分离
纳比派
世人公认塞尚、凡•高和高更是开创20世纪现代艺术的倍音王至概护治史谁好祖师，在他们活着或死后都影响有限。把他们的思想继承光大，传播给20世纪前卫派画家的是讲劳军一个小小的艺术家派别——纳比派。
1888年夏天，压独24岁的塞吕西耶在法国西北部布列塔尼的阿旺桥与在那里作画的高否秋剧新先更相遇，高更那时刚画完《雅各与天使在搏斗》一画，那主观的、带有神秘意味的象征性色彩征服了这位年愿东频于责击害贵轻画家。他后来又随高更到一个称为“爱之林”的森林写生，高更指出色服彩的奥秘：“树木应当是什么颜色？你看到多多少少的红色吗？很好，在画面的那个地方放上真正的红色。——那么影子呢？假如在那儿有一点蓝色就好了。那么你把调色板上最漂亮的蓝颜色放到那儿去！”塞吕西耶边听边随手在一个烟盒上按高更的指点画了一幅小风景画，他拿着这张画回到正在学习的巴黎朱利安学院，围观的同学有博纳尔、维亚尔、兰森、瓦洛通等。他们一下子成了高更主义者并把塞吕西耶这幅小画称“护符”，而把自己有幸得到这“福音”的一伙人称端条居组深均血着“纳比”即希伯来系喜让优下巴盟盾迅绝热语中的“先知”。这就是纳比派的由来。
纳比派接受造宣有调布只冲了高更的艺术影响而从事新的探架索发展：即高更的综合理论导致了象征主义的庄严、简化和变形的装饰风格，也就是说，把自然移植到了智慧与想像的领域之中。所谓变形有两种类型光功：依据一种纯美学和装饰味的设想以及一些着色与构图技术原则进行的客观变形；使画家本人的感受进入绘其该差画表现之中的主观变形。
纳比派从塞吕总胞作价强倒西耶的“护符”开始，到以德尼的《向塞尚致敬》宣告结束。这说明纳比派自身的价值仅在于阐明了塞尚和高更的视觉方式。这是一种更强调自我的心灵观照的观察方法。
尔后纳比派分裂为分离派、综合派、新传统派。
维也纳分离派
19世纪末维也纳美术界以学院派为主建立的“艺术家协钱础除农让随会”中，一些持不同艺术见解的青年艺术家于1897年重新成立了“奥地利造型艺术协会”。不久克里姆特等八位青年艺术家因观点不同退出该协会，于1897年4月3日在维也纳另行组织艺术家团体。他们并没有明确的艺术纲领，只是创作思想相近，便形成了所谓维也纳分离派。分离派画家反对古典学院派艺术，宣称与其分离，主张创新，追求表现护害没光数先功能的“实用性”和“合理屋电乎只说落候良致乙燃性”，既强调在风格之温扬上发扬个性，又尽力探索与现代生活的结合，创造出一种新的样式。分离派是在绘画、装饰美术、建筑设计上有过影响的新艺术流派。它在形式上虽好使用直线而其根本精神却在于反对传统规范艺术，主张与现代的文化接触与现代生活的融合。这个派的画家们在反对学院派旧艺术形式这一点上是一致的，但在艺术倾向和风格上，始终是多种多样的，所以说它并没有明确统一的纲领，它对德国的影响很大。
维亚尔 (1868-1940年)
爱德华•维亚尔生于法国索恩-卢瓦尔省的古依索，逝于拉伯尔。他和博纳尔同为纳比派的主要代表画家。
维亚尔最初从马约尔学画，尔后考入朱利安美术学院，在那里结识了博纳尔、丹尼斯等，后来成为纳比派的成员。维亚尔起初受高更和日本浮世绘的影响很深，力图使作品具有象征的、神秘的境界，单纯的色彩块面构成了画面的形象。在他看来艺术应该是精神的创造物，画家应该从主观上重新安排它们，这种重新安排必须从美的观念和装饰的观念出发，自然界的任何物象只不过是按照一定规律被安排过的色彩所覆盖的一个平面而已。
到了20世纪初，维亚尔开始抛弃自己原来的观念和画法，创造了自己独特的室内情景画。他从夏尔丹和荷兰画派的维米尔的风格画中得到启迪，以印象主义的色彩和笔法再糅合象征主义的构图，来描绘温暖的家庭室内情景。这时期他认为印象派的色彩和技巧是可以借鉴的，有人认为他是20世纪印象派绘画的直接继承者，但是实际上他的观察法和表现法与印象派是有区别的。
维亚尔善于应用装饰性的色彩去代替写实的表现，运用大色域的平涂与点彩派的效果完美统一。他是纳比派中具有严格而精确风格的画家，即使在装饰性的结构、蜿蜒的线条和物体的变形中也考虑到简洁而稳定的构图。他的画在精美中含有严谨，悦人中包含精确。对于这位严肃的画家来说，一切都是安静平和、朴实自然的，他被誉为是现代的维米尔。
1938年画家被选为法兰西学院院士，他居住的蒙马特汶蒂米尔小广场，以画家的名字命名为“维亚尔”广场。
每周一位艺术家——古斯塔夫·克里姆特
古斯塔夫·克里姆特说：”我从来没画过自画像。我缺乏把自己当作绘画主题的兴趣，而女人优先重要……我没什么特别的。我是一个日复一日、日以继夜地画画的画家……任何想更了解我的人……应该谨慎地看看我的画。"
古斯塔夫·克里姆特 （德语： Gustav Klimt ，1862年7月14日－1918年2月6日，又译 古斯塔夫·克里姆 ）
出生于维也纳，是一位奥地利知名象征主义画家，他开创了维也纳分离派，是维也纳文化圈代表人物。
克里姆特特画作的特色在于常常采用具有装饰感的绘画符号和绘画纹样来表现自己的绘画理念，他一生执迷于女人，喜欢土豪金，作品极富有象征和装饰意味，主题常围绕着“性”、“爱”、“生”、“死”的轮回。
喜欢他画作的人称赞有其“沉闷美感”与大胆象征寓意，但也招致不少保守派画家的负面批评。
克里姆特强调个人的审美趣味、情绪的表现和想象的创造，他的作品中既有象征主义绘画内容上的哲理性，同时又具有东方的装饰趣味。他注重空间的比例分割和线的表现力，注重形式主义的设计风格。他那非对称的构图、装饰图案化的造型、重彩与线描的风格、金碧辉煌的基调、象征中潜在的神秘主义色彩、强烈的平面感和富丽璀璨的装饰效果，使画面弥漫着强烈的个性气质，对绘画艺术和招贴设计产生了巨大而又深远的影响。
1918年，克里姆特因染上西班牙型流行性感冒而病故。
篇幅原因，只放部分有代表性的作品，全部作品免费分享，私信克里姆特即可提取：
《吻》是艺术家最著名的作品，有人认为这是他唯一坦陪的自画像，画面中的女性是他毕生的情人、伴侣、模特和缪斯艾米丽·弗罗杰，克里姆特给她写过数百张明信片，每年他们会结伴到乡间度夏。然而，二人从未同居、结婚，或生下孩子。
这是一幅表现爱的抽象主题寓意的杰作。在开满鲜花的草地上，男人轻柔地抱起女人的头，富有激情地亲吻着女主人公的脸颊。男人身上的装饰都是方正色块，由黑白黄三色方块构成，象征了男人棱角分明，坚强的特质。女人身上是感性的圆形图案与流动的线条，代表了女性的柔媚和温柔圆润。女人一条手臂搂着男人的脖颈，一只手紧抓着男人的手，闭着眼睛尽情享受着幸福的感觉。
她的表情是迷醉的、满足的，甚至似乎还有些害怕这幸福时刻的结束。在画面形式营造上调动了各种艺术手段，诸如线条和色块的组合，色彩中掺入金粉，使画面呈现出美妙温馨的梦幻场景。
这幅画被认为是克里姆特最著名也是最优秀的作品，曾经创造过艺术品拍卖的世界纪录。
画面中的艾蒂儿坐在金色椅子上，身穿一件有许多直线、方块、三角与抽象符号的连衣裙，脖子上戴着一串宝石项链，两手交叠，表情迷离、忧郁而又放纵。她的装饰帆滚复杂的裙子、椅子与闪烁的背景几乎融为一体，艾蒂儿的头发、脸部、肩部与手用传统油画手法绘制，但在近乎抽象的黄金裙子、椅子的映衬之下，她的形象似乎不属于尘世，而态信余带有一种浓厚宗教与偶像气质。
这件作品极具装饰性的风格来源于其独具特色的制作手段：画面上大块的金银碎片是由金片在画布上拼接而成，部分白色区域还用到了石膏，只有大概不到十分之一的区域是用油彩绘制。按照画家自己的说法，他的灵感来自于意大利的圣维塔莱大教堂，教堂中布满巨大但是细致的马赛克装饰，这些“令人难以置信的辉煌马赛克”给了他许多启示。
雅典娜是希腊罗马智慧女神，是一个的强大存在，克里姆特对的她描绘超出了常人的理解。
值得注意的是，在这幅模糊的图像中，克里姆特强调了女神雅典娜的雌雄同体的个性，这是一种模糊性别身份的表现，雅典娜身着军装，戴着头盔，十分具有男子气概。
只有从她脖子两侧稀疏垂下来的头发我们才意识到这是一个同时带有女性气质的正义之神。画的左边几乎看不到她的身影，而角落中却出现了一个清晰的裸体女性的形象。
克林姆特喜爱画裸女，大多神情暧昧、姿势慵懒，你甚至会觉得每一个裸女似乎都是他的情人。除了画作质量外，几乎所有作品都充斥着的“金光”。然而他的遗作《新娘》相比以往的创作，色彩明显弱了很多。他虽然依旧在画中表现出浓烈的欲和妖艳，但色彩方面却不再金光闪闪，而是逐渐趋于平和，仿佛在表达着自己年龄大了看的更开了。
1901-1902年，克里姆特创作了这幅《金鱼》，这是他在为维也纳大学绘制壁画并引起世人激烈评议的时候。克里姆特为了对众多攻击自己的人实施还击而创作此画，他曾打算为这幅画起名《给我的批判者》。在这幅作品中，长方形的画板上描绘着几个不同情态的裸女，人物的身体若现若隐，流动的曲线和明亮的裸体使画面充满生命的活力。画家巧妙地运用不同的曲线变化和色块构成图案似的画面，装饰中有写实，抽象中杂着具象，画风独特。画面下方，克里姆斯描绘了一个大臀女子，似乎是要以这样无礼的姿势去还击那些道貌岸然的批评者。画中的人物表情带有一种怪异，而且颇为性感。当然，这幅《金鱼》也遭到了批评，克里姆特在这段时间受到了无休止的攻击。
克里姆特的画作乍一看虽然狂放热情，但其实暗暗隐匿着作者对人生的遗憾和伤感。
比如在作品《女人的三个阶段》中，克里姆特将人的一生分为少年、中年、老年这3个阶段，运用大大小小的圆圈为画面打底，这些圆圈如同人的细胞一样，密集盘旋在人的周围，蕴藏着生命回归之意。
在人物勾勒中，画作中一位幼儿恬静地熟睡在妈妈的怀抱里，这位妈妈脸上的皱纹纵然千沟万壑， 却依然气定神闲，神态十分安详。
这一老幼人物的强烈对比，一方面表达了创作者对生命消亡的惋惜和悲恸；另一方面，却也折射出他内心的浩渺无垠——人生下来必将走向虚空，没有什么值得大喜大悲的。
1.色彩语言的表现形式
克里姆特在他的作品中，常会大量使用金粉、银粉或者金箔等混合颜料以平面的手法进行刻画。除此之外，也常会用不同颜色、不同大小的色彩铺陈背景。
他擅长将各类金色运用在画中，如《吻》、《女人的三个阶段》、《艾蒂儿·布洛赫-鲍尔肖像一号》、《帕拉斯·雅典娜》等等这些作品，这一阶段金色被他用的炉火纯青，不仅彰显着他的画风趋于成熟，还被称为他绘画时期的“金色时期”。
2.线条语言的表现形式
线条是克里姆特作品的另一杰出特色，有时细腻平和，有时粗放豪迈，完美的结合了西方的理性严谨和东方的意蕴之美。
克里姆特的线条不仅能塑造人物的画面形态，创造出空间之感，还能追求轻盈曼妙的效果，起到一定的装饰作用，营造出强烈的视觉效果，并达到观赏的目的。
比如在《吻》这一画作中，画中男性就借用长短不一的直线进行刻画，而直线又会让人感觉到理性与坚定，虽看不到画中男人的面部神态，却也能营造出一种坚毅果敢的形象。
而曲线跟直线的理性坚定相比，更会给人轻松愉悦之感，在克里姆特的诸多画作中，常常会用曲线加以铺陈，大面积的曲线线条，交织勾勒出千变万化的画面节奏~
3.构图语言的表现形式
克里姆特特别擅长使用装饰性构图和点线面的表现手法，点与点交织、面与面相交、线与点交融，共同组合成一种丰富的和谐之感，他将画面的空间形态通过线条的排列组合，转而变化成带有极强主观意识的二维平面效果。此外，克里姆特的画作中，往往会构成一种简单与复杂、密集与稀疏以及冷暖色调的强烈对比，这使得画面层次更加丰富饱满。
绘画作品宛如是一面镜子，它借助线条与色彩的相互作用，给我们带来美好享受的同时，还可以将画家的情感投入我们的视野，并且通过委婉、优雅的画面，表现创作者理性思想的光辉。
克里姆特的作品有着对西方传统油画表现形式的大胆创新，并吸收中国画中独特的线条表现形式融入在自己的创作之中，从而在颜色、线条等方面有了自己的感悟与突破，不仅展现出自身在装饰性绘画语言表现形式上极强的天赋和实力，还在创作手法上有了极大的创新，具有深刻的象征意义，也成为现代艺术重点学习的对象之一！
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