素描里面什么
重表现 表现是学习素描的最终目的。在素描中有许多关于表现方面的规律性知识，是必须也是较容易明白的。规律这东西当你不掌握时总感神秘莫测，但捅破这层窗户纸，它就变得非常简单易明。一切规律皆如此。 不少人被许多未知规律所困惑，下面举几个规律性问题： 第一，体积与转折： 没有转折就没怎苏林有体积，可一般人都认为不画明暗就防住没有体积感，这是不对的。“抓转折”是表现体积的最基本方法，不抓住转折的位置，画多少明暗和光影也无济于事。 见六边形的图解。没事随础乐功画转折时它是个六边形的平面，画了转折它马上变成了立方体。并没有画光影不也很立体吗? 不要忘记，体积也是有形的，是具体的，有它的大小、宽窄。“面”也不是抽象的，也具体。因此，只有抓住具体的转折位置，才能产生面。没有转折哪里有面?没有面体积又从何而来? 画一幅人物肖像，它是由无数的转折组成的无数的阶梯形面。明暗何以产生，光影的位置在何处?没有轮廓线就没有形，没有转折线就没有体。 第二，透明的暗部来自： 认为暗部不受光画黑一些就可以了，迅客被六七它这是不对的。首先必须知道暗部虽不受光，但它受反射光的影响，因此，把暗部画成黑色块是错误的。 什么是透明?透气?很简单，暗部四周是深的，中间部分照概围是亮的。为什么四周360问答颜色深?因为它四面都与受光的亮部相接壤，在与亮部的对比之下产生了错觉，感到这一效事社夫混管杂药地带颜色深。中间亮则是让派放由于反光造成的，反光越强中间越亮。请看图解。 第三，统一的暗部： 暗部的第二个特征就是它具有统一陛。、所有暗部皆属不受光部分，不管其中的各种物体有何种不同变化，都应统一与和谐于一个大的暗部之中。在与亮部的对比之下，它处在影子之中，故还带有隐蔽性和稳定性、融合性及无分割感。如果孤立地拉大暗部中的各种变化和差构区别，必然造成暗部的破碎感。 暗部呼比否原她击密座映是乐队中的低音部，是为衬托亮部和高音部而成的。暗部为衬托亮部而存在，它小攻钢须功细就不应喧宾夺主，速掉光消著暗部是无名英雄，是舞台上的配角。 不应把统一的暗部中间的部分分开观察，分开一件件去画，要求把暗部作为一个整体一起观察一起画，合起来画或混起来画。 画素描要先从暗部入手，它是画亮部中深浅的依据，并且要先从明暗交界处，从转折部分画起，从前往后画也就是从近往远画，以表达空试处穿红间。 亮部则与暗部的特存良务告征相反，它暴露在光天化日之下，在与暗部的对比之下，它有跳跃感、闪烁感，清晰感和实在感。亮部是主角怎么画也不为过。 第四，物体间的空间关选纪被系： 首先要明确的是，空间是毛读靠对比产生的，没有前章书育究名石妒请否它友就没有后，前面的东西要想办法拉出来，后面的就自然推远过去。另外，把远处的东西推过去，前面的部分也自然在对比中拉近了空间。 主体物与背景空间距离越远，二者间轮廓的清晰度和黑白的对比就会越强，反之就会越弱。 另外，还可以靠主体与背景的衬托关系，它通过简与繁之间的相互衬托，或繁托简，或简托繁。还有黑白之间的衬托，或黑托白，或白托黑等，还有粗与细、曲与直、动与静之间的相互衬托关系，都是处理空间不可缺的要素。 有人空间观念差，画前面的东西不和后边的东西比较，不去观察它们之间均的空间位置，看不轮电飞范东依诉例选均到前与后、近与远的空间距离，这样能画出空间吗? 第五，光源与光感： 有光即有光源，有正面光、逆光、侧光、顶光、多向光等。有光就会有反射光，通常表现在物体的暗部。 不同的光源产生不同的效果和光感。 正面光和逆光单纯而统一。侧光和顶光多变易杂乱，在侧光下老人脸上的皱纹会一条条暴露无遗。 写生中选择光源要有明确的目的性。 日光、灯光、烛光是一个光源，明暗关系明确。天窗光的优点是上下左右的形体在光照之下有明确的起伏，体积感强，会产生丰富的色调变化，古典绘画多采用这种光源，既柔和又能体现自然美中的强弱、虚实变化，立体感很强。 印象派画家们发现在室外的阳光下，万物不但提升了亮度，而且色彩顿时艳丽起来，它的暗部也因受强反光的影响而丰富起来。印象派打开了明暗关系变化的新天地。 以上例举了一些在表现方面的规律，在这些表现范畴中，有待研究的问题很多，要在不断的学习中去总结。研究规律会使你少走弯路，表现对象更为主动。 •小结• 表现——是学习素描的终极目的。 素描的基本功训练，着重要求“忠实地表现”，离开忠实这一客观标准，这种训练就失去标准，而离开了表现，就是被动、无个性的枯燥乏味的描摹。要表现自己特殊的认识和独特理解与感受。 从古典到现代，在表现对象这一问题上，基本观点都是要求“主动”，反对被动抄袭与描摹。古典艺术要求客观地、忠实于对象以写实手法表现对象；现代艺术则更强调自我意识和个性化的特殊表达。用塞尚的话说二者的不同点就是：“准确描写不等于真实”。也就是他认为古典主义主张“准确描写”，忠实于对象，而现代艺术则认为准确就不能真实，就会妨碍主观追求。 不断创造是可贵的。创造是从观摩开始的，用不同方式观摩对象本身就是创造的第一步。创造力不能只凭天赋，还必须具备把各种绘画功能综合为一体的能力，和善于特殊运用各种绘画的知识。 客观地表现对象，在初学阶段非常重要与必要，它是检验你是否把对象认识清楚，如对形、对结构、对明暗关系等。同时也检验你对整体与局部关系的把握能力。没有客观标准，就无法做出对自己表达能力的判断。 任何一个大师皆从客观表现的基本功开始，成熟后逐步走入主观表现阶段。为什么?因为客观表现是基础，是学习素描的必经之路。不如此，在艺术的发展上必是短命而半途天折。 从有法到无法，实际上是从素描基本功训练到艺术表现，从客观到主观，从技术到艺术，从学习初级阶段到学习高级阶段的必然转换。不能滞留在“有法”阶段。 有法是入门的阶梯，无法才是奋斗的终点。 中国和西方的文化传统在观念上截然不同。中国有五千年来的发展历史积淀，博大渊深，在世界上独树一帜。这是一份无价财富，一定要深入学习和研究中华民族这份优秀文化遗产，认真继承，这是“洋为中用”的前提，否则就会全盘西化。 中国的文艺复兴始于唐代，比欧洲早一千年!中国画的线描、笔墨、黑白为主要表现形式的绘画是世上最早、最出色的素描艺术!中国画一开始就确立了“师造化”的写生原则，和西方不同的是更加强调艺术的表现力发挥，提出“外师造化，中得心源”，“画以神似之得为高，专以形似之求为末”的主张。 齐白石先生把中西绘画之差异，有过精辟概括“善写意者言其神，工写生者重其形”，孰高孰低一言以蔽之。中国追求的是“遗貌取神”，追求的最高境界是：“求神似于形之外，取生意于形似之中”，是“不似之，似是之”，是“似与不似之间”的审美观。 1957年毕加素对张大千先生说：“在世界上要讲艺术，第一个是你们中国人的艺术。整个西方、白人都没有艺术”。 中国的素描艺术有待我们在“洋为中用、古为今用”的方针指导下，在努力继承五千年来的文化遗产的前提下，创造中国自己的素描体系。创造出具有中国风和中国气派的作品。 要把艺术看得比生命更重要!画比天大，心比天高! “只有献出生命，才能得到生命”。——泰戈尔 希望对你有用~
印象派的绘画技法特点是什么？
印象派的画作非常的好看，每一张印象派的画作都适合挂在家里欣赏，那么意象派的绘画技法特点是什么呢？印象派是对“逼肖自然的一种极端。”当时物理学上对太阳光分析法的研究已取得进步，为了达到画面上的光亮度的增加，为了避免颜料混合而产生的灰暗感觉，画家们在野外直接对景写生的普遍经验，驱使他们厌烦已有的程式，在用色技法上作新的探求。他们的基本办法就是以色点、色线、色束并置的办法来取得光亮的效果和由于并置而产生的色彩颤动感。为了强调光的效果，他们故意将物的轮廓线弄模糊，轮廓线也是色点、色线的聚合交叉。物体色互相侵入到对方的区域里，它们互相衬托，互相反拨，在模糊的震动感中，使人感到一种朦胧的深远距离。他们也发现物体的阴影不是暗黑色的，而是蓝紫色的了。他们以漂亮的小笔触布满画面，或者是以蘸了几种颜料却很少调和的色束笔触布满画面。莫奈、西斯莱毕沙罗都是小笔触造型的大师。这种方法发展到新印象主义的修拉、西涅克，则变得更加规则化了。修拉喜用同样大小的圆点，西涅克则用同样大小的方点，这种笔法的规则化必然使他们的画面趋于装饰化、严格的色彩构图和坚实的线的构成。印象派画家一般都尽量不用过多的干性油，以免画面发光；而使用挥发性油作画，使用工业生产的锡管装颜料，画完后也不上光油。印象派画家作画时不要求素描的准确，毕沙罗给青年画家勒贝尔的忠告中作了阐述。他说：“要在大自然中选择最适合干你的气质的主题。观察主题时多注意形体和色彩，而不要太着重于素描刻画…太准确的素描索然无味，而且不能给人以整体的印象，它会破坏各方面的感觉。“不要一个局部一个局部地画，而要在整个画面全面布色，选准确的明暗调子和色彩，并注意左右的东西用小笔触及时记录下你的感受。在观察颜色对周围产生的反光效果时眼睛不要集中到一个点上，而要照顾到全局，天空、水、地面、树枝要同时画，所有这些东西都要保持同样的进度。并不断地进行修改、充实，直到画完为止。”华沙罗的上述见解很具体地阐述了印象派画家在外光写生中的技法进程。印象主义把人们经验里的表象的概念的元素以纯视觉的成分分别开来，颜色被分解成纯色色点，愈加接近视光分析。诸多色点互相衬托互相反拨，增强着色彩价值。
