请问如何解释现
现代艺术画派20世纪产生于美国画坛上的抽象表现主义，标志着西方现代艺术中心从巴黎转移到了纽约。如果说，这个画派其实是欧洲现代派绘画在美国的延续，那么此后在美
国所产生的种种绘画流派，则全然是美国人自来自己的创造。波普艺术，便是最早的一个具有美国特点的画派。波普艺术出现在5360问答0年代中后期，按照利希滕斯坦的说
法，“把商业棉任给知章认艺术的题材用于绘画上深道雷均就是波普艺术。”它取材通俗，视觉图像简单直接，并且排除个性的流露。丙烯、搪瓷等材料在画面上造成平整光滑的肌理效果，
让人想到杂志封，带有高度类型化的气息。在波普艺
术家眼中，艺术就是生活，生活就是艺术。它可以直接以现实生活中的物品为题材，而生活中的物品也可以直接作为波普艺术作品。波普艺术之后的美国画坛上，显
示出流派纷呈的气象。照相写实主义、光效应、硬何关细际参液边绘画等等纷至沓来，让人眼花缭乱。光效应艺术流行于60年代，它通过线、形、色的特殊排半皮列引起人们的视错
觉，在静的画面上造出动的效果。照相写实主义主要流行于70年代，它根据照片绘制画建品成太参抗湖英毛木面，形象逼真而细致。
约翰斯是波普艺术早期的代表人物，他生于南卡罗来
那州，1952年移居纽约。他的画激根鲜二由我摒弃抽象表现主义那种下读丰怎群景侵短暂情感的表现，创造出一种用纯绘画形式、甚至用生活中的实物，精致处理日常现实烈跟图细越千务题材的“新达达”
风格。这种风格在波普艺术的发展中发挥了决定性的作用。仍约翰斯选择美国国旗作为该画的唯一母题。这一母题对百于一般的美国公众来说，具有讲福喜曾引失易叫获很强的象征意义。
“再没有别的社会符号有美国国旗这么强大的抵抗审美转化的力量了。”然而约翰斯偏要坚命木怎则然四判期多如含持说：“这不是旗子。”这不免让人想起马格里特曾
在其画着烟斗的一幅画上写下的一句话：“这不是烟斗。误似这式形尽”确实，那不是烟斗，而只是一幅画。约翰斯在此所要说的，想必也是这个意思。他在这幅新教少席波欢千死画中，其实是要
表现图像与现实之间的那种界限里。虽然他以高度写实的技巧把三面旗子描绘得十分逼真，但是它们看上去却似乎很不自然。它们毫无飘动和下垂的感觉，仿佛悬浮在
半空。可以看出，它们彼此隔有一定的距离和空间，但是相互间没有任何联系。假如说化认它们多少还有那么一点动的感觉的话，那就是旗子上的红、白、蓝三色并不是
平涂的单色，而是略微地带着起伏波动的效果。人们也许要问，画家是否在为这三面旗子画肖像这样的肖像，想必只会存在于画家的脑子里。因而，这幅画所描绘的
决不是一个真正的现实，而只而意空职是一种幻想的现实罢了。当我们第一眼看到这幅画时，怎么也不会想到它会让人有如此奇怪的感觉。
在波普艺术中，最有影响和最具代表性的画家是安迪沃霍尔（AndyWarhol，1927—1986）。他是美国波普艺术运动的发起人和主要倡导者。1962年他因展出汤罐和布利洛肥皂盒“雕塑”而出名。他的绘画图式几乎千篇一律。他把那些取自大众传媒的图像，如坎贝尔汤罐、可口可乐瓶子、美元钞票、蒙娜丽莎像以及马丽莲梦露头像等，作为基本元素在画上重复排立。他试图完全取消艺术创作中手工操作因素。他的所有作品都用丝网印刷技术制作，形象可以无数次地重复，给画面带来一种特有的呆板效果。
对于他的作品，哈罗德罗
森伯格曾经戏谑地说：“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子，就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐，”
他解释说：“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说，没有“原作”可言，他的作品全是复制品，他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画
中消除个性与感情的色彩，不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言：“我想成为一台机器”，恰与杰克逊波洛克所宣称的他“想成为自然”
形成鲜明对比。他的画，几乎不可解释，“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空，需要用闲聊和空谈来填满它。”实际上，安迪沃霍尔画中特
有的那种单调、无聊和重复，所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉，表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。
玛丽莲梦露的头像，是沃霍尔作品中一个最令人关注母题。在1967年所作的《玛丽莲梦露》一画中，画家以那位不幸的好莱坞性感影星的头像，作为画面的基本元素，一排排地重复排立。那色彩简单、整齐单调的一个个梦露头像，反映出现代商业化社会中人们无可奈何的空虚与迷惘。
利希滕斯坦（RoyLichtenstein，1923一）是以画卡通式的图像而著名的。与安迪沃霍尔一样，他不仅对日常生活中的平凡琐事以及现代商
品化社会的粗俗形象偏爱有加，而且，还喜欢以一种不带个性的、中性的方式，来处理这些形象。对于它们，他既不攻击批评，也不吹捧美化，只是简简单单地陈述
——这就是我们身临其境的城市，这就是那些组成了我们生活的图像和象征符号。1961年他开始将那最为平淡无奇的连环漫画中的形象，放到他的大幅的画面上
去。他津津有味地用油彩或丙烯颜料，将那些连环漫画原样放大，甚至把那廉价彩印工艺中的网点，都不厌其烦地复制出来。就画面的讲究和制作严谨而言，其画风
显得十分古典。
《在钢琴边的女孩》是一幅具有典型的利希滕斯坦画风特点的作品。整幅画复制了一幅连环漫画，比原作放大了五百多倍。画家不仅把原作的构图与人物形象准确复制下来，而且对原作者的笔法以及丝网印刷的网点作了精心细致的模仿。他借用广告画家的放大格，
逐格将连环漫画上的图形一成不变地从小格转移到画布的大格上去。他还采用特制的金属雕版，上面打有整齐的小孔，把大片的小圆点有规则地排立在巨幅的画面
上，有意模仿印刷工艺中的网点，以表明其放大的连环漫画的通俗文化色彩。他声称，这种绘画并不是机械的仿制品，其画法只是为了形式的原因：“我认为我的作
品与报刊漫画是不同的……，我所作的是造型，而报刊漫画依我的解释并不是造型。”
《流》，赖利作，1964年，板、混合材料，149．5×148．3厘米，纽约现代艺术博物馆藏。奥普（OPArt）艺术，又被称作“视幻艺术”或“光效应艺术”，流行于60年代。这种艺术主要借助线、形、色的特殊排列引起人们的视错觉，从而使静止的画面产生眩目流动的动感效果。它渊源于包豪斯的传统，利用了格式塔心理学的研究成果，是与观者的视觉感知作用紧密联系的一种抽象艺术。
光效应艺术的光感、幻感和动感源自于画面本身所拥有的特殊动力特质。线条，如垂直线、水平线、曲线的
规律性排列，形状，如圆形、正方形、长方形的周期性组合，以及色彩的并置、重叠、围绕、渐变等，给视网膜带来了特殊的刺激。它蛊惑人们的视知觉，造成闪
烁、放射、旋转、凹凸等运动幻觉。这种视觉上的飘忽不定，甚至使观者在不经意间便被拉人到意识涣散的恍惚状态之中。可以说，它是一种视觉魔术。尽管我们知道，所有的绘画艺术都涉及到物理事实与心理效果之间的差距问题，然而在这里，我们仍会惊异于静止平面上的那种起伏波动的幻觉效果。
光效应绘画的创作有点像是对视觉所作的科学试验，而与情感无关。这种绘画并不只限于画面本身，它还呼唤着观者的参与，只有当人们看着它时，它才能在与观者的相互作用中获得完整性，实现它的价值。实际上，这种倾向可以追溯到印象主义和
新印象主义。那些画家都尽量避免调和颜料，而是让原色在画布上并置，当观者退后到适当距离时，由于视网膜的独特复合作用，人们感觉到了光的闪烁。光效应画
家将这种技巧作了进一步推进，使之成为实际上的主题和内容。光效应艺术很能激起人们的兴趣，它被运用于设计、装饰、广告等方面，成为流行的一种标签。光效
应的代表画家包括维克多瓦萨莱利和布里奇特莱利等人。
布里奇特路易斯赖
利（BridgetLouiseRiley，1931—）是一位有创造性的英国女画家。1960年前，她主要画人物和风景，后来，她投入到光效应艺术中，
创作出一批很富动感的作品。
《流》作于1964年，是其有名的黑白绘画系列中的一幅。线条之间的关系似乎经过了仔细的推算和精心的编排，在画面上造成波折流转的效果。当眼睛盯着它
时，画面便不断地起伏波动，“流”的幻觉产生了。
致敬大师：马格里特和安东尼布朗的相遇
René Magritte（1898 – 1967）
比利时超现实主义画家、雕塑家
出生于埃诺省莱希纳，父亲是裁贺前缝，母亲是一名板样师。马格里特是家中长子。在他14岁时母亲投河自杀，导致了他幼小心灵受到了严重创伤。
勒内·马格里特，12岁开始接触绘画教育，后来他曾在布鲁塞尔的比利时皇家美术学院学习过两年。1918年在壁纸厂负责印花设计和一些商业活动。直到1927年，举家移居巴黎，在那儿开始了他们三年的新生活，并创办了自己的第一家画廊，逐渐融入法国超现实主义团体，并塌拍滑和许多画家结下了友谊。
而他的画家生涯是从1926年开始的 ，并于同年展出《迷失的骑师》（Le jockey perdu），进驻布鲁塞尔的《精品》画廊。
真实指的并不是我们身边那些触手可得的模糊与简单的东西，真正的真实只有特定的时间才可以感知到，这就是我想通过我的绘画传递的。——勒内·马格里特
马格里特的作品不受流行新团腊技巧影响，始终专注于创作奇幻的、恐怖的、充满特殊构想的形象。他的绘画作品总能给人以谜一般的猜想，赋予平常熟悉的物体一种崭新的寓意，并以其独特、冷静、睿智的思想如舞台布景般的画面构图、丰富多变的想象力或者将不相干的事物扭曲的组合在一起给人荒诞、幽默、奇幻、和一种摸不透的神秘感。在他的作品里总是描绘着一些日常生活中会出现的东西，比如楼房、云朵、森林、天空、石头，那些都是我们都能读懂的元素，但经他手处理之后，却变成了一种让人怎么也看不透的场面。
画中人物是马格里特本人，他用一只青色的苹果挡住了自己的容貌。
成千上万身穿正装的绅士从天而降，屋顶上、窗台上都“落满了”绅士，看到这幅面的给我的感受就是，奇特、新鲜、瞠目结舌。
马格里特母亲投河自杀，在她的尸体被警察从河里打捞上来时，他亲眼看到母亲的脸完全被她白色长裙覆盖，这也是为什么后来人们一直在马格里特的画面中看到死亡，看到被白纱蒙住头部的形象的原因。
我们眼里看见的云，在风看来并不是云，可能是它要追逐的逃婚的新娘；我们眼里所见的烟斗，在画家眼里，它不是烟斗，而是他精心挑选出来的一个符号。
一只人的眼睛，投射在这只眼睛视网膜上的蓝天白云。在马格里特看来，人的眼睛只是一面错误的镜子，因为它所得到的只是自然的幻影，却不是是自然本身。
“如果观赏者看了我的画后就提到我的画实际上是一种对常规的挑战，那么这位观赏者显然是明白了我的创作意图。因为我生来就是为了向常规发出挑战的。”
——勒内·马格里特
可以说，马格里特的画就像是一个故事，一杯美酒，仿佛谜一般，让人浮想联翩；你只需远离喧嚣与浮华，寂寂地安静，不要发出任何声响，就这样默默地沉浸其中，在不同时刻、不同场合、不同心境里能看出不一样的东西。
这或许也是很多人喜欢马格里特的原因。
在绘本界，也有这样一位“致敬狂人”，他就是创作了《我爸爸》、《我妈妈》、《大猩猩》、《隧道》、《胆小鬼威利》等一系列经典作品的绘本大师——安东尼·布朗。
这位深受安东尼·布朗偏爱的“大人物”就是超现实主义大师——勒内·马格里特。安东尼·布朗的很多绘画作品的灵感都来源于马格里特画作，也借此向自己的偶像致敬。
例如，他的第一部绘本《穿越魔镜》就用许多类似创作手法。比如，看不见脸的“隐身人”，从天空中飞过的唱诗班等等
还有他另一部更广为人知的作品，《梦想家威利》中也有很多向马格里特致敬的画面。
优秀的经典绘本读物，不仅有着超高的艺术鉴赏价值，不带任何说教，还总能启迪孩子们发自内心去感知世界、探索世界，并不断鼓励孩子们去不断发掘自己身上的“艺术力”。
学会品鉴，我们将会对经典有着全新的认知，前提是，知识储备也必须足够！一起认真学习，带着孩子们在绘本的世界里遨游吧。
最后，有个好消息要通知大家❤️
2019.6.22-2019.9.22 北京
国家图书馆（国家典籍博物馆）
超现实主义插画大师——
【安东尼·布朗的幸福博物馆】
全国首展空降北京
这个暑假给你们带来超燃的艺术感知和不一样的幸福体验，北京的朋友们可以去大开眼界啦……欢迎给我们分享感受哦，
以上，供参考。
