17世纪到20世纪的艺术流派都有哪些 都有什么特点
17世纪:巴罗克艺术
巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。
巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。
手法主义是16世纪晚期欧洲的一种艺术风格。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果，如以变形和不协调的方式表现空间，以夸张的细长比例表现人物等。建筑史中则用以指1530～1600年间意大利某些建筑师的作品中体现前期巴洛克风格的倾向。
从17世纪30年代起，意大利教会财富日益增加，各个教区先后建造自己的巴洛克风格的教堂。由于规模小，不宜采用拉丁十字形平面，因此多改为圆形、椭圆形、梅花形、圆瓣十字形等单一空间的殿堂，在造型上大量使用曲面。
18世纪上半叶，德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上一朵奇花。
巴洛克艺术在各方面的表现：
建筑方面：柱子特别粗大，屋顶布满雕刻。满足霸者心态，如路 易十四时期所建筑凡尔赛宫雕刻方面：皱折阴影夸大浓烈，使得姿态夸张。 绘画方面：然虽同为中世纪之宗教画，但由于立足于自由主义之 上，因此也在技术上充份的发挥洗练的功夫。构图雄 伟豪迈、色彩豪壮华丽富变化、明暗的阴暗对比深刻 、线条极尽曲折，使人有极度夸张之感。其它方面：画人物丰满健壮，且视女性化的柔弱艺术为禁物。西班牙十字军东征的失败和好望角、新大陆的相继发现促使西、葡两国取代了意大利的地位，使得到了十七世纪，西班牙由文艺复兴运动转变成巴洛克艺术。 西班牙深受信奉「旧教」的影响，使得王室、教会仍持强大的势力，此异于意大利和法兰德斯，而在此对宗教的神秘感情与专制 . 君主的强大势力之下，所诞生的庄严的艺术便为「巴洛克艺术].
18世纪:洛可可艺术
洛可可艺术，发端于路易十四时代晚期的法国，盛行于路易十五时代。其风格是精致纤巧、色彩柔和艳丽。洛可可艺术的兴起与法国贵族阶腊携罩层的衰落和资产阶级的兴盛有关。18世纪的法国，封建制度的危机越来越明显，封建统治阶级已经感到“夕阳无限好，隐闭只是近黄昏”，于是及时行乐之风盛行。在封建统治阶级没落的同时，资产阶级正在兴起，洛可可艺术风格正好也适应他们的审美需求。
洛可可艺术(Rococo art)发端于路易十四（1643～1715）时代晚期，流行于路易十五（1715～1774）时代，风格纤巧、精美、浮华、繁琐，又称「路易十五式」,十八世纪被看成是「理性的时代」或「启蒙运动」的时代，哲学家从过去假设上帝存在进而推论所有事物的工作，转换为依据实验和观察的理性方法去推论世间的万象，几乎将神学从哲学中剔除，选择倾向世俗的路线，趣味从注重高尚的教化转向寻求轻浮的快感。艺术的风格，在音乐家莫札特、海顿，文学家蒲伯、艾狄生、福尔泰，画家华铎、康斯博罗中，贯穿著一种共同主题，它把理性与优美趣味同轻松、明晰、秩序井然的材料相互配合起来。路易十四常在凡尔赛宫开各种舞会，藉著繁琐的礼仪与无意义的职务折腾贵族们，再以富丽堂皇的宫廷装饰营造悠闲的环境，有利搞风流韵事，以便消耗贵族们的精力，使他们无暇去策划造反。因此艺术家授命编造一种理想生活的极乐世界情景，其唯一的目的是塑造出一个悠闲的、实际上是懒惰的社会快乐洛可可是相对于轮闹路易十四时代那种盛大、庄严的古典主义艺术的，这种变化和法国贵族阶层的衰落，与启蒙运动的自由探索精神（几乎取代宗教信仰），及中产阶级的日渐兴盛有关 洛可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，特别是在庭园设计、室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面（如《中国人物小陶瓷》，麦尔，德国，1768）。由于当时法国艺术取得欧洲的中心地位，所以洛可可艺术的影响也遍及欧洲各国。
18世纪末期:古典主义/浪漫主义
（英语∶Neoclassicism），兴起于18世纪的罗马，并迅速在欧美地区扩展的艺术运动。新古典主义，一方面起于对巴洛克（Baroque）和洛可可（Rococo）艺术的反动，另一方面则是希望以重振古希腊、古罗马的艺术为信念。新古典主义的艺术家刻意从风格与题材模仿古代艺术，并且知晓所模仿的内容为何。新古典主义在雕刻艺术上以浅浮雕（bas relief）图式表现，因此截然不同于巴洛克风格的深度雕刻。
以复兴古希腊罗马艺术为旗号的古典主义艺术,早在17世纪的法国就已出现。在法国大革命及其政治和社会改革之前,有一场纯粹的艺术革命,这就是新古典主义美术运动。这一时期的法国美术既不是古希腊和罗马美术的再现,也非17世纪法国古典主义的重复。它是适应资产阶级革命形势需要在美术上一场借古开今的潮流。 所谓新古典主义也就是相对于17世纪的古典主义而言的。同时,因为这场新古典主 义美术运动与法国大革命紧密相关,所以也有人称之为"革命的古典主义"。
新古典主义美术的特征是：选择严峻的重大题材(古代历史和现实的重大事件),在艺术形式上,强调理性而非感性的表现；在构图上强调完整性；在造型上 重视素描和轮廓,注重雕塑般的人物形象,而对色彩不够重视。法国新古典主义美术从维安、达维德到安格尔,取得了最优秀的成就,并达到高峰。
浪漫主义
19世纪浪漫主义的诞生是对当时新古典主义、学院派美术的一次革命。浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放为思想基础。追求幻想的美、注重感情的传达，喜欢热情奔放的性情抒发。浪漫主义艺术以动态对抗静止，以强烈的主观性对抗过分的客观性。浪漫主义在题材上，多描写独特的性格，异国的情调，生活的悲剧，异常的事件，还往往从一些文学作品中寻找创作的题材。
这一画派摆脱了当时学院派和古典主义的羁绊，偏重于发挥艺术家自己的想象和创造，创作题材取自现实生活，中世纪传说和文学名著（如莎士比亚、但丁、歌德、拜伦的作品）等，有一定的进步性。代表作品有*籍里柯的《梅杜萨之筏》、*德拉克洛瓦的《自由领导人民》。画面色彩热烈，笔触奔放，富有运动感。
浪漫主义画派以肯定、颂扬人的精神价值，争取个性解放和人权为思想原则。在绘画上主张有个性、有特征的描绘和情感的表达。构图变化丰富，色彩对比强烈，笔触奔放流畅，使画面具有强烈的感情色彩和激动人心的艺术魅力。
19世纪:现实主义:
现实主义是 19 世纪在西欧出现的与浪漫主义相对立的一种艺术思潮。由于现实主义艺术家的作品大多对所处的社会的阴暗面进行揭露和批判，所以又被称为批判的现实主义.
印象派绘画:
又称印象主义画派。是19世纪下半期至20世纪初流行于欧洲的艺术创作思潮。印象派绘画出现于1874年，这一年一群无名的年轻画家举办艺术展览会，其中有莫奈的《日出·印象》，被一保守派记者用来在文章中借以讽刺此画派，称之为“印象主义画家的展览会”，画派因此而得名。印象主义以创新姿态登上法国画坛，反对古典主义、反对浪漫主义。主张画家到室外，根据眼睛在阳光下直接观察事物的感受来作画，表现物体在阳光的照耀下色彩的微妙变化，开辟了绘画的新领域。印象派画家从各个方面以新的视角真实地、科学地描绘客观世界，描绘画家身边的现实，表达自己的感性和理性的认识，但是却舍弃了通过艺术来表达崇高理想的艺术家的社会职责，表现出颓废的一面。在世界绘画发展史上，印象主义具有革新意义，开辟了绘画语言的新天地，为展示客观世界和人的主观世界提供了新的技巧，为艺术家发挥自己的艺术个性提供了新的可能，也拓展了艺术审美的新领域。为20世纪现代主义艺术的出现，奠定了基础。
20世纪:
1.超现实派 首次超现实主义画展于1925年在巴黎举办，翌年举办了第二次。此后，在巴黎、哥本哈根和特纳里夫、伦敦、纽约等地有过多次重要展览。第二次世界大战的爆发中断了该运动的蓬勃状态，不过由于其成员分散到了世界各地，战争倒也间接地扩大了它的国际影响。战后，在巴黎、纽约等地先后举办了国际性展览会。除了组织各种活动外，超现实主义团体还充分运用杂志、报刊等媒体及传单、小册子等手法来传播其观念。1966年9月28日，超现实主义运动的核心人物布雷东去世，这使团体失去了极其重要的凝聚力量。1969年10月4日，许斯特在《世界报》发表最后一个超现实主义宣言《第四章》，指出“超现实主义运动已经没有任何内部的一致，我的一些朋友和我本人于二月份决定将它放弃，它和我们再也没有关系。”曾经轰轰烈烈的一场运动至此结束。不过，其影响力绝不会因此而烟消云散。事实上，超现实主义运动对20世纪美学观念有着重要影响
2.荷兰风格派 一战期间，荷兰作为中立国而与卷入战争的其他国家在政治上和文化上相互隔离。在极少外来影响的情况下，一些接受了野兽主义、立体主义、未来主义等现代观念启迪的艺术家们开始在荷兰本土努力探索前卫艺术的发展之路，且取得了卓尔不凡的独特成就，形成著名的风格派（DeStijl，荷兰文，即风格之意）。风格派正式成立于1917年，其核心人物是蒙德里安和凡杜斯堡，其他合作者包括画家列克（BartvanderLeck）、胡札（VilmosHuszar）、雕塑家万东格洛（CeorgesVantongerllo）、建筑师欧德（J．J．P．Oud）、里特维尔德（GerritRietveld）等人。显然，风格派作为一个运动，广泛涉及到绘画、雕塑、设计、建筑等诸多领域，其影响是全方位的。
3.抽象表现主义画派 汉斯霍夫曼（HansHofmann，1883—1966）是抽象表现主义艺术的先驱
4.波普及其之后的画派 20世纪产生于美国画坛上的抽象表现主义，标志着西方现代艺术中心从巴黎转移到了纽约。如果说，这个画派其实是欧洲现代派绘画在美国的延续，那么此后在美国所产生的种种绘画流派，则全然是美国人自己的创造。波普艺术，便是最早的一个具有美国特点的画派。
5.至上派 走向纯抽象——俄国前卫艺术
6.未来派 未来主义（Futurism）首先是一场文学运动，它最初由意大利诗人马里内蒂（FilippoTommasoMarinetti，1878—1944）一手炮制。在1909年2月20日的《费加罗日报》上，马里内蒂以浮夸煽情的文辞推出了“未来主义宣言”，号召扫荡一切传统艺术、创建能与机器时代的生活节奏相合拍的全新艺术形式。未来主义自此诞生，并迅速由文学界蔓延渗透至美术、音乐、戏剧、电影、摄影等各个领域。
7.表现派 表现主义（Exprisseonism）一词，是德国艺术评论家威廉沃林格（WillemWorringer）在其发表于1911年8月号《狂飚》杂志的一篇文章中首次采用的；他把这个词，与塞尚、凡高和马蒂斯等人的艺术联系在一起。1912年在狂飚美术馆举行的“青骑士”画展，再次被冠以这个名词。从此，该词便成为德国艺术中诸多偏于情感抒发的倾向的名称。从广义上说，表现主义可用于所有强调以色彩及形式要素进行“自我表现”的画家，但其特指的含义，则是基于二十世纪初叶德国的三大艺术运动，即“桥社”（DieBrucke）、“青骑士派”（DerBlaueReiter）和“新客观派”（DieNeueSachlichkeit）。
8.野兽派 野兽主义（Fauvism）是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。
9.立体派 分解与重构——立体主义画派 1908年，在巴黎秋季沙龙的展览上，当野兽派画家马蒂斯看到毕加索和布拉克的那些风格新奇独特的作品时，不由得惊叹道：“这不过是一些立方体呀！”同年，评论家沃塞尔在《吉尔布拉斯》杂志上，借马蒂斯的这一说法，对布拉克展于卡思维勒画廊的作品评论说：“布拉克将一切都缩减在立方体之中。”他首先采用了“立体主义”这个字眼。后来，作为对毕加索和布拉克所创的画风及画派的指称，“立体主义”（Cubism）的名字便约定俗成了。
10.后印象派 “后印象主义”（Post—Impresionsm）一词，是由英国美术批评家罗杰弗莱（RogerFry）发明的。据说，1910年在伦敦准备举办一个“现代”法国画展，但是临近开幕，画展的名称还没有确定下来。作为展览组织者的罗杰弗莱事急无奈，便不耐烦地说：“权且把它称作后印象主义吧”。这一偶然而得的名称，毕竟还切合实际，因为参展者都是印象派之后的画家。以后，“后印象主义”便被用来泛指那些曾经追随印象主义，后来又极力反对印象主义的束缚，从而形成独特艺术风格的画家，其中杰出者有塞尚、凡高、高更和劳特累克等。实际上，后印象主义并不是一个社团或派别，也没有共同的美学纲领和宣言，而且画家们的艺术风格也是千差万别。之所以称之为“后印象主义”，主要是美术史论家为了从风格上将其与印象主义明确区别开来。
以上为17-20世纪的主要价格艺术流派,细分的流派可以参考以下列表哦:
17世纪荷兰画派
17世纪巴洛克美术
早期基督教美术
动态艺术
西方现代艺术
波普艺术
威尼斯画派
佛罗伦萨画派
新艺术运动
象征主义
新印象主义
后印象主义
印象主义美术
写实主义美术
浪漫主义美术
新古典主义美术
19世纪欧洲和美国美术
前苏联美术
第二次世界大战之后的西方美术
社会现实主义
达达主义和超现实主义
构成主义和风格派
巴黎派
未来主义
西方油画的发展及风格流派
立体主义
表现主义
黄土画派
补充一下黄土画派:
黄土画派是刘文西创立的，刘文西是毛主席的fan，长期以来在毛主席《延安讲话》的指导下，栉风沐雨，不畏艰辛，向生活寻找创作源泉，向人民群众汲取营养，创作了大量反映生活战斗在黄土地上的人民群众改天换地英姿风采的艺术作品。在他的带动下，形成了以刘大为、杨晓阳、赵振川、王有政、陈光健、崔振宽、罗平安、戴希斌等60多位画家为骨干的黄土画派。他们活跃在黄土大地的山山水水和沟沟峁峁，为黄土高原和西部的崛起挥彩泼墨、擂鼓放歌。黄土画派以人物画为主、以西安美院为主体的学院式画派，作品形成了阳刚豪放、雄浑大气和勃勃向上的理想现实主义风格。
黄土画派的宗旨是：提倡要向生活学习，向人民学习，向传统学习，向世界艺术学习，向时代学习，从而全面汲取营养，加强人物画创作，提高人物画创作的水平，使人物画更具有深刻的个性和艺术魅力。人物画既要继承发扬传统的造型艺术规律和笔墨表现力，又要汲取西洋画严格深入的造型基本功力，力求在表现人物的内心世界和个性的同时追求强烈的地方特色，创作出具有深刻思想内涵和鲜明时代感，能打动人心、催人奋进的人物画；同时也重视山水、花鸟画的创新，创作具有浓厚地方特色，鲜明个性和时代精神的崭新的山水和花鸟画。山水花鸟画要开阔视野，扩大题材，既要有传统功力又具有时代新鲜感，有浓厚的地方色彩和鲜明的时代色彩，创造出具有感染力的山水花鸟新作品。总之，要熟悉人、严造型、讲笔墨、求创新，植根黄土画人民，表现时代出精品。这是我们创立黄土画派的心愿和目的。
巴洛克音乐成就表
巴洛克一词呢，是用来称呼那些产生以文艺复兴时期的，并且是在1600到1750年间，超龙几吃夫繁荣起来的音乐和其他一些视觉艺术，这个词最初它是源于葡萄牙语，它最初的意思就是指一种珍珠，这种珍珠的个体比较大，但是，形状是比较没有规则的。后来这个词引申到了其他国家的语言之中，比如像在意大利语中，它就有了像任性，还有幻想，还有一种冲突这样的含义。以后在法语中它又有了兜圈子这样的意思巴洛克这个词第一次出现在艺术领域中，是出究象距太现在建筑还有雕塑艺术阻过分管王穿族热，这两种艺术里，按照当时人们的理解，巴洛克这个词的含义是指那些过于雕琢的修饰，还有一种比较怪诞的艺术风格。带有明鱼六绝边介照晚显的贬义，巴洛克这个词作为一个时代的艺术风格的一种归纳，可以说它的用意是比较复杂的，它既没有一个统一的内涵，又缺乏美学上的立足点。所以，当时，以及以后很多的文艺理论家们在使用这个词的时候，大多都是采取的一种回避的态度。很少有人用这个来描述这个时期的音乐。
在绘画史上，巴洛克这个词，它具有明显的贬义成分，它是指在文艺临过古行角拉复兴后期以来，在创作中所出现的一种蜕变现象。至于在音乐中是不是有这样的含义，人们的观点并不太一致。比如像1967年出版的音乐辞典，这个是法国启诗谓蒙运动的思想家，非常有名的卢梭，他的观银氧怎点就是，他说巴洛克音乐是这样一种音乐，他定义的就是和声既混乱，又充满了不和谐音，旋律粗糙，音乐发这促氧难展趋势不自然，这是卢梭给巴洛克音乐的定义，很明显是贬义的。
第二种观点就是德国的艺术史学家，海因里钟终本希，韦尔夫林，他带兰素光板在一篇文艺复兴与巴洛克一书中，对巴洛克所做出的评价是肯定的。
第三个观点就是18世纪末新古典艺术家用审使映大临叫件只毫穿巴洛克这个词来嘲笑那种417世纪意大利的文学还有艺术风格。第四个观众就是本世纪，也就是20世纪初的时候，音乐学研宁部顶引二高肥家库特萨克斯这是很有名的一个音乐学家，他又将海因里希的观点则格兵益案做了发展，在音乐史，还有整个对音乐的评价当中，肯定了巴洛克音乐这是四种比较有书范律续吃名的对巴洛克音乐章终斤四动妈够图叫的评价。在19世纪之前，欧洲的大多数人，对于他们的审美观点是以古典主义作为唯一必向赶似意针载弱她它顺的一种审美观点，与古典主义这种稳定的对称的比较和谐的这追艺术风格不相符的其他一切风格，他们都予以否则，像巴洛克这种与古典主义恰好是相对的艺术风格，他们率先作出的是批判的态度，在19世纪以后化就人们充分地了解到了巴洛克时期的艺术风格，它所具有的那种感人的魅力，所以，逐渐对巴洛克整个的音乐有了新评价，在音乐方面，人们逐渐地意识到巴洛克音乐，可以说是欧洲音乐史上一个非常重要的时期。在这个时期，所取得的艺术成就，奠定了欧洲音乐发展的基础，因此可以说，了解巴洛克音乐，对了解整个西方古典音乐的发展，对了解西方音乐的基本风格特征，都是至关重要的。这是第一个要说的就是巴洛克这个词语的概念。
第二个是它的时代背景。在文艺复兴以后，欧洲的许多国家都还是处于动荡不安之中，大家知道，1640年，英国的资产阶级革命这个时期就标志着欧洲社会从此进入了资本主义社会。资本主义，作为一种新兴的独立的政治势力，登上了历史的舞台在这社会体制，由封建社会向资本主义过渡的同时，在死心和文化领域，恰好是由文艺复兴，向启蒙主义运动过渡。在这个时期，在艺术领域，各个艺术门类，都在积极寻求自己的发展方向。探索进一步提高自身艺术表现手段的一种途径，这就使整个艺术门类，充满地勃勃生机。另一方面，这个时期的科学技术也有飞速的发展。因为在16世纪后半叶的时候，随着宗教战争，这个如果大家学过世界史的话，会知道这一段历史，随着宗教战争的爆发，开始有了新的神学和新的哲学，带来了新的思维方式，这些思维方式，极大地促进了精密科学的产生，比如说，数学，现代物理学，这些大部分都是在巴洛克前后产生的艺术家们有从中受益匪浅，这个时期的艺术领域，从绘画，建筑还有雕塑方面都取得了很大的成果。他们在造型还有观念上都有一些大胆的表现，其共同特点就是结构的宏大，对称的严谨。另外注重装饰性与戏剧性的对比。首先说在绘画方面。
这个时期的绘画作品，主要表现的特征就是在教堂中的天顶画，在这些作品中，画家充分应用了光的这节奏感，使人在看画面的时候有一种动感，注意这个时期开始有动感这个词，在建筑方面，也充分展示了巴洛克艺术的主旨，他们所追求的就是一种动感，这与巴洛克之前的文艺复兴志气，巴洛克之后的古典主义的那种祥和平和平静稳定沉静这样一种感觉，截然相反，他是充满地一种流动性，一种对比，雕塑艺术，这个时期也是体现巴洛克艺术风格的一个非常重要的部分，至于音乐上，这个时期也是在探索与创新中，使音乐具有了新的生命力。
这个时期音乐方面的主要成就可以归纳为这样三点，第一个就是歌剧艺术的产生。歌剧艺术意大利产生，并且，逐渐遍及到了欧洲各国。第二点就是大小调式还有现代和声体系的逐步完善。刚才我说，巴洛克音乐是欧洲音乐的一个基础，它影响了欧洲音乐发展300余年，其中，大小调式，和和声体系，这个就是很重要的一个方面。
第三点就是声乐和器乐作为音乐的两种主要表现方式，开始走上了各自独立发展的道路。这是主要体现这么三点。今天要给大家说的就是歌剧。之所以把巴洛克音乐它的起点定为1600就是因为这一年是歌剧的产生。在意大利，音乐与戏剧的结合这个历史可以说是非常的久远无论是民间的那种具有故事情节的一种表演，还是宗教宣传教义的那种神秘剧或者是宗教剧，他们都是以舞台综合性艺术的形势出现的。这样呢，就为歌剧的产生，积累了丰富的经验。我刚才已经提到过，歌剧是一个综合性舞台艺术。它综合了什么呢？综合了戏剧，综合了文学，综合了舞台美术，综合了表演，还有就是综合了音乐。出去这样说的话，歌剧的定义就是集戏剧文学舞台美术表演音乐于一身的综合性舞台艺术。根据这个定义大家想一下，你所知道的除了歌剧之外，还有没有其他的音乐题材符合这一定义的应该能说出来的，咱们国家的。戏曲戏曲就是一个非常典型的这样舞台综合性艺术。还有一种，像音乐之声，窈窕淑女，音乐剧，音乐剧同样也是舞台性综合艺术，16世纪以后，人文主义思想在当时意大利的许多领域，都已经有所出现，人们希望复兴古希腊的那种文学和艺术，希望用古希腊的音乐和戏剧再现，真实地表达人的情感已经成为人们的一种共识。同时，更具有戏剧性的音乐题材，用它来满足人们日益提高的一音乐鉴赏力或者音乐的需求，这样，就为歌剧的产生奠定了社会基础。从音乐发展的内在规律上看，在文艺复兴以后，人们的欣赏兴趣，已经从那种复调音乐，转向了一种有一个主要旋律，其他的声部做和声陪衬，和声衬托，这样的一种主调音乐格式。
同时，歌唱家这个时期，在乐队或者乐曲的伴奏下，他们演唱单旋律，这样一种演唱模式，也已经越来越普及。这就为歌剧的演出形式奠定了基础。这是从历史上经验积累上，还有从社会背景上，还有从音乐内在规律上说，都为歌剧的产生，创造了条件，歌剧具体的产生是这样。
在意大利佛罗伦萨这个城市，这个城市里，有一个艺术沙龙，它里面有这样几个人比较著名，像诗人，里努契尼，还有像琉特琴演奏家，琉特琴这个是一种古老的弦乐器。琉特琴演奏家温琴佐，还有就是作曲家佩里。还有卡契尼，还有一位音乐家就是老伽利略，刚才已经说过伽利略，伽利略他是佛罗伦萨的一个名门望族，他的父亲是当地一位有名的作曲家，演奏家，同时还是数学家。这个艺术沙龙里，诗人就是里努契尼，还有作曲家佩里，他们根据古希腊的神话，创作了第一部歌剧，这个是在1597年创作了第一部歌剧叫《达芙妮》，在当年的狂欢节上首演。获得很他的成功。这部歌剧的手稿遗失了。据说是在一场火灾中被焚毁，这是第一次尝试，过了三年以后，也就是1600这一年，里努契尼和佩里，他们重新合作，根据阿波罗就是太阳神的传说，阿波罗与优丽荻茜，这样一个神话故事，创作了一部割据，就叫做《优丽荻茜》这部歌剧创作以后也获得了很大成功，并且把他们部分手稿，流传到现在。所以，现在人们公认的就是1600年，优丽荻茜这部歌剧的诞生就是歌剧艺术这种新的题材的诞生，同时也是欧洲音乐历上一个具有跨时代意义的时刻，同时，歌剧艺术最初它的创作题材，多是取自于宗教，像圣经，像古希腊的神话传说，由于大多是在宫廷中表现，所以它就要迎合贵族们的欣赏口味，比如说像优丽荻茜，就是第一部歌剧，他把原本的悲剧性结束，改成了大团圆式，这样做，从积极的方面说，它表现除了人文主义思想，表现除了艺术家用艺术来征服自然，同时，征服象征中世纪教会统治的携儿邪恶势力。在音乐风格上说，早期的歌剧是以声乐为主，器乐部分只是起着一种陪衬作用，器乐部分，自始自终都没有单独出现过，在优丽荻茜这部歌剧中，人们就可以看出，作曲家所强调的是一种朗诵式的宣序调的，大家知道歌剧中，咱们知道的歌剧中有咏叹调还有宣叙调，所谓宣叙调就是比较口语化，叙述性的，这个时期的歌剧恰恰就是住的朗诵。还有注重的宣叙调性质。这是佩里的创作。
另外，卡契尼就是另外一位作曲家，他的歌剧作品中，与佩里不同，强调的是器乐部分，强调的是音乐化，但是，很可惜他的音乐作品，很少流传到现在。这是早期意大利歌剧的第一个圣地。就是佛罗伦萨。
在佩里和卡契尼他们完成了使歌剧艺术诞生这样一个历史使命之后，他们悄然地退出了历史舞台，发展歌剧这样一个重担呢，就转移到了威尼斯。威尼斯这时候出现了一位在音乐史上，留有重要位置的作曲家就是蒙特威尔第，说到这里，我想给大家说一下，在欧洲音乐史上，特别是在意大利音乐史上，有三个名字比较容易混。像这个时期的蒙特威尔第，还有一个是维瓦尔帝，还有一个就是浪漫派时期的威尔第。这是三个意大利的作曲家，他们都是以创作，歌剧作品，当然，维瓦尔帝创作大量的弦乐作品，都是以创作歌剧作品而著名的。蒙特威尔第呢，他是可以说是一位天才的作曲家。仅从他早期的一些牧歌作品中就是一些声乐题材，牧歌作品中，人们就不难发现，他在和声的设计，旋律的发展，以及整个作品的结构的处理上，具有着非凡的才华，同时他对于歌唱家的那种咏叹调，宣叙调的把握呢，也是恰到好处，蒙特威尔第他能够充分地利用音乐和戏剧的表现手段，他的努力下，歌剧艺术不仅遍及到了意大利的各地，而且，开始流传到欧洲各国，刚才说的蒙特威尔第，在蒙特威尔第的作品中，对人物性格的刻画，以及对情感的把握都是非常的准确。而且恰到好处，音乐的戏剧冲突在蒙特威尔第的作品中，得到了大大的加强。这就充分说明，蒙特威尔第作为作曲家，他有着驾驭音乐与戏剧发展的驾轻就熟的这样一种能力。
另外作为一位将歌剧艺术推向更高峰的担负着这样一个历史使命的作曲家，蒙特威尔第还积极探索新的音乐表现手段，并且把它们应用到音乐的演奏舞台，比如大家现在熟悉的有一种装饰音叫颤音，这个颤音第一次应用，第一次使用就是蒙特威尔第，另外还有一个像弦乐器的，大家如果熟悉这种乐器演奏的话，像小提琴的拨弦，小提琴有的时候是用弓拉，有的时候还是用右手来拨弦，。这种拨弦演奏出现，也是在蒙特威尔第的作品中，在蒙特威尔第晚期的作品中，对歌剧艺术的理解，就更加深刻了，他对音乐，他把音乐看作是表现人的各种情感的一种最有效的手段。说到这，我引申一下说，在欧洲歌剧的理论中，始终就存在两种意见，或者叫两种观点，这两种观点，第一个就是音乐和戏剧到底突出谁。第一种观点就是突出戏剧，还有一种观点就是突出音乐，认为音乐是歌剧的灵魂，另外在一些景象的描绘上，以及人物性格的刻画上，和在剧情的转换，以及背景的烘托等方面，蒙特威尔第他将音乐的作用，都提高到了当时的极限。为此，在声乐方面，蒙特威尔第他还运用了一些像独唱，合唱，二重唱，三重唱，这样的一些表现手段，这就将歌剧的声乐题材结构，已经趋于完善。从以上种种蒙特威尔第的贡献来看，说他是歌剧天才不为过。
由于蒙特威尔第在歌剧创作方面的种种贡献，这就使歌剧艺术从此进入了一个成熟期，这是以蒙特威尔第为代表的威尼斯这个地方的歌剧，这个地方的歌剧还有一个特别引人注目之处，就是1637年，在威尼斯建立了有史以来第一所面向公众的歌剧院，叫圣卡西亚诺歌剧院。在此之前，歌剧艺术基本上都是在宫廷，或者是在豪门的宫殿里演出。这次威尼斯歌剧，下面一个歌剧艺术，它的发展中心就是罗马。这个也是意大利的一个城市。这个城市，大家知道，这是教会所在的地方，正由于这一点，所以，罗马的歌剧艺术，它的题材都是宗教的。它是被教会所桎梏的，它的与众不同就在两幕剧之间，就是歌剧的幕与幕之间，穿插着一些诙谐的滑稽的表演。
这也许就是现代喜歌剧的前身，意大利歌剧的最后一个阶段是在那波里渡过的。这个时期，也为人类音乐史上贡献出了一位杰出的任务叫做斯卡拉蒂，那波里这个城市它的主要贡献就是为意大利歌剧体系增添了正歌剧这样一个题材，并且把这样一种歌剧的形势，统治欧洲歌剧舞台长达100余年，那波里歌剧的特点，第一个就是歌剧的艺术家们，首先将音乐提高到第一位，这刚才说过，歌剧的争论，强调歌剧是用音乐来反映人类情感以及戏剧性的艺术。第二点就是独唱艺术，这个时候发展到了一个新的高峰，这个时期的歌唱家们，他们注重自己演唱技术的修养，这就使演唱技巧提高到了一个新的高度，同时，带来的弊端就是在歌剧艺术中，注重的是炫技，就是大多数是炫耀自己的演唱技巧，而忽视了剧情。
第三点就是确立了乐队的编制，这一点也是很重要的，刚才说过，巴洛克时期的音乐的主要成就就是声乐和器乐的各自独立发展，其实在这个时期，乐队开始它脱离了作为声乐的附庸这样一个地位，开始在歌剧艺术中，开始有它自己独立展现的机会。并且形成了一种乐曲的演奏模式，这种模式就快，然后，中段是慢，第三段又是快，就是快慢快，或者是慢快慢的这样一种模式，这样一种模式，对后世的影响很大。这种模式是交响乐中的奏鸣曲式的前身。这个如果咱们学音乐史，开始到最后讲下来的时候，会理解到这个时期，速度上的变化，其实对厚利，音乐曲式奠定了一定的基础。
刚才说到那波里歌剧呢，他的代表任务是斯卡拉蒂，他在作品中开始运用了和声的因素。同时，他将乐队，开始定型为以弦乐器为基础，并且，以弦乐器分出了高中低三个声部，但是看现在的管弦乐队的编制，基本上都是以弦乐器为基础的。弦乐器它的四个声部配置就是整个乐队的音响基础。这样的划分，最初也是来源于意大利的歌剧乐队它的结构规模，歌剧艺术在意大利完善以后，开始波及到了它的邻国，首先是在法国。法国这个时期的歌剧艺术，它与意大利一个很重要的不同点就是他在歌剧中，往往穿插有舞蹈的表演，大家在看一些法国歌剧中，会很明显地体会到这一点，其中，包括像威尔第刚才说过的，意大利作曲家威尔第，他创作的有一部很有名的歌剧叫做茶花女，这个可能大家听说过。像茶花女这部歌剧里面也是穿插了一些舞蹈的场面，这种风格就是法国歌剧的一种代表性的风格。这个时期，法国音乐方面的代表人物有一个作曲家叫吕利，这个人他对音乐史的贡献呢，就在于，他将合唱，舞蹈表演，这种戏剧性完美地融入了歌剧的艺术之中。因为这个人本身他是有意大利血统，后来是在法国成长，并且在法国完成了他的事业。吕利，另外一位非常有名的作曲家，叫拉莫，这个人他对音乐史最大的贡献就是他写出了人类音乐史上第一部和声学教科书。从此，标志着和声学的产生，同时，也是欧洲传统音乐主调音乐，作为主调音乐方面一个重要的基石，这是法国歌剧。
法国歌剧的代表作品呢，流传后世的并不是太多，在法国之后，是英国歌剧，英国歌剧在这个时期的代表人物有一个叫做普塞尔，在普塞尔之后，英国的音乐界长达300余年没有向人类社会贡献出什么著名的作曲家，就是它本土没有影响世界的作曲家。一直到19世纪20世纪，布里顿的产生，英国歌剧呢，它有着一些与众不同之处就是英国的一些作曲家，他注重吸收他们国家的民间音乐，使他们国家的音乐带有非常浓郁的英国色彩，除了英国之外就是德国，德国这个国家很有意思。在开始的时候，在巴洛克音乐开始的时候它是处于落后的状态，但是在巴洛克结束它是处于顶峰。
第二个给大家介绍的就是之所以把巴洛克音乐的结束点划在1750年，因为这一年就是巴洛克音乐的一位极大成者，巴赫他的去世，他的去世就标志着巴洛克音乐风格的结束和新的音乐风格的诞生。巴赫这个人人们对他的认识也同样有一个过程，在19世纪中叶之前，人们对他的评价，从一开始的一个管风琴演奏家，或者是一个管风琴专家，或者是一个教堂里的管风琴演奏师，这样一个称呼逐渐开始扩展，直到最后，评巴赫为西方音乐之父。在这个过程中，充分展示了人们对他音乐的认识过程。巴赫在音乐史上的位置是非常重要的。第一个，节是因为他将复调音乐，推向了一个无人企及的顶峰，第二个节是他完善了大小调。第三个就是他首次将12平均律这个可能大家听说过，12平均律用于乐曲的或者乐器的创作之中，说到12平均律，这个音乐的律制首先研制的或者首先发现的是我国明代的一个皇室音乐家，叫朱载育，但是首先将它运用于创作和演奏的是约翰 塞巴斯帝安 巴赫，这是第三个。
第四个就是巴赫的作品中，展示了一种人文主义的色彩。大家如果欣赏他的作品，应该是在一种静静的状态下，仔细品位。巴赫的许多作品都是咱们初学钢琴的人，应该弹到的。比如像创意曲，像赋格曲还有像托卡塔与赋格，这些作品，都是非常有名的。今天呢我想给大家欣赏一首巴赫的作品叫《d小调托卡塔与赋格》这个他写的是一个管风琴曲，后来被一些作曲家改编成了管弦乐队曲，咱们今天要看的就是管弦乐队演奏的《d小调托卡塔与赋格》。另外一点就是音乐中的会合和图象的结合。
这是第一部分，托卡塔它的前奏。这个托卡塔当时是一种这样的音乐体裁就是音乐发展比较自由，这就很像咱们国家戏曲里的散板它的速度和它的音乐走势，都可以根据演奏家当时他的感觉。但是，与此不同的就是赋格部分，第二部分却是非常严密的。这个还是第一部分。就是托卡塔部分。
这是第一部分叫托卡塔，大家如果对西方古典音乐或者西方产生音乐了解少的话，我建议，如果想了解的话，就应该先从巴赫的东西开始。因为，巴赫的东西，它本身你听起来，好像是比较平，起伏不是太大，但是，里面蕴含着非常深刻的哲理，并且有着很深刻的人生体验。比如像巴赫这个人，他一生中都是属于默默无闻，但是他内心世界却是非常的丰富，这个人与人善良，而且，与世无争，他甘愿过一种比较平淡的生活。
