洛可可的艺术
图片参考：/~/rococo_costume_s 在巴洛克乐期后，约在1720-1775年，曾经出现了十分特别而短暂的「洛可可」(Rococo) 风格，与其他的音乐风格同时流行。「洛可可」这个字出自法文的 "Rocaille"（雕石），指雕纹的石刻艺术品，但亦应用于音乐上。它发展于十八世纪前半期的法国，音乐特色是轻丛肆指快、刻意、装饰华丽 － 与巴洛克时期那夸张和庞大的性质成对比。这种风格先出现在法国的键盘音乐中，巴洛克晚期的作曲家如库普兰 (Couperin)、拉摩(Rameau)、泰里曼(Telemann)、多曼尼高．史卡拉第(Domenico Scarlatti) 都运用了这种手法。后来，这种风格传到德国，并形成了另一种新风格雹贺。 其实，由巴洛克晚期至古典乐期，音乐经历了不少的改变：以往旧有的曲式渐渐地被新渗配的段落式结构所取代；巴洛克时期最常用的对位法慢慢地被放弃；管弦乐团的乐器、编制、表达技巧、曲目等均有很大的发展。 图片参考：/~/piano_e 想知道多些有关洛可可风格，甚或由文艺复兴至十九世纪的的绘画、服饰等，可浏览以下网址： La Conturiere Parisreinne 图片参考：/~/coco..2 图片参考：/~/coco1 2006-10-30 13:54:20 补充： 下面那位，人家是要画，不是要文字！
The Rococo style of art emerged in France in the early 18th century as a continuation of the Baroque style. In contrast to the heavier themes and darker colors of the Baroque
the Rococo style was characterized by an opulence
grace
playfulness
and lightness. Rococo motifs focused on the carefree aristocratic life and on lighthearted romance rather than heroic battles or religious figures; they also revolve heavily around nature and exterior settings. In the mid-late 18th century
rococo was largely supplanted by the Neoclassic style. The word Rococo is apparently a bination of the French rocaille
or shell
and the Italian barocco
or Baroque style. Due to Rococo love of shell-like curves and focus on decorative arts
some critics used the term to derogatively imply that the style was frivolous or merely fashion; interestingly
when the term was first used in English in about 1836
it was a colloquiali *** meaning "old-fashioned". However
since the mid 19th century
the term has been accepted by art histori. While there is still some debate about the historical significance of the style to art in general
Rococo is now widely recognized as a major period in the development of European art. Rococo developed first in the decorative arts and interior design. Louis XV's succession brought a change in the court artists and general artistic fashion. By the end of the old king's reign
rich Baroque designs were giving way to lighter elements with more curves and natural patterns. These elements are evident in the architectural designs of Nicolas Pineau. During the Régence
court life moved away from Versailles and this artistic change became well established
first in the royal palace and then throughout French high society. The 1730s represented the height of Rococo development in France. The style had spread beyond architecture and furniture to painting and sculpture
exemplified by the works of Antoine Watteau and François Boucher. Rococo still maintained the Baroque taste for plex forms and intricate patterns. By this point
it had begun to integrate a variety of diverse characteristics
including a taste for Oriental designs and asymmetric positions. The Rococo style spread with French artists and engraved publications. It was readily received in the Catholic parts of Germany
Bohemia
and Austria
where it was merged with the lively German Baroque traditions. Particularly in the south
German Rococo was applied with enthusia *** to churches and palaces. Architects often draped their interiors in clouds of fluffy white stucco. In Italy
the late Baroque styles of Borromini and Guarini set the tone for Rococo in Turin
Venice
Naples and Sicily
while the arts in Tuscany and Rome remained more wedded to Baroque. The beginning of the end for Rococo came in the early 1760s as figures like Voltaire and Jacques-François Blondel began to voice their critici *** of the superficiality and degeneracy of the art. Blondel decried the "ridiculous jumble of shells
dragons
reeds
palm-trees and plants" in contemporary interiors[1]. By 1780
Rococo had passed out of fashion in France
replaced by the order and seriousness of Neoclassical artists like Jacques Louis David. It remained popular in the provinces and in Italy
until the second phase of neoclassici ***
"Empire style
" arrived with Napoleonic ernments and swept Rococo away. Though Rococo originated in the purely decorative arts
the style showed clearly in painting. These painters used delicate colors and curving forms
decorating their canvases with cherubs and myths of love. Portraiture was also popular among Rococo painters. en. *** /Rococo
18世纪
洛可可艺术来自风格的倡导者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不仅参与军事外交事务，还以文味饭议化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳王照耀下有盛世气象的雕刻风格，被18世纪这位贵妇纤纤细手摩挲得分外柔美媚人了。
18世纪法国艺术是洛可望可的天下，而且，已经成为欧洲近代文垂磁图束松变坐永台明中心的法国宫廷，把这种靡丽之风传出国界，甚至传360问答到中国的圆明园。
洛可可风格是宫廷艺术，这种风格是由于当时一些不严格遵循法国古典主义法则的因素而产生的，它并不是意大利巴洛克风格的必然后果。它的遵循理论是“师法自然”。人们都在谈论“师法自然”，但是，我们从现代角度去看，他们所谓的对自然的模仿只是让自然服从于社会的心血来潮，而这个社会并未完全做好使人真正感受到生活在自然之中，并且充满着对生活的神秘醉意的准备。这时的艺术家们对贵族俯首帖耳，同时贵族阶级又要求他们唯命是从。苦度置究重法国人的这一发明使教会中心真正转向沙龙中心，而这时的沙龙已与过去不同，各种绘画展览都被称之为“沙龙”。画家、雕塑家、木刻家、铜板画家、珠宝商、金银器皿商、细木家俱商、十搞减处止职保理发师、裁缝、制靴匠，所有误必般的人都对洛可可这种在结构脆弱的高雅文化基础上绽开的美艳之极的花朵趋之若鹜。在每个角落，在高谈阔论的男子和楚楚动人的女子周围，从木器、始养题轴汉水晶器皿、糕点、大理石、地毯到陈列柜及里面的餐具，从四轮马故燃既义王如短车到轿子，从前厅到卧室，洛可可风格无所不在。这是上流社会的艺术，它滥用着并且吸干了艺术家们的殷勤，用窃来的爱情和移植的花朵分散了艺术家们的注意力。这种不断向上攀缘的结构尽管放射出璀璨的光辉，但它却被禁锢在高雅文化周围，查过保点异喜果历易客渐渐地疏远了其天然的源头。令人遗憾的现象出现了：这种蜿蜒缠绕的曲线，限制了装饰师们在空间中实现全面发展的自由，并且总是把它导向为使人难以摆脱的社交活动服务的轨道，显间争谈守杨形态天意吃而这种装饰艺术正是顺应这一需要才得以问世的，它成了王公贵族的俘虏。
洛可可艺术的灵魂式人物是绘画大师弗朗索瓦·布歇。他在天花板、屏风、车把手、门的正面、首饰盒和瓷器上，可以说在任何地方，都绘制了牧歌式和田园曲式的爱情神话故事题材。布歇和蔼可亲，慷慨大方，注重享乐，受到男男女女的喜爱。他和自己的时代不断地交换看法，询问个人和这个时代应该做些什么来爱这些男女应讨叶属适在三总源里，并获得他们的热爱。他因此获得湖连满劳爱倒板实“皇家首席画家”的称号。
代表洛可可雕刻最高成就的是受蓬帕杜夫人赏环识的两位艺术家：皮加尔和法尔科奈。
让-巴蒂斯特·皮加尔(1714～1785)访问过意大利，是争取罗马大奖——王家绘画雕刻学院为优秀学生提供赴设在罗马的法兰西学院江进修而设立的竞赛奖，失败之后自费去的，足见他对意大利艺术的向往。他在罗马作的《系鞋带攻料例过热界的墨丘利》小稿，在他1741年回巴黎时，为他赢得进入王家绘画雕刻学院成为院士的荣誉，而且以此稿完成的云石像连同他的另一件作品《要墨丘利传信的维那斯》一起，被路易十五当作礼物赠给了普鲁士同酸居国王腓特烈二世。他为蓬帕杜夫破始室顾露合试人工作了十年，以她为原型作寓意像的《妆扮友谊之神蓬帕杜夫人像》和《爱神拥抱友谊之神》非常精彩，他把这位艺术保护人表现得既高贵又亲切，既聪慧又迷人，他有别于同代雕刻家的地措移形土进殖画功财顺方是他也追求其它艺术风格，如在他去世前完成的《拔刺少女》，追随希腊古风，为他一生的创作画出句号。他的这一面，在其学生乌东的艺术中得到了发扬。
与皮加尔齐名且是对手的艾蒂安——莫里斯·法尔科奈(1716～1791)，也和皮加尔一样出自让-巴蒂斯特·勒穆瓦纳门下，也在罗马大奖争夺中败阵。但他安心留在法国而未赴意大利“朝圣”。他终于成为洛可可雕刻最杰出、最典型的代表人物。他曾受命于蓬帕杜夫人，领导了著名的赛夫里陶瓷工厂，又接受俄国女皇叶卡捷琳娜二世的委托作《彼得大帝骑马像》。
法尔科奈的灵气和秀气，无人可及，他把法兰西雕刻的优雅柔美风格推到了顶点。他凿下的年轻女性，个个都是娇小玲珑，苗条婀娜，风流妩媚，充分体现法兰西的品格，而且她们不再是吉拉东的宁芙，虽然娇美却尚不许凡人触动，而是以玉温香馨的青春之体在邀人爱怜了。法尔科奈的作品不但造型生动，而且人物情态丰富细腻。蓬帕杜夫人的时代造就了他。
洛可可风格是宫廷艺术，它起源于上层社会的需要。大部分制造这种艺术品的工匠在个人生活中是与它完全无缘的。比如塞夫里皇家瓷厂的瓷器，被用于国家的社交场合，就像今天的英国皇家将它们用于欢迎来访的外国元首的国宴上。洛可可装饰风格本身就成为这种盛宴场合的特色。塞夫里瓷器的设计由国王亲派的法尔科奈、布歇等艺术家完成，具体制作的工匠们没有钱也不能在日常家庭生活中使用它，只有那好赶时髦、朝三暮四的贵族使用。
这种制造和消费特有循环圈，促成了贵族互相攀比的风气和设计走向极端奢华的两种现象。18世纪堪称是马车的黄金时代，达官贵族都拥有代表自己权势和等级的马车，相互攀比、竞相争艳。具体表现为：选用最上乘的木料做骨架，马车的款式奇异，以曲线居多，纹样多以植物为主，穿插一些优美神话故事为题材的装饰画，色调常以红、黄为主，再以金色统一整体，以昂贵的造价获得华丽气氛。这充分显示出贵族的审美情趣，同时，我们也为匠师们用自己的智慧和双手创造出如此精妙的作品而赞叹不已。
我们从现代的角度审视18世纪的洛可可艺术，应该说蓬帕杜夫人是那些喜欢豪华风格者的代表人和组织者，有“众望所归”的特征。所以，才有洛可可风格作品出现后在贵族引起“共鸣”的时尚。也可以说，贵族们崇尚华丽的风气，诱发了洛可可艺术。当时上层社会的男男女女无不热心并亲自参加工艺活动，以至于这些举动有的达到令人讥笑和荒诞不经的地步。16世纪，当衰败的瓦卢瓦王的国王查理九世答应送给西班牙国王一支他亲自制作的枪时，那位西班牙大使为之惊诧不已。18世纪，路易十六的妻子玛丽成天抱怨他的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至无暇顾及妻子，路易十六在他的作坊中潜心钻研的是钟和锁的奥秘。在这两例中我们似乎瞥见了那些把命运强加于他们身上的角色不相适应的悲剧性人们。这些人在体力劳动中发现了一个聊以自慰的世外桃源。但这对于不理朝政的帝王来说却是不祥之兆。
另外，洛可可风格也在17、18世纪的法国音乐作品中发生影响，但远不如在造型艺术上那样显著。法国作曲家F.库普兰所作、深受国王路易十四欣赏的许多室内乐和哈普西科德曲，多玲珑纤巧，装饰华丽，与当时的建筑式样、室内修饰以至于家具构成等各方面在风格上颇有共同之处，这些作品常被认为是洛可可风格在音乐上的早期反映。法国作曲家 L.-C.达坎所作的许多哈普西科德曲也多带着洛可可色彩,特别是命名为《杜鹃》的更为典型。法国作曲家 J.-P.拉莫所作的许多芭蕾舞曲,以和声手法新颖著称，在风格上也属于洛可可一类。
洛可可风格迅速地由法国流传至欧洲各国。在德国，G.F.亨德尔和巴赫等一代人的某些作品中，也都受到一定程度的影响。如亨德尔的《弥赛亚》中一些装饰富丽的复调写法，J.S.巴赫的《勃兰登堡协奏曲》中某些变化多端的片段甚至在J.海顿和W.A.莫扎特的一些逗人喜爱的轻松小品中，有时也还存在着洛可可的余音。
意大利作曲家D.斯卡拉蒂留下的 600多首哈普西科德曲都非常精致，装饰富丽，是具有明显的洛可可风格的作品。这种风格延续至18世纪路易十五时代达到高潮，18世纪后期逐渐消亡。
风靡一时的奇想多变的洛可可风格随着蓬帕杜夫人的亡故而终止，被路易十五另一情妇杜巴利夫人倡导的新古典主义而取代。但是，洛可可风格的璀璨之处，自有它超时代艺术生命力所在，现代人都公认它是19世纪下叶新艺术运动的前奏。而那些幸存的艺术精品，至今还散发着光芒，并向人们述说着那个岁月的时尚和人们不知道的故事。
