新古典主义画家安格尔的代表作《泉》《土耳其浴室》《大宫女》，他的绘画有什么样的影响？
安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。
安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者厅拆。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。
安格尔对表现女性裸体充满了热情，他的自然道路就是爱神的道路。他对女色的嗜好是深刻而一贯的。当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往是空前的。肌肉、曲线、酒窝、 土耳其浴女柔韧的皮肤——一切的一切，我们都可以从他的油画上看到。
《土耳其浴女》是安格尔的优秀创作之一。画中的裸体组成了一个中间性的基调，小小的蓝、红、黄各色斑块，如宝石一样嵌缀其间，只是稍显模糊，但非常和谐一致。在女性美的表现上，安格尔克服了他那种感官上的爱好，赋予了它以传奇的魅力。这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，众多的“洗练”和“洁净”结合在一起就使得形式更为丰富。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味，以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。
安格尔把对古典美的理想和对具体对象的描绘达到了完美统一的程度。 在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，《瓦平松的浴女》和《泉》无疑是最好的二幅。《瓦平松的浴女》作于1808年，安格尔时年28岁。美妙的女子背影使他激动得竟至无暇过多顾及技术。半明和半暗的调子在这柔嫩的背上颤动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。绿色的帘子、浅黄色调的身体、白色的床单、白色带红的绸头巾一一全部安排在一个平面上，如在镶嵌饰物中一样和谐地交织在一起。
安格尔从1830年在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始创作《泉》，但一直没有完稿。二十六年以后，当他已是七十六岁高龄时才画完此画。这幅画是安格尔的得意之作。“泉”把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力，是他毕生致力于美的追求的结晶。这虽是他晚年的作品，但所描绘的女性的美姿却超过了他过去所有的同类作品。“泉”也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。由此可见，安格尔的造型力纯粹是对现实的一种感性的占有，在他的构图创作中，只有当他的可能拜倒于女人面前时，他才创造了真正的艺术作品。
安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，还认为：一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。这位古典主义绘画的末代风流画家，辩伏好吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。这里所不同的只是，象马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的
裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进携铅一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。” 《泉》大概在意大利佛罗伦萨时就开始酝酿了，那是在1820年的事，为什么事隔36年后才最终完成此稿呢？这还得从他的学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗两人说起。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。有人认为这幅画最初是由上述两个学生协助完成的。 安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年工夫。 1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，终于成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。
油画作品如何欣赏
如何欣赏一幅油画作品
近年，油画渐渐进入寻常百姓家。人们在装饰居所墙面时，常常会选用一些水彩画，中国画和油画。尤其是油画，更受人们青睐。
在我国，绘画市场大体分为三类：中国画，西洋画与民间绘画。中国画讲求气韵，意趣，笔墨，西洋画则不然。西洋画包括油画，木版，铜版，素描，水彩，水粉等画种。其中油画是表现力，实用性与装饰性最强的画种。
西洋油画被引进我国仅有三百多年，而广泛进入到人们的社会生活中，不过是上个世纪初叶的事。改革开放后，各种风格，流派的油画创作都有了一席之地。
油画创作就其题材划分，可分为主题画，风俗画，风景画，人物肖像画与静物画等。但不论何种题材，作品主要是依靠造型与色彩两大要素。也就是说，油画使用的是形，光，色这三大表现手段。
形，也就是形体。这就要求画家首先要具有造型能力，要有深厚的素描功底。没有很好的素描基础，要想画好油画，如同没有地基的高楼，是立不起来的。
光，也就是光效的表现。法国印象派兴起之后，引发了人们对光的研究与表现。画家对光的理解趋于了科学与理性。因而对光影的表现也就更加逼真生动。光与光影是烘托气氛的重要元素。这个道理只要看看戏剧舞台的灯光效果就不难理解了。
油画最重要的元素是色彩。色彩不同于调色板上的颜色。画家从来不会把调色板上的颜色，也就是工厂制造出来的颜料，原封不动地搬上画布的。这些颜色必须经画家精心地加以艺术化的调制，以求得色彩的柔和，逼真，色块与色块之间搭配的和谐统一。这就是人们通常所说的调子或色调。一幅油画的颜色不能是五颜六色的胡乱拼凑，也不能是纷繁庞杂，令人眼花缭乱的，而应该形成能体现出某种色彩倾向的，并且变化无端，微妙细腻的画面效果。
色调是油画的灵魂。没有调子，也就是说一幅油画如果没有形成一种基调，没有和谐统一且又富于变化的色块组合，那末，这幅油画可以说没有达到及格线。
除以上要求外，油画还讲究构图，笔触，节奏等等，这里就不细说了。
现代油画创作大致上分为两大类：抽象绘画和具象绘画。
所谓抽象油画，就是在画面的表现上抽掉了摹写自然物的形，代之以一种意念，意象的表现。这种绘画没有具体的自然界的形象，只有色块，线条，点面等等。读画者仅仅从这些色块的组合中引发联想与想象。如赵无极大师的作品就属于这一种。抽象绘画的艺术理论形形色色，但可用一句我国古人的话来概括，即” 大象无形 “。
通常，人们有一个误区，以为印象派，野兽派，未来派都叫抽象画。其实，这些艺术流派，不过是突破写实主义，古典主义的框架，并没有把形象抽取掉，至多只是把现实的形象加以现代化的表现，加以变形与夸张罢了。
当前，我国也出现了不少自诩为抽象派的画家，有些画家形成了一定风格，作品也有相当深度，但有些人可能缺乏素描基础，又没受过现实主义绘画的严格训练，误以为随便涂涂抹抹就是抽象画了。这样的作品含义不深，意趣不浓，既无装饰趣味，又没有刻意匠心，仅仅流于了形式。其实，它大大歪曲了抽象绘画的主旨。
在具象绘画中，除了全然写实的之外，有浓郁装饰趣味的，有变形的，或者介于抽象与具象之间的多种形式。
总之，如今是一个多元的时代，油画创作不论就内容或就表现形式来说，也是多种多样的。我们不能厚此薄彼，要让各种流派的作品在油画的百花园中，大放异彩。
