结合艺术史的知识
先声明，不是复制粘贴。
其次，我对库恩的范式理计这副承论尚有保留，尤其是从艺术史的角度来看，我认为这个理论律从长远看，是有历史局限性的。当360问答然，要解释清楚这个问题需要很多时间……
下面，谈谈你说的艺术形态的所主穿源永事谓内在转型。
一，西方的艺术形态：
（你的这种分法，不知道是从国内教材看来的，还是看了什么过时的国外教材。）
源流来看：
古埃及艺术是西方艺术的源头，追求永恒，艺术特征是庄重严肃刻良审一诗够章宜板一成不变，这种样式延续了几千年，知道埃及衰落。
埃及艺术影响了两河流域和古微值希腊爱琴文明，这两种文明的艺术形式都有着埃及艺术的影子，但是，以希腊为例，这个爱琴海沿岸的民族，有着自由奔放的海洋名族性格，将埃及艺术的刻板逐渐融化，这个过程可以清晰妈族研则对沉括色完余任地从荷马-古风-古典-希腊化的渐进看出来。他们己试存亚找唱目停形成了一种写实的风格，但措改拿室口底沙念丰象顾是也像埃及人一样，追求完美和永恒感，从他们的雕塑可以看出，伤牛织初固道度我往燃再多是年轻健美的体气同似架压办脱跟祖亚济型，人体比例和面容都加以美化。但是他们打破了僵板的正面率，人物动态很丰富。罗马松行美术积成了希腊美术，但是他们开品否还决始更加追求现世的享乐和对君王的崇拜，艺术走得更写实一些，对人物性掌迫振族差城格刻画更鲜明了。
以上古希腊罗马艺术，才是欧洲人心目中的古典的真正含义，文艺复兴所膜拜的正是这个古典。
后来进入了漫长到逐助草的中世纪，基督教教义反对偶像崇拜，把古典写实艺术埋进了坟弦念增福调墓，它们把艺术的功能定义成了与之前完全不同的东西，在他们的概念里，其实没有艺术，只有宗教的精神，如果了解他们的圣像文化就知道了。所以，现在的史论家根据现存的建筑及圣像画文物，简单地将这个时期的文化纳入了西方美术史，我觉得尚香些企径什味月有不妥，而且现在西方一些货南历夜理论家也正把目光集中到这个问题上来。
不过就算是中世纪的圣像画，也还是有着古埃及艺术的渊源，研究一下法尤姆肖像，会发现这种棺材板上发展出来的绘画技法，竟然成了西洋绘画的真正技法根源，（木板上贴纺织物，纺织物上做粉浆装白底子，在白底子上用媒介剂调和色粉制成的颜料作画）
那么，可以看到古埃及美术的影响在不同时期不同地域发展出了不同的风格样式，甚至一种是美术范畴的，一种是宗教附属范畴的，而且这两种子文化之间没有任何借鉴和对话，时间上也不平行。古典美术的思维模式是被中世纪彻底打断了，甚至连美术也被否定了，人们的审美需求仍旧存在，这种需求被宗教情感吞噬了，变成了一种宗教的追求，现在东正教徒仍旧崇拜圣像，在崇拜圣像的时候他们崇拜的不是美术，而是画中所传达的“圣容”，这很复杂，不多展开了。
15世纪文艺复兴的出现，和宗教内在的衰落是有直接关系的，宗教本身已经世俗化了起来，圣像也衰落了，于是人们的审美需求重新以美术的形式表现了出来，欧洲各国在15、16世纪都经历了文艺复兴，开始重新热爱造型，热爱健美的有生命的人的肌体。美术的社会功能开始有所回归，但是，尽管此时艺术家标榜自己追求古希腊罗马精神，但是其实内在方面，是有着很大差异的。
有趣的是，文艺复兴艺术，在造型和样式上，的确借鉴了希腊罗马传统的写实精神和唯美主义，但是在绘画技法的体系上，沿用的是中世纪圣像画的传统。后来即便发展成了布面油画，技法的体系，仍然是和圣像一脉相承。
文艺复兴后，随着宗教继续的衰落，世俗化继续抬头，17世纪又出现了巴洛克风格，追求运动感，享乐主义，反对庄严与永恒，追求光和色彩，变动不居的线条等等，然而，从观察原理方面，他们是深化了文艺复兴的科学观察方法，透视、解剖、光、空间。18世纪，神学已经彻底堕落了，法国有了洛可可艺术，更加的世俗，这时，美术的功能进一步变化，又渐渐沦为了感官刺激的工具。
学院派就是这个时候登台的，普桑等一些法国人，站在官方的高度，开始标榜自己是古典主义，意思是他的艺术，是标准规范的终极古典主义，而历史上，也正是从这个时候，才有了狭义的古典主义这个词。他的教条，是把艺术分解为公式化的东西，希望可以建立一套教学体系，可以永久不变地将他的至高无上的艺术样式推广开来。我想，在他的心目中，艺术的创造性是比较微不足道的东西，可以说，艺术的概念，从这时起，又被偷换了，从此开始，似乎艺术的功能主要就是科学而忠实地表现对象世界，再有就是科学忠实地展现既有的唯美主义构图法则。
这一个古典艺术，似乎更容易用范式理论来套用，但是，其实在于美术史上，它只是漫长黑夜里的一瞬间。
有了这个官方化的标准化的古典主义规范，才逐渐出现了各种想走异路的声音。
19世纪出现新古典主义、浪漫主义、现实主义、印象派这几个主要流派。四者虽然在理论主张上各自标榜，互相为敌，但是，如果从历史发展角度看，还是属于写实艺术的范畴，从造型手段上，还是各自探索更进一步的忠实于自然。（当然，印象派为追求色与光的真实，往往抛弃了形体的细节刻画，这在很多人眼里以为是反对写实的表现，其实不然，看看他们的色彩理论启迪下诞生的俄罗斯巡回画派就知道了，还是在写实路上的继续前进），有一点可以肯定，真正古典主义的唯美精神，是被主动或被动地抛弃了，但是这种抛弃不是从19世纪开始的，而是从文艺复兴开始，到巴洛克到洛可可到学院派到近代绘画，逐渐地一点点地被摒弃的，这个过程，也不是一个可以量化的过程，因为各个时期对唯美精神的理解都不同，他们都是从各自的角度去边追捧边摒弃这种精神的。
又是这样，同一个公式，推出了四种不同的结果，那怎么办呢？其实谁说艺术是可以公式化的？这当然和西方哲学发展有关，哲学逐渐成熟，慢慢有了系统化的美学理论，便开始努力想将艺术也纳入这个逻辑化的体系，这是典型的西方实证主义科学的观念。
而现代艺术的诞生，也不是凭空出现的，与东西方的经济文化交流有个不可分的关系，现代绘画的三位开山鼻祖：塞尚，梵高，高更，都曾经醉心于当时时髦的日本画，他们也受印象派影响，但是也怀疑印象派对自然的忠诚，日本画的象征主义和装饰平面化手法，深深地触动了他们，他们开始感到，艺术的符号，应该是种种象征，应该是有着独立于自然存在的内在精神的。于是，艺术的功能又变了。艺术这种东西，在人内心的语义，也变了。之后，继承了他们的思路，又出现了现代主义若干流派，人本主义哲学、精神分析学说的流行，又不断冲击着人们的头脑，现代主义，是我行我素的，其中几十种流派，却没有什么内在的分工，他们不是一个整体的各个部分，而是许多独立的个体。究竟有没有现代主义？其实没有，是讲历史课没有办法，为了方便，创造了这个词而已。你可怎么用范式理论方便地解说？
战争，持续了很多年，把社会面貌改变了，把社会环境改变了，把人的心态也改变了，战后的人类，和战前的人类，已经诸多不同，所谓后现代艺术，是不能和现代艺术并置来讲述的。看一下现在的西方社会，现实艺术活动和博物馆里的艺术品，是根本完全没有对话的。有，也只是假装对话，看看法国艺术学院的教学就知道了。如果用古希腊艺术的眼光来看，艺术主要是一种唯美精神，是对人的美的赞颂，也是求真，那后现代艺术就显然根本不是艺术，但是如果用现代人的观念来看，艺术主要是人性的宣泄，是感情的流露，是对某种理念的传达，那古代很多风格的艺术就显然根本不能被定义为艺术。那么，如果艺术本体既不在这里也不在那里，它是不是其实只是存在于我们的语言里？难怪说现代哲学已经发展到语义学阶段了。
二：归根结蒂，西方艺术，这个概念，很难用线性的思维方式去解释，如果对美术史上的各个风格流派艺术品，用范式理论做元数据标引，那很可能做到1%就把这个范式理论抛弃了。当然，这么解释，是很简陋的，只能给你做个参考罢了。
洛可可艺术风格特点
洛可可(Rococo)艺术风格产生于法国18世纪。“洛可可”是法文“岩石”的复合词，意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色。是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的、运用多个S线组合的一种华丽雕琢、纤巧繁琐的艺术样式。
洛可可艺术风格的倡导者是蓬帕杜夫人(1721～1764)，她不仅参与军事外交事务，还以文化“保护人”身份，左右着当时的艺术风格。蓬帕杜夫人原名让娜·安托瓦内特·普瓦松，出生于巴黎的一个金融投机商家庭，后成为路易十五的情妇，被封为侯爵夫人。在蓬帕杜夫人的倡导下，产生了洛可可艺术风格，使17世纪太阳王照耀下有盛世气象的雕刻风格，被18世纪这位贵妇纤纤细手摩挲得分外柔美媚人了。
18世纪法国艺术是洛可可的天下，而且，已经成为欧洲近代文明中心的法国宫廷，把这种靡丽之风传出国界，甚至传到中国的圆明园。
洛可可风格是宫廷艺术，这种风格是由于当时一些不严格遵循法国古典主义法则的因素而产生的，它并不是意大利巴洛克风格的必然后果。它的遵循理论是“师法自然”。人们都在谈论“师法缓皮自然”，但是，我们和桐从现代角度去看，他们所谓的对自然的模仿只是让自然服从于社会的心血来潮，而这个社会并未完全做好使人真正感受到生活在自然之中，并且充满着对生活的神秘醉意的准备。这时的艺术家们对贵族俯首帖耳，同时贵族阶级又要求他们唯命是从。法国人的这一发明使教会中心真正转向沙龙中心，而这时的沙龙已与过去不同，各种绘画展览都被称之为“沙龙”。画家、雕塑家、木刻家、铜板画家、珠宝商、金银器皿商、细木家俱商、理发师、裁缝、制靴匠，所有的人都对洛可可这种在结构脆弱的高雅文化基础上绽开的美艳之极的花朵趋之若鹜。在每个角落，在高谈阔论的男子和楚楚动人的女子周围，从木器、水晶器皿、糕点、大理石、地毯到陈列柜及里面的餐具，从四轮马车到轿子，从前厅到卧室，洛可可风格无所不在。这是上流社会的艺术，它滥用着并且吸干了艺术家们的殷勤，用窃来的爱情和移植的花朵分散了艺术家们的注意力。这种不断向上攀缘的结构尽管放射出璀璨的光辉，但它却被禁锢在高雅文化周围，渐渐地疏远了其天然的源头。令人遗憾的现象出现了：这种蜿蜒缠绕的曲线，限制了装饰师们在空间中实现全面发展的自由，并且总是把它导向为使人难以摆脱的社交活动服务的轨道，而这种装饰艺术正是顺应这一需要才得以问世的，它成了王公贵族的俘虏。
洛可可艺术的灵魂式人物是绘画大师弗朗索瓦·布歇。他在天花板、屏风、车把手、门的正面、首饰盒和瓷器上，可以说在任何地方，都绘制了牧歌式和田园曲式的爱情神话故事题材。布歇和蔼可亲，慷慨大方，注重享乐，受到男男女女的喜爱。他和自己的时代不断地交换看法，询问个人和这个时代应该做些什么来爱这些男女，并获得他们的热爱。他因此获得“皇家首席画家”的称号。
代表洛可可雕刻最高成就的是受蓬帕杜夫人赏识的两位艺术家：皮加尔和法尔科奈。
让-巴蒂斯特·皮加尔(1714～1785)访问过意大利，是争取罗马大奖——王家绘画雕刻学院为优秀学生提供赴设在罗马的法兰西学院进扰棚差修而设立的竞赛奖，失败之后自费去的，足见他对意大利艺术的向往。他在罗马作的《系鞋带的墨丘利》小稿，在他1741年回巴黎时，为他赢得进入王家绘画雕刻学院成为院士的荣誉，而且以此稿完成的云石像连同他的另一件作品《要墨丘利传信的维那斯》一起，被路易十五当作礼物赠给了普鲁士国王腓特烈二世。他为蓬帕杜夫人工作了十年，以她为原型作寓意像的《妆扮友谊之神蓬帕杜夫人像》和《爱神拥抱友谊之神》非常精彩，他把这位艺术保护人表现得既高贵又亲切，既聪慧又迷人，他有别于同代雕刻家的地方是他也追求其它艺术风格，如在他去世前完成的《拔刺少女》，追随希腊古风，为他一生的创作画出句号。他的这一面，在其学生乌东的艺术中得到了发扬。
与皮加尔齐名且是对手的艾蒂安——莫里斯·法尔科奈(1716～1791)，也和皮加尔一样出自让-巴蒂斯特·勒穆瓦纳门下，也在罗马大奖争夺中败阵。但他安心留在法国而未赴意大利“朝圣”。他终于成为洛可可雕刻最杰出、最典型的代表人物。他曾受命于蓬帕杜夫人，领导了著名的赛夫里陶瓷工厂，又接受俄国女皇叶卡捷琳娜二世的委托作《彼得大帝骑马像》。
法尔科奈的灵气和秀气，无人可及，他把法兰西雕刻的优雅柔美风格推到了顶点。他凿下的年轻女性，个个都是娇小玲珑，苗条婀娜，风流妩媚，充分体现法兰西的品格，而且她们不再是吉拉东的宁芙，虽然娇美却尚不许凡人触动，而是以玉温香馨的青春之体在邀人爱怜了。法尔科奈的作品不但造型生动，而且人物情态丰富细腻。蓬帕杜夫人的时代造就了他。
洛可可风格是宫廷艺术，它起源于上层社会的需要。大部分制造这种艺术品的工匠在个人生活中是与它完全无缘的。比如塞夫里皇家瓷厂的瓷器，被用于国家的社交场合，就像今天的英国皇家将它们用于欢迎来访的外国元首的国宴上。洛可可装饰风格本身就成为这种盛宴场合的特色。塞夫里瓷器的设计由国王亲派的法尔科奈、布歇等艺术家完成，具体制作的工匠们没有钱也不能在日常家庭生活中使用它，只有那好赶时髦、朝三暮四的贵族使用。
这种制造和消费特有循环圈，促成了贵族互相攀比的风气和设计走向极端奢华的两种现象。18世纪堪称是马车的黄金时代，达官贵族都拥有代表自己权势和等级的马车，相互攀比、竞相争艳。具体表现为：选用最上乘的木料做骨架，马车的款式奇异，以曲线居多，纹样多以植物为主，穿插一些优美神话故事为题材的装饰画，色调常以红、黄为主，再以金色统一整体，以昂贵的造价获得华丽气氛。这充分显示出贵族的审美情趣，同时，我们也为匠师们用自己的智慧和双手创造出如此精妙的作品而赞叹不已。
我们从现代的角度审视18世纪的洛可可艺术，应该说蓬帕杜夫人是那些喜欢豪华风格者的代表人和组织者，有“众望所归”的特征。所以，才有洛可可风格作品出现后在贵族引起“共鸣”的时尚。也可以说，贵族们崇尚华丽的风气，诱发了洛可可艺术。当时上层社会的男男女女无不热心并亲自参加工艺活动，以至于这些举动有的达到令人讥笑和荒诞不经的地步。16世纪，当衰败的瓦卢瓦王的国王查理九世答应送给西班牙国王一支他亲自制作的枪时，那位西班牙大使为之惊诧不已。18世纪，路易十六的妻子玛丽成天抱怨他的丈夫沉湎在他的作坊中，甚至无暇顾及妻子，路易十六在他的作坊中潜心钻研的是钟和锁的奥秘。在这两例中我们似乎瞥见了那些把命运强加于他们身上的角色不相适应的悲剧性人们。这些人在体力劳动中发现了一个聊以自慰的世外桃源。但这对于不理朝政的帝王来说却是不祥之兆。
风靡一时的奇想多变的洛可可风格随着蓬帕杜夫人的亡故而终止，被路易十五另一情妇杜巴利夫人倡导的新古典主义而取代。但是，洛可可风格的璀璨之处，自有它超时代艺术生命力所在，现代人都公认它是19世纪下叶新艺术运动的前奏。而那些幸存的艺术精品，至今还散发着光芒，并向人们述说着那个岁月的时尚和人们不知道的故事。
