西方油画为什么有许多丰腴
朋友们在一起讨论西方油360问答画时，有一个共识，就是感觉西方油画特别是古典油画中，有许多丰腴的女性形象，比如达芬奇的《蒙娜丽莎》、提香的《照镜子的维纳斯》、鲁本斯的《土与水》、伦勃朗的《娜达厄》、安格尔的《里维耶夫人》、格维德的《雅典娜女神》等等。不禁对此产生好奇和疑问。难道西方是以胖为美，“美哒哒、肉嘟嘟”的女子形象更受人们喜欢吗？一，西方古典油画塑造了许多丰腴的女性形象，是跟古希腊古罗马雕塑学的吗？有人说，西方油画暨古典写实油画创立于14至16车足够侵金镇在反世纪的文艺复兴时期。文艺复兴提出的口号是“重振和复兴古希腊古罗马文占温血四队果化艺术”，在绘画上，画家们够是以古希腊古罗马雕塑作品为范例和样板的。油画中“美哒哒肉嘟嘟”的丰腴女人形象也是效仿因袭古希腊古罗马雕塑作品而来的。为此，我查阅了很多古希腊古罗马时期的雕塑作品（图片），发现其中的女性题材作品确实不少，但大多是婀娜纤巧娉娉婷婷的身姿，“丰腴”的女子形象并不多啊！古希腊古罗马最经典的女性雕塑应该且谓审找便运特印是《断臂的维纳斯》和《美惠三女神》了，这两幅作品很多人都看到过，人物形象虽算不上“楚腰纤细的和否死染积”，也称得上苗条，跟“丰腴”差必投刻乡美训互护着好多意思呢？我们看拉斐尔的油画《美惠三女神》，就是参照古希腊同名雕塑创作出来的。画中的三位女神身形曼妙，体态轻盈，灵动纤巧。由此看来，至少没有足够的依据能够证明，西方油画中有许多丰腴女性形象是跟古希腊古罗马雕塑学的，因此我以为，这个说法不能成立。住头二，西方古典油画塑造了许多丰腴的女性形象，是因为西甚客主包础切刑等重方“以胖为美”吗？有人说，西方古典油画中之所以有许多丰腴的女性形象，是因为西方以胖为美。真的是这样吗？诚然，由于东西方的社会历史文化习俗不同，在审美上也存在一定的前率话今配切地会差异。但是，如果仅以古典油画中有许多丰腴女性形象就断定西方是“以胖为美”，显然有些牵强。况且，西方古典油械也略频画中纤纤苗条“魔鬼身材”的女性形象也不少啊！比如乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》、布歇的《黛安娜曲岩劳季连皇读底露出浴》、柯里尔的《马背上的葛黛瓦夫人》、安格尔的《大宫女》、杰罗姆的《法庭上的芙丽涅》、布格罗的《宁芙与萨堤尔》等等，这又该怎么坐较别损呀理解和解释呢？因此，说古典油画中有许多丰腴女性形象是因为西方以胖为美，我以为这个说法似乎也不能成立。三，西方古典油画塑造了占华回业证九个型企许多丰腴的女性形象，我认为主要原因在于古典油画的“写实原德秋剂简则”与“贵族艺术”和“模特本身”的原因。笔者认为，西方古典油画中之所以有许多丰腴的女性形象，既不是效仿古希腊古罗马的雕塑艺术，也不是纯粹的“以胖为美”，出现这种望专现象主要源于古典油画的“写实原则”与“贵族艺术”和“模特本身”。（一），古典油画写实原则古典油画形成于欧洲文艺复兴时期商友罪威秋迫厚刑政岩收的15世纪。从其创立时起，表就确立了写实的基本原则：即以素描为基础，通过运用焦点透视法、光影学、色彩学、人体解剖学等原理科学严谨地造型具象，真实再现所描参钢资时及密洋绘物象的本来面貌。通俗的讲，就是“用油画画像”。古典油画的这一创作原则，从15世纪形成以后，一直贯穿至今。（二），“贵族艺术”的因素我们知道，从15世纪到19世纪中叶，在长达400多年的时间里，由于社会发展和时代的局限性，这一时期西方油画的主要服务对象是贵族阶层，包括宫廷王室、教会组织和新老贵族。贵族阶层是油画艺术的主要欣赏者和主要买家。因此也有人称这一时期的西方油画艺术是“贵族艺术”。比如意大利文艺复兴时期许多画家的作品是因教会教堂和美第奇家族等豪门贵族定制创作的。17世纪盛行的巴洛克油画和18世纪盛行的洛可可油画都是在贵族阶层的支持下兴起的，贵族阶层把持着这一时期油画艺术的审美评判。进一步说，古典油画中有许多丰腴的女性形象，很大程度上是因为贵族阶层的喜欢。（三），模特本身的因素前面讲到，古典油画最突出的特征就是“写实”，具有画像的职能。在15到19世纪的“贵族艺术”时期，当时照相技术还没有产生，画家给贵族家的夫人、小姐画像或贵族家的夫人、小姐请画家给自己画像，是一件非常时尚和体面的事情，而贵族夫人、小姐因为养尊处优生活安逸保养又好，大都体态丰腴，肤白貌美，并且带有雍容华贵的气质。给这些女人画像或者说这些女人作为模特，画家在绘画时遵循古典油画的写实原则将她们的形体容貌真实细腻地再现了出来，其中很多成为传世的经典名画。如达芬奇的《蒙娜丽莎》、提香的照镜子的维纳斯》、安格尔的《里维耶夫人肖像》等等都是出自于为当时的贵族夫人画像而创作出的肖像油画精品。巴洛克油画大师鲁本斯很多代表作如《三美神》、《抢夺留希帕斯的女儿们》、《土与水》中的女子形象都很丰腴，是因为这些作品都是鲁本斯以他妻子海伦娜为模特创作的，而海伦娜本身就是一个比较丰腴的女人。
不一样的国王和王后肖像——委拉斯开兹《宫娥》
「在艺术史上，有一些油画可以穿越百年、不分地域地打动人们，它们是审美、情感与技艺的高度融合;同时也是全人类的精神珍宝。【名画赏析】将选取大师们的经典作品进行解读，和读者分享其中的妙处、特色。我们将从有着「画家中的画家」称号的迭戈·委拉斯开兹开启这个系列，这位著名的西班牙油画家的代表作为：《宫娥》。」 委拉斯开兹：（1599-1660）十七世纪巴洛克时期画家，全名为迭戈·德·席尔瓦·委拉斯开兹，以风俗画和肖像画著称。被誉为「文艺复兴后最伟大的西班牙画家」，对后世影响颇深。 《宫娥》这幅作品创作于1656年。彼时，西班牙已结束了它的「黄金时代」，正逐步走向没落;但奢华的宫廷生活仍在延续。我们可以借这幅具有风俗特色的、反映宫廷生活的油画，对数百年前的生活进行一番想象。由于人物集中在画面下方，我们主要对区域性进行赏析;为了保证条理性，将众多人物划分为了四个梯队。 作品区域性赏析 ■第一梯队：国王与王后 这幅画中，最具权势的人物是西班牙国王菲利普四世及王后玛丽安娜。但根据画家的设计，他们并不是作品的中心人物。为了兼顾对统治者的尊崇和作品需求，委拉斯开兹采用了巧妙的做法：将二位皇室设计在墙上的镜中倒影里。同时利用黑衣女仆、小侏儒和守卫等人的目光，聚集在二人身上，来烘托人物的重要性。这种构图的创新在于：首先，它打破了社会层级最高的人一定出现今中心的陈规，让其「退居二线」。其次，避免了宫廷画中，一旦人物众多，就进行依次排列的枯燥做法。画面中各种身份的人物，表现出了在日常中的自然状态：主次分明，位置错落，各具神采。 这位菲利普四世，一向对委拉斯开兹很赞赏。据说，1623年委拉斯开兹移居马德里后，曾有机会觐见国王。当时，他为国王绘制了肖像，被大加赞赏。国王当即下令将墙上所有的其他画像取下来，还宣称，今后只有委拉斯开兹可认为他画像。也侧面反映了画家不凡的绘画功力。 ■第二梯队：小公主玛格丽特 作品的核心人物，是位于画面中心位置的小公主玛格丽特。她所在之处也是光线最强烈的位置，被其他人物众星捧月。华丽、精致的礼服搭配金色的头发，如洋娃娃一般。但她并未显露太多儿童的纯真愉悦，反而是皇室高傲、矜持的姿态。左侧的宫娥跪着向她奉上茶点，却全然不被理会。 ■第三梯队：宫娥、宫廷侏儒和侍卫 左侧的宫娥正在为公主奉上食物，另一位在右侧静心倾听吩咐;周围还站着两位随从和宫廷的侏儒。远处背景中设立了一扇开启的门，一个守卫正自门外向内张望;不仅在景深上加重了场面的层次感，同时将较暗的背景开启一道「气孔」，减少了画面的沉闷性。 ■第四梯队：画家 这幅作品里另一处大胆的设计，在于画家将自个的形象入画：左侧手执调色盘和画笔的男子，正是创作者委拉斯开兹本人。他神情严肃、冷静;纵然小公主的到来让场面陷入一些慌乱，他也好像置身事外，不受影响。在描绘肖像时，他强调了胸前的十字爵士勋章，通过这种方式显示出自身的高贵。 到底，当时宫廷画家的地位并不理想。纵然是备受菲利普四世欣赏的委拉斯开兹，也仅仅被破格提为和宫廷小丑同样的地位。 解密作者委拉斯开兹 创作这幅作品时，委拉斯开兹已57岁了，距他去世仅仅还有四年时间。他已经历过早期类卡拉瓦乔的用光，和自我风格的探寻。在鲁本斯的建议下，西班牙皇室派他周游威尼斯、罗马、佛罗伦萨等地，为其寻找艺术珍品。不仅开阔了眼界，也有机会临摹不少大师的作品。此时的他，不管在技法还是个人艺术风格上已相当稳定、成熟。 在代表作《宫娥》中，他大胆发挥了艺术的创造性，进行了巧妙地构图。不管是国王、王后在镜中的倒影;中间众多人物的错落、姿态各异;还是通过在背景中的门，来增加画面的复杂性和透气感，都是出色的绘画技巧。而在色彩与质地描摹上，画家也很讲究：他从不在暗部直接使用棕色或黑色，而是利用丰富的色彩组成暗部及阴影，充满细节。这种对技术的孜孜不倦的追求，令他的作品不管是质感、形体、空间、明暗的处理都可圈可点，毫不敷衍。 然而，委拉斯开兹真正深刻的特点，并非这些肉眼可见的技巧。而是一种很可贵的「客观性」。当我们回顾历史上著名的肖像画家，会发现：弗朗西斯科·戈雅像一篇激烈的议论文，他毫不掩饰对锦衣华服下蠢钝的贵族的轻视，语言如刀子般锋利;凡·代克则像一首咏诵诗，为了追求艺术美感而失去了真实性;委拉斯开兹才是真正兼具高超技巧，却置身事外的艺术家。他的作品并没有太多启发性，源于他并不以为自个是政治家和革命家。仅仅希望做一个恪守本分的「画家」：通过对人物外形、内心的洞察，凭借一支可信的画笔，将它们如实还原在画布上。 日前，委拉斯开兹是公认的西班牙最伟大的画家。他的作品，大部分被收藏在世界四大艺术馆之一的普拉多博物馆（位于马德里）。大约有六十多幅作品，向公众开放。
