名画纺织
委拉斯贵支是十七世纪西述曾顺者吧机略生哥纪持班牙的宫廷画师，他晚年的重要作品《纺织女》绘于360问答1657年，描述的是马德里皇家织造厂的场景。
形式要素分析
《纺织女》采用对击石黑九自称式构图，并将画面空林间分为两个部分。前景部分描绘的是纺织女工的工作场景，以中间一位女工（女五）为中心，另外四位纺织女穿觉责我书压变工呈对称格局排开载米二节笔王市孙况。后景部分描绘的是新载管伤看银几位宫廷贵妇在观赏纺织品的场景，并以纺织品上描绘的纺织少女阿莱莘为中心，三位宫廷贵妇与纺织品中的技艺女怎山变格找兰神巴拉斯呈对称格众局排开，从而使前景与后景的空间格局相互对应。
《纺织女》的护裂实受明暗对比强烈，从前景到核端供沿积扬曾兴铁后景的明暗层次分明。前景部分整体呈暗色调，前景的前细对半部分被光线照亮，使纺织女工、纺织工具及毛线球极富有立体感，并在右边的纺织女工（女一）的上侧身形成高光。前景的后半部分与后景的相接处为械掌器督层洋交暗色调，使整个空团只什间的透视感增强。后景部分整体呈亮色调，大部分处获齐策七材于光线的照射之中电木供云哥坐跟与马员，并在纺织少女阿莱莘（纺示座贵苗流给构织品中）的上身形成高光，社不使其与前景部分的纺织女工（女一）相对应。
《纺织女》中人物造型极火罪长子位该饱满，富有立体感，人物的衣着与当时的服饰相同，极富现实性。作品中的丰富色彩主要体现在人物的衣着上面，前景右面的穿着白色上衣的女工（女一），是高光反射的色彩基调。而下半身的暗绿色的裙子与周围女工的红色衣着形成强烈对比，使其显得更加与众不同。而前景部分中几位女工衣着服饰的白色，点缀着作品前景画面的各个部分，使前景极富有韵律感。后景部分的画面，三位女贵妇人身着红、黄、蓝不同颜色的服饰，三原色的并置形成强烈的色彩反差，使作品的后景画面具有强有力的视觉冲击力。在后景中三位女贵妇人衣着服饰的色彩，与纺织品中的红、白色部分，共同构成了后景画面的韵律空间。
作品中委拉斯贵支的笔触清晰可见，对人物的边缘轮廓的描绘较为模糊，使其同周围画面背景的大色调与氛围相互融合，形成一个连续的整体。画面前景前半部分左边的老女工（女三）的黑色服饰与前景后半部分的暗背景融为一体，给人一种从暗景中凸显出的动态感。画面前景部分最右边的女工（女四），身体的另一部分置在暗处，而女工前倾的姿态给观众一种时间性暗示（女工正在搬运着箩筐进入到这个房间里）。
《纺织女》中透视法的运用，使画面的深度沿对角线延伸，最后聚集在纺织品中阿莱莘的身上（白色上半身）。而前景与后景“明—暗—明”的大色调关系，以及前景与后景之间的阶梯，是画面的深度具有了连续性。在朝着远离观众的方向深度延伸的过程中，物体表面的轮廓线就会变得不那么清晰。作品中人物造型对于观者来说是“开放的”，前景部分中的五位女工中有三位以正面姿态对着观众，在远处的后景中墙上的纺织品清晰可见，有一位贵妇人回首观望，从她观望的视角中可以看出，她正在面对着观者而不是前景中的女工。作者精妙的设计给观众一种身临其境的感觉，画面中人物好像是为观众而存在的，像一场正在上演的舞台剧。
设计原理
委拉斯贵支对作品中各部分关系的处理是多样而又统一的，各部分的细节描绘细致入微，但又被融入整体中：前景两位女工（女二、女三）相呼应的动作（暗示着交流）以及她们的服饰与周围背景的色彩的对应搭配；画面前景中部女工（女五）与画面前景右侧女工（女一）的明暗与服饰色彩的对比；画面前景最右侧女工（女四）的半镶入式呈现；画面前景右侧纺织女工（女一）与后景纺织品中阿拉莘的相互对应（明度、手势）；后景三位贵妇人的服饰色彩关系以及右边贵妇的回首张望；前景中的纺织车、梯子、墙上的丝线与后景中右边贵妇的衣着、墙上的纺织品镶边的黄色调对应等等。所有的一切都使整个画面处在隐含的内在的联系中，相互交织、相互依存且不可分离。使整个画面的各个部分统一于整体之中。作品的构图平衡，人物造型比例适当，画面色彩、明暗节奏感很强。
风格分析
委拉斯贵支的《纺织女》是十七世纪巴洛克风格的典型作品，作品在许多方面都体现着巴洛克绘画的各种特征：着重强化人的主题。用透视方法使画面空间向纵深无限扩展，达到构图的开放性、扩展性的效果；强化人的肌体的活力与强壮，刻意追求画面的戏剧性效果、运动感，把现实与幻觉相结合，使画面达到一种超然的艺术表现效果；强调感观刺激，色彩上力求华丽、夺目。这些特征在作品中表现的十分明显，委拉斯贵支不愧是西班牙巴洛克风格的绘画大师。
独特性
委拉斯贵支1624年进宫廷到1660年去世，度过了32年的宫廷画家生涯。综观委拉斯贵支一生的创作，他最伟大的成就并不在于展现西班牙宫廷的奢华生活，而在于他始终没有放弃他在绘画作品中对真实的描绘，特别是对下层社会人物的表现。“真实”在委拉斯贵支的绘画作品中占有重要位置，他的肖像画努力克服以前西班牙肖像画中人物矫作的姿态，着重揭示人物的性格、本质和典型特征。他不去适合宫廷权贵的口味，而是注重从审美角度、精神方面的刻化。委拉斯贵支另一个独特的方面，是他对色彩不断的探索和应用，他对色彩及色彩关系形成问题的出色把握，使他被印象主义画家誉为“最伟大的画家”。
社会环境与历史影响
十七世纪的西班牙，在政治方面是一个宗教、法庭凌驾于一切的国家，绘画艺术几乎完全被皇室贵族和天主教会垄断，因此绘画的类型以神像画、肖像画居多。在经济方面，依靠强有力的航海术，西班牙的航海贸易十分发达，使的西班牙具有相当开化的意识，人们的思想行为比较开放，同时受到周边国家文化艺术的影响，促使本国先进文化的尽快发展。在社会方面，西班牙是个宗教与王权并存的专制国家，国家的财富集中于教会和王室贵族掌控中，西班牙的民众需要上交各种各样的税务，生活十分艰苦。这些社会背景支配着委拉斯贵支的绘画创作，他的作品也多为肖像画，而对下层人民的描绘，是他的作品中重要的题材。在技法与风格方面受到西班牙传统艺术的影响很少，外来的影响在作品中表现的犹为突出。
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【画作名称】《拾穗者》又名《拾穗》The Gleaners
【创作者】让·弗朗索瓦·米勒
【创春埋作年代】1857年
【类别】画布油画
【风格】现实主义
【题材】场景
【规格】83.5cm×111cm
【材质】布 油彩
【现存藏处】巴黎 卢浮宫（The Louvre, Paris）作品赏析 1849年,35岁的米勒举家迁往巴黎郊区的巴比松,在那里度过他的余生.他将风景画的新突破带入到人物画里,致力于观察田野、大地,以及在上面辛勤劳作、繁衍生息的人,尽量捕捉他在乡间的所见所闻,哪怕是别人眼中极微小琐碎的事物,米勒也富于感情地把它表现出来,铭记在心并强烈地传达给别人.据说站在米勒作品面前,多情的人会闻到野草和土地的气息,夹杂着牛粪的味道,会对着画面上一个土疙瘩掉眼泪,而勾起对乡村生活无限美好的畅想.
《拾穗者》便是最能够代表米勒风格的一件作品,它没有表现任何戏剧性的场面,只是秋季收获后,人们从地里拣拾剩余麦穗的情景.画面的主体不过是三个弯腰拾麦穗的农妇而已,背景中是忙碌的人群和高高堆起的麦垛.这三人与远处的人群形成对比,她们穿着粗布衣衫和笨重的木鞋,体态健硕,谈不上美丽,更不好说优雅,只是谦卑地躬下身子,在大地里寻找零散、剩余的粮食.然而,这幅内容朴实的画作却给观众带来一种不同寻常的庄严感.米勒一般采用横的构图,让纪念碑一般的人物出现在前景的原野上.三个主体人物分别戴着红、蓝、黄色的帽子,衣服也以此为主色调,牢牢吸引住观众的视线.她们的动作富于连贯性,沉着有序,布置在画面左侧的光源照射在人物身上,使她们显得愈发结实而有忍耐力.或许长时间的弯腰劳作已经使她们感到很累了,可她们仍在坚持.尽管脸部被隐去了,而她们的动作和躯体更加富于表情——忍耐、谦卑、忠诚.
除了17世纪的荷兰画家维米尔,还没有人能够像米勒这样,以凝重质朴,造型简约的概括力,来极富表现力地塑造平凡人物.他表现的是人和大地的亲密关系,是史诗所不能达到的质朴平凡.我们从这三个穿着粗布衣衫和沉重木鞋的农妇身上感到一种深沉的宗教情感,在生存面前,人类虔诚地低下他们的头.虽然远处飞翔的鸟儿依旧烘托出田园诗般的意境,但我们知道田园生活不可能是理想化的,人类凝重的身躯似乎预示着生存的重压.正是这种宗教般的感情使《拾穗者》超越了一般的田园美景的歌颂,而成为一幅人与土地、与生存息息相关的真正伟大的作品.
这些解读在今天看来是没有什么疑问的,然而,在这幅《拾穗者》刚刚创作出来的时候,仅是它的题材本身,就足以引发一场革命.当作品在沙龙展出后,立即引起了舆论界的广泛关注.一些评论家认为米勒带有明显的政治意图,画面上农民的劳作传达了他们生活的艰辛,而将这样的作品拿到巴黎的沙龙里展出,无疑是底层民众对上流阶层的挑战和呼声.因此有人讥讽米勒的作品中暗含着农民的暴力革命.面对种种过激的评价,米勒在一封书信中为自己的艺术作了辩护：“有人说我否定乡村的美丽景色,可我在乡村发现了比它更多的东西——永无止境的壮丽；我看到了基督谈到过的那些小花,‘我对你说,所罗门核森困在他极荣华的时候,他所穿戴的还不如那山林间的一朵百合花呢!’” 米勒相信,“艺术是一种爱的使命,而不是恨的使命.当他表现穷人的痛苦时,并不是向富人阶级煽起仇恨.”他所要做的,只是尽力弄懂如何用平凡细微的东西去表现崇高的思想,因为那里才蕴藏着真正的力量.而要将这一切和谐、自然地表现出来,不仅需要画改念家的眼睛和手,更需要他的整个身心.
米勒出身于农民家庭,在他眼里,大自然有着“无穷无尽的壮观”.他曾因他的“乡下佬模样”和质朴的画风被巴黎沙龙中的某些同行冠以“森林中的野人”的绰号.米勒在这幅画中试图把我们引入土地的深处,在开阔而又静穆的景观中去感受她的沉重与充实,倾听她深沉宁静的呼吸,体会她朴实顽强的生命,体会土地与土地上的农民自然般运行的命运.
米勒的这幅《拾穗者》,本来是一幅描写农村夏收劳动的一个极其平凡的场面,可是它在当时所产生的艺术效果,却远不是画家所能意料的.
这幅画原来的题目是《八月》.表现的是一个收获场面使富饶美丽的农村自然景色与农民的辛酸劳动形成了对比.接近米勒的几位社会活动家看到了这幅画中可贵的真实,建议画家修改构图直至最后前景上只剩下三个拾穗粒的农妇形象.这一修改,竟使作品产生了惊人的社会效果.
这幅表现农民境况的《拾穗者》在沙龙展出后,引起了资产阶级舆论界的广泛注意.一些评论家写文章说：画家在这里是蕴有政治意图的,画上的农民有抗议声.有人在报纸上发表评论说：“这三个拾穗者如此自命不凡,简直就象三个司命运的女神.”《费加罗报》上的一篇文章甚至耸人听闻地说：“这三个突出在阴霾的天空前的拾穗者后面,有民众暴动的刀枪和1793年的断头台.”
发人深思的是,《拾穗者》何以能产生如此大的震动?米勒的一位艺术辩护人朱理·卡斯塔奈里曾这样来描述这幅画：“现代艺术家相信一个在光天化日下的乞丐的确比坐在宝座上的国王还要美；……当远处主人满载麦子的大车在重压下呻吟时,我看到三个弯腰的农妇正在收获过的田里捡拾落穗,这比见到一个圣者殉难还要痛苦地抓住我的心灵.这幅油画,使人产生可怕的忧虑.它不象库尔贝的某些画那样,成为激昂的政治演说或者社会论文,它是一件艺术品,非常之美而单纯,独立于议论之外.它的主题非常动人,精确；但画得那样坦率,使它高出于一般党派争论之上,从而无需撒谎,也无需使用夸张手法,就表现出了那真实而伟大的自然篇章,犹如荷马和维吉尔的诗篇.”
