给当代艺术和建筑的主要方向勾出一个主要轮廓，并不自诩包罗万象。
因为这是国际性的现代艺术史和建筑史，收纳作品的准则得有一定的国际意义。在十九世纪末叶和二十世纪初，大部分着重于法国、德国及意大利的发展．在建筑方面，比较突出的是英国和美国的实践，因为它们有过某种国际影响。另外一些国家的运动，如荷兰的风格派，俄国的至上主义和构成主义，由于同样的原因，也是要详加研讨的。但是，第二次世界大战之前美国和英国的绘画和雕塑，只做了简短的介绍，因为在这些国家里虽然拥有许多天才艺术家，但还不能说在本世纪中叶之前影响了现代艺术的国际潮流。同样的理由， 1940 年代和 1950 年代美国的抽象表现主义和英、美的波普艺术，要拿相当的篇幅来叙述，因为它们最后向世界范围扩散。
尽管本书对于后来的 1960 年代和 1970 年代的绘画、雕塑和建筑的最新发展做了观察，对于今日艺术的叙述必须加以选择。在讲到这些艺术的时候，显然不可能包括在当时活动的、一切有才华的青年艺术家，但我们都有意包罗了那些正在继续进行开创性试验的人，并尽可能多地记叙他们的作品，以说明在当时看来尚未定型的主要思想。
H · H · 阿纳森
油画分为几个派系和几种风格，详细点
油画的流派分为两大类:
1、是以客观的再现为主的创造性作品
2、是以主观表现为主的创造性作品
以客观的再现为主的创造性作品:
1、文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义都是以再现自然为基础，表现画家不同的思想与目的。巴洛克派——巴洛克流行于17世纪至18世纪。
2、“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲，形体的丰腴与量感，其艺术语言强烈、夸张、动、浮华，这是巴洛克派绘画的特点，其代表人物为鲁本斯。
3、“洛克克”原意是指贝壳的形状，其艺术风格为繁琐、精巧、纤细、甜腻、流行于18世纪，其代表画家有华多和弗朗索·布欧等。
4、古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。这也是学院主义的奉行的原则。正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标。
它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。
5、浪漫主义起源于法国19世纪初期，其代表作是籍里柯的《梅杜萨之筏》，在此作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力，它打破了古典主义的衫搏构图中的水平与垂直，光线的柔和与均匀，使画面产生了一种激情。这也是浪漫主义绘画的重要元素，注重感情的宣泄与表达。
6、现实主义绘画指19世纪中叶，以米勒为首的画家主张袭备用忠实于对象的手法去表现正常的视觉形象，反映生活的本质。其代表作有米勒的《拾穗》等。
7、写实主义就如它的创始人库尔贝在1885年所讲的：“象我所见到的那样，如实地表现我这个时代的风俗，思想和它的面貌。一句话，创造艺术就是我的目的。”
8、照相写实主义是对生活以一种照片式的形式搬上画面，如克洛斯的《约翰像》。它绘制作品要先拍成照片或幻灯片，再把它以比真人大十倍的比例精细地放大到布上，更细腻、更逼真地表现出对象的细节，如脸上的每一丝肌理和每根汗毛等。
9、印象主义是19世纪的画家们走出了自己的画室，去探索自然界中光与色的瞬间变化，打破了传统观念上固有色的概念，如树是兰绿色、阴影是黑色，它把周围的环境色对固有色的影响进行了客观或禅祥的绘制。其代表画家有莫奈、修拉、塞尚、雷诺阿等。
以主观表现为主的创造性作品:
1、后印象主义画家强调表现自我感受，注重色彩的对比和事物的内在结构，其代表画家有凡高、高更等。这个画派对现代西方绘画产生了深远的影响。
2、野兽派以夸张的造型、强烈的色彩、粗犷的线条表达内在激情，马蒂斯是这一画派的创始人。
3、立体主义画派，画面的视点已不再是一个方位，而是对事物进行全方位的表现，使物体还原成几何形体。其创始人是西班牙画家毕加索和法国画家布拉克。
4、未来主义画家以抽象的形式，运用色彩、线条表现运动速度、力量及其组合与分隔。
抽象主义——抽象主义是依靠线条、块、面、色彩，进行无具象的抽象进行组合，其代表画家为荷兰画家蒙德尔安。
5、达达主义对后来的超现实主义、活动雕刻、波普艺术直到后现代主义都有一定影响。
6、超现实主义画派受柏格森的直觉主义及弗洛伊德的潜意识学说的影响，主张表现人的潜意识和梦幻。代表画家有西班牙画家达利、米罗。
扩展资料：
油画材料：
1、炭条。炭精棒与木炭条都适于在画布或木板上画素描。木炭条的性能更好，因为它的印痕较轻，更容易擦掉，用起来较为灵活。炭精棒能留下很重的线条，使轮廓线较为明确。
2、炭笔。线条较细，更适于画细部。有人不主张用铅笔，认为铅印会从油画色层底下泛上来。
3、色粉笔与蜡笔。在画布上使用不易过多，要避免使用白色或浅色。在这种素描中过多使用色粉笔或蜡笔会使底子不稳定。
4、水彩与丙烯色。极薄的水彩不会对油画色的覆盖产生任何影响。若要厚涂，就用丙烯色。
5、水墨。使用中国书画用水墨，是很有趣的事。墨线既可以用油画色覆盖，也可以保留，它不会轻易被松节油洗掉。
6、复写纸。可将纸上的素描稿复印到画布上。在起素描稿阶段，发胶、胶液等固定液是不可缺少的。对于易脱落或泛色的材料有必要喷上一层固定液。另外，各种橡皮、抹布等也是必备品。
油画养护：
油画作品在保存过程中难免会发黄变暗，这是由于表层光油被氧化的结果。至今还没有一种不会被氧化的光油，清除掉旧光油层重新上光是恢复作品原貌的唯一办法。常用的清洗溶剂有：
1、松节油。对旧油画作用弱，而对新色层作用强，尤其用热水加温后使用效果更佳。
2、精制汽油和苯（甲苯、二甲苯）。对树脂的溶解力比松节油强。
3、乙醇（无水酒精）和甲醇（木醇）。是树脂的强力溶剂。
4、丙酮和氯仿。能迅速溶解树脂和油层。美术用品商店出售的清洗剂一般是几种溶剂混合而成，强溶剂不能单独使用。
现代油画多采用树脂光油，用松节油就能清洗掉。国内老一辈油画家多使用油质上光油，需要松节油和无水酒精混合使用。而丙酮只有在清洗古代作品时作为添加剂使用。
5、双氧水。有许多名贵的白色颜料的物质是铅盐，在空气含有微量的硫化氢气体，当硫化氢遇到铅离子时，会发生化学反应，生辰接近黑色的固体硫化铅，使油画变暗，而双氧水可以将硫化铅氧化为白色的硫酸铅。
参考资料来源:百度百科-油画
