油画中的人物
我只能给你讲些油画技法，画油画关键是看你线若局支甲阻讲自己 多画 多练 多参照① 透明覆色法，即用不加白色而只是被调色油稀释的颜料进行多层次描绘。必须在每一层干透后进行下一层上色,由于每层的颜草一抓片息团色都较稀薄,下层的颜色能隐约透露出来，与上层的颜色盟目房银由每形成变化微妙的色调。例如在深红的色层上涂罩稳重的蓝色，就会产生蓝中透紫即冷中寓暖的丰富效果，这往往是调色板上无法调出的色调。这种画法适于表现物象的质感和厚实感，尤其能惟妙惟肖地描绘出人物肌肤细腻的色急联女础得袁静彩变化，令人感到肌肤表皮之下流动着血液。它的缺点是色域较窄，制作过程工细，完成作品的时间长，不易于表犯曾真轮赵前胶达画家即时的艺术创作情感。 ② 不道云矛论行独终模袁他透明覆色法，也称多层次着色法。作画时先用单色画出形体大貌,然后用颜色多层次塑底压极造,暗部往往画得较薄，中间调子和亮部则层层厚涂，或盖或留，形成色块对比。由于厚薄不一，显出色彩的丰富韵意与肌理。透明与不透明两种画法没有严格的区别，画家经常在一幅画作中综合运用。表现处在暗部或阴影中的物象时，用透明覆色法可以产生稳定、深邃的体积感和空间感；不透明覆色法则易于塑造处在暗部以外的形体，增加画面色彩的饱和度。19世纪以前的画家大都采用这两种画法，制作作品的时间一般较长，有的画完一层后经长期放置，待色层完全干透后再进行描绘。 ③ 不透明一次着色法，亮探斯圆右直也称为直接着色法。即在画布上作出物象形体轮廓后，凭借对物象的色彩感觉或对画面色彩的构思铺设颜色,基本上一次画完,不正确的部位用画刀刮去后继续上色调整。这种画法中每笔所蘸的颜料比较浓厚,色彩饱和度高,笔触也较清晰，易于表达作画时的生动感受。19世纪中叶后的许多画家较多采用这赶督较营课由顶证种画法。为使一次着色后达到色层饱满的效果，必须讲究笔风势的运用即涂法，常用的涂法分何只底束你日为平涂、散涂和厚涂。平涂就是用单向的力度、均匀的笔势涂绘成大面积色彩，适于在平稳、安定的构图中塑满前万沿所心扩这造静态的形体；散涂指的是依据所画形体的自然转折趋势运笔，笔触比较松散、灵活；厚涂括讨清企即告则是全幅或局部地厚堆颜料，有的形成高达数毫米的色层或色块，使颜料表现出质地的趣歌三贵味，形象也得到强题星额运化。 作为一种艺术语言，油画包括色彩、明暗、 线条、肌理、笔触、质感、光感、空间、构图等多项造型因素，油画技法的作用在于将各项造型因素综合它振志他局地或侧重单项地体现出来，油画材料的性能充分提供了在二度的平面底子上他态技新日材运用油画技法的可能。油画的制作过程就是艺术家自觉地熟练地驾驭油画材料、选择并运用可以表达艺术思想、形成艺术形象的技法的创造过程。油画作品既表达了艺术家赋予的思想内容，又展示了油画语言独特油画的发展过程经历了古典、近代、现代几个时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现出不同的面貌。
你认为画家是如何运用古典的艺术形式，赋予模特高贵的气质和风貌？
十四至十六世纪的欧洲文艺复兴时期，以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内、提香、丁托列托等为代表的油画艺术家创立了一种深受人们喜爱的油画表现形式一一古典主义油画。自此，古典主义油画作为西方绘画的主流一直持续到十九世纪印象主义油画产生，成为西方油画历史上发展最早时间最长影响最大的一个流派。古典主义油画的特点是运用科学严谨的构图真实精致的造型质朴归真的色彩在画面营造出庄严静穆典雅和谐的氛围和气息，给观者以宁静高雅真实自然至纯至美的视觉感受。比如达芬奇的《蒙娜丽莎》、拉斐尔的《圣母玛俐亚》、安格尔的《泉》、布格罗的《维纳斯的诞生》等等，都是古典主义油画的典范。古典主义油画以表现人物居多，以模特作参照创作油画成为画家代代相袭的传统，模特的选取也成为古典油画创作的一个重要要素，甚至业内有人说，一个好的模特是画作成功的一半。许多古典油画大师特别注重模特的选聘。因为创作具有古典艺术风格情调的油画，跟模特的关系很大。最起码模特要具有古典美的形象气质。达芬奇很早就开始构思《蒙娜丽莎》一画了，但是由于一直没有合适的模特迟迟不能动笔，直到几年后他遇到了《蒙娜丽莎》的人物原型乔孔多夫人。古典油画的细节很重要，包括人物的形象、表情、动作以及背景、道具的设置等都要合乎古典美的要求。新古典主义油画大师安格尔在创作《泉》的时候，为选取合适的模特也是用了很长时间。在这幅画中，模特的表情、神态、动作、气质清纯无邪秀美宁静庄重典雅，对这幅画的成功起了关健作用。《泉》被许多国家列为人体油画艺术教学的范本。印象主义油画大师雷诺阿的《浴女》系列虽然色彩比较浓艳，但画家赋予人物以古典美的特质，使人物丰腴而俊美，温婉而优雅，明快而有韵致，流露出高贵圣洁典雅脱俗的气息。
油画做特殊肌理效果的方法，比如沙子怎么用？
借用肌理作画，以求得视觉的满足是古典写实绘画常用的技法。现代派画家更注重肌理，甚至将布片、草根、树叶等实物直接贴于画面之上。这里介绍几种借用肌理表现物象质感的油画技巧： 毛绒感：用小笔触有规律地点成一片或在铺好颜色的地方使用小笔杆、硬木棍等点出绒毛状。传统方法中有使用木屑、沙粒等物的，具体作法：将胶液涂于所需部位，胶面上撒上筛选后干净的木屑，待胶与木屑粘合后，清除多余木屑（竖起画框，在背面轻拍），干透之后为防止木屑吸油，要在表面喷一层胶液。董希文先生在画《开国大典》中的地毯时，使用了小米做肌理。 草丛的肌理：可以用小笔勾画。大面积的草地常采用干拖法，即用大笔蘸浓厚的颜色拖刷，颜色干后再拖，反复进行直到产生厚重的草地效果，可使用画刀、扇形笔等辅助工具。传统表现方法是用白颜料加快干油在底层上搓出草的肌理，干后罩色，为使色层丰富可再用小笔勾画。使用丙烯材料做肌理需要在表面喷胶后再着色。美国画家怀斯利用稍挤干的蘸满水彩色的粗糙画笔画枯草或毛皮的底层。 用乳胶调和大白粉或立德粉做成的粉膏可做多种肌理，但不能太厚，否则有脱落的可能，表现木纹等纹理时可借用刀具。着色时可以首先反向铺色。如画面效果是冷色调，那么先用暖灰色薄涂一遍（棕色加少量的黑色）。然后用干净的布擦一遍，颜色便会渗到肌理的缝隙中，这一层颜料可用丙烯，因它干得快且坚固，并对后面的多次表现起作用，松节油也不易洗掉。接下来采用刮、罩的反复制作就能达到预期的理想效果。 油画常借用肌理来充分表现物体的外在特征。肌理能使画面产生可触摸的特殊艺术效果，是平涂着色难以达到的，它包括画布的纹理、粗糙的底子、笔触的变化、刀法的应用以及添加物的使用。 古代油画作品不乏利用肌理的典范，伦勃朗的肌理制作是其技法的一部分。古典绘画大师多数运用自己调和的白色制作肌理，然后用透明画法一层一层地画上去。现代画家通常利用大白粉调和乳胶在底子上做肌理或直接用白油画颜料制作肌理。比如画家艾轩用白颜料调快干油（日本产的快干油，与白颜料调和使用24小时内干透），使用大号狼毫油画笔在画面需要的地方运用揉搓等表现方法铺设有蓬松感的肌理。画家何多苓则用“Modeling”塑造软膏（具有可塑性强、易干等特点）来制作肌理，根据物象的质感变换笔意。 制作肌理的常用材料有： （1）石灰粉。可研制成细粉状和沙粒状，能与油画颜料混合使用，但不能添加过多，否则将减弱附着性。 （2）大理石粉。类似石灰粉，但此石灰粉硬且重，不易磨碎。 （3）沙子。使用前需用水清洗，易于油画颜料混合。 （4）赤铁粉。需和油画颜料调和充分才能获得均匀的肌理。不适合浓厚用法。 （5）其它。玻璃、锯末、杂草等均匀使用。 无论使用什么样的添加物，都会影响颜色的附着力。若使用极多的添加物，可利用上光油增加此媒材的附着力，而且使表面产生光泽。下面介绍几种制作肌理的简单方法： （1）利用大白粉或立德粉调白乳胶成膏状，利用画笔或画刀在需要的地方制作出斑驳的笔痕肌理，或将白粉膏涂于底层，用刀具、梳子、滚子等制作出所需要的肌理。 （2）将达玛或玛蒂树脂溶解于松节油再调和白颜料，达到一定粘稠度时再用画笔或大画刀在刮过胶的画布上制作理想的肌理。松节油挥发后，铅白会很快变硬（约二分钟），因此要恰当地掌握时间，如果太迟，涂料变硬，肌理制作就难以进行。 （3）使用丙烯颜料或丙烯塑型膏制作肌理非常方便，因丙烯材料干得快，亦可以堆砌。但如果在油底子或着色后的油膜上使用，丙烯颜料易剥落，所以使用前应先用砂纸打磨一下。 （4）作画过程中可以通过稀、稠、薄、厚等色彩变化，借用笔触与刀法直接做出凹凸不平的粗糙效果，或在颜料中掺入砂子、锯末、玻璃碎末、面包渣等颗粒状材料制作肌理.
